martes, 12 de noviembre de 2013

DIRECTORES - ABEL FERRARA (1951-)






EL ARTISTA DEL GRAN ESCAPE


                         

Abel Ferrara es un cineasta italo norteamericano, resistido en los Estados Unidos pero con un importante círculo de seguidores en Europa, sobre todo Francia. Entre lo pop y la vanguardia, de allí, quizás, que Abel Ferrara guste tanto a los críticos asociados con las mutaciones cinéfilas. En su cine hay una saludable tensión entre las películas de explotación y la seriedad. Ferrara fusiona los límites entre el cine industrial y de arte (o vanguardia), y reescribe los géneros (el terror, el thriller, el film noir, la ciencia ficción), dotándolos de un contenido social. 

El cine de género se ha nutrido de infinidad de malvados personajes que, hasta nuestros días, siguen cautivando a los espectadores de todo el mundo. Si bien Hollywood dio el paso inicial, con el correr de los años no hizo más que practicar pequeñas variantes en toda la filmografía que hoy conocemos, ya sea en lo que respecta a horror o thrillers.

El director Abel Ferrara rechazó estas convenciones y dotó a sus personajes de una psicología propia y personal: sus obsesiones más frecuentes surgidas del mismísimo Ferrara. Es entonces que nos enfrentamos a un cine de autor, que gira permanentemente alrededor de una ruptura constante de los convencionalismos del cine de géneros.

Muchos podrán culpar a Ferrara de ser excesivamente violento y descarnado a la hora de presentar sus historias; pero lo cierto es que, para este director, todo proceso de purificación viene gestado por estados de culpa y castigo; autoproclamado como católico ferviente, la condición de redención del ser humano puede darse si previamente se ha descendido hasta los más profundo del ser; cuestión no casual es que todos sus personajes son llevados a actuar en contextos en donde su paulatina destrucción permite ser justificada.


Los inicios de Ferrara nos transporta a 1979 con su primer obra: El asesino del taladro (Driller Killer), dirigida y protagonizada por él mismo usando el seudónimo de Jimmy Laine; el film narra las aventuras de un psicópata cuyo pasatiempo es eliminar a sus semejantes con la ayuda de la herramienta de referencia.

Su película siguiente, El ángel de la venganza (Ms. 45, 1981), presenta la historia de una mujer que tras ser salvajemente violada, emprende el exterminio de todo hombre que la asedia o asedió alguna vez. Siguieron Fear City (1984), China Girl (1987) y Cat Chaser (1989).

Príncipe de Nueva York (King of New York, 1990), con la cual Ferrara se convierte en objeto de un reconocimiento mucho más amplio. El film  describe los nexos y mecanismos de la mafia neoyorquina, encarnados en la figura de Frank White (Christopher Walken), un capo del narcotráfico que elimina a todo rival que amenace su posición. Su siguiente trabajo es, quizás, el más controvertido: Un maldito polícia (Bad Lieutenant, 1992) interpretada por Harvey Keitel narra la historia de un policía neoyorquino y su lucha contra su propia desintegración espiritual. Después, siguió Juegos peligrosos (Dangerous Game, 1993), también protagonizada por Keitel, una visión autocrítica de su rol como cineasta y un juego de pérdida de límites entre ficción y realidad.
En años recientes, ha dirigido Usurpadores de cuerpos (Body Snatchers, 1994), tercera versión del clásico de ciencia ficción (la primera dirigida por Don Siegel en 1956 y la segunda por Philip Kaufman en 1978), The Addiction (1995), una historia de vampiros con un discurso filosófico, El funeral (The Funeral, 1996) , The Blackout (1997), New Rose Hotel (1998) y la no estrenada comercialmente en nuestro país, R XMAS (2001).

En casi toda la filmografía de Ferrara, la violencia se establece como hilo conductor de sus historias; rasgos comunes presentes en sus films son tales como la dificultad en establecer una línea divisoria entre paranoia y lucidez o la agonía espiritual como camino único de salvación. Todo conduce a un destino de autodestrucción, lento, en forma de curva descendente, una ruta invadida por todas las manifestaciones imaginables de la degradación humana.


Tanto en El asesino del taladro como El ángel de la venganza, por ejemplo, podrían catalogarse como slasher movies (films de asesinos seriales) y, aún así, existe un giro en la convención de este género dado por las particularidades de las víctimas del personaje central. En el caso de El asesino del taladro, las víctimas y el criminal no conforman fuerzas antagónicas que representen una noción absoluta del Bien y el Mal, tal como se estructura en los films de género; el protagonista, es un ser lúcido y con la necesaria cuota de sensibilidad, mientras que sus víctimas son presentados como individuos inestables y marginados. Es entonces que el asesino, funciona como figura de identificación para el espectador, que en el afán de fundamentar los razones de la psicosis, termina por justificarsele todo su accionar. 
En El ángel de la venganza, esto es todavía más radical: el psicópata asesino es una mujer recién violada, que mata sistemáticamente uno por uno a los hombres que la asedian y que incluso considera amenazantes. En ambos casos, los personajes, justifican su existencia más allá de sus acciones; inmersos en un infierno cotidiano, no hacen sino actuar en consecuencia y, para Ferrara, esto significa descender moralmente y emprender así el camino de la salvación.

Pero en donde más se profundiza es en Príncipe de Nueva York y Un maldito policía, donde sus antihéroes poseen una ética más sólida que la de muchos de sus antagonistas. En la primera, el líder narcotraficante Frank White asume el deber casi moral de eliminar a sus rivales, quienes -según él- son una amenaza social mucho mayor que la de su persona. Este acto contiene implícita una noción de justicia difícil de aceptar para la ley establecida: para Ferrara, las verdaderas víctimas no son las que mueren acribilladas (o taladradas) en manos de un delincuente o un psicópata, sino los delincuentes o psicópatas que se ven obligados, por una exigencia personal, a matar a sus semejantes. 
En Un maldito policía el protagonista se somete a algo similar: cuando supone haber llegado a un punto irreversible de degradación, y llevado hasta el límite su relación con las drogas, la corrupción y la violencia, encara un conflicto religioso que detona los complejos mecanismos de la culpa. Pese a su maldad inherente, en su confrontación con la figura de Cristo, comienza su propio camino hacia el perdón. Cabe destacarse que su encuentro no es real sino un producto del delirio del personaje; esto conlleva a pensar en que la expulsión de sus males es siempre autoinducido, y ni siquiera la presencia Santa (y mucho menos las instituciones), se encuentren capacitadas en reformar al que no haya descendido primero a la región más oscura de sí mismo; la respuesta final es simplemente una sola: el perdón.


The Addiction es una continuación de lo ya expuesto; aquí la protagonista, estudiante de filosofía con características vampíricas, participa de una metáfora un tanto explícita para referirse a todo tipo de adicción. Su deseo constante de sangre hace incrementar su descenso hasta llegar a entender la esencia humana gracias al entendimiento de las teorías filosóficas ( Heiddegger, Nietzsche y Sartre aparecen constantemente como puntos de referencia)  que, siendo mortal en sus inicios,  estudiaba y le parecían inescrutables. Aquí la maldad es inherente al hombre, por tal motivo, el hombre tiende hacia el Mal; las preocupaciones religiosas y la reflexión sobre la culpa y la redención son constantes a lo largo del filme: existe un idea positiva en el hecho de sufrir, ya que para redimirse habrá que aceptar el dolor y la culpa y de esta forma se obtiene el verdadero perdón.

La sensación de degradación en el cine de Ferrara funciona como factor clave en el proceso de percepción del espectador gracias, a la construcción de ambientes netamente claustrofóbicos; en ellos, el proceso de creación establece nexos directamente sobre la conciencia (o inconsciencia) del público: la descarga del autor se transforma en catarsis en quien la consume. 
Con esto decimos que, el autor, libera sus obsesiones siendo disparador en aquellos individuos en donde las mismas gozaban de una pasividad extrema, poniéndolas así en movimiento. Obviamente, este efecto es molesto hasta tal punto de generar rechazo y/o la imposibilidad de mantener una postura indiferente ante una obra que, para muchos, resulta insoportable. Ante lo manifestado en este artículo, muchos espectadores seguirán siendo seducidos por la liviandad de los productos hollywoodenses; mientras tanto, las obras de Ferrara lo mantienen indiferente y aislado ante tanta  superficialidad.
Por supuesto, el interés por la pose corporal, por las maneras en las que el cuerpo se expresa y significa, no son privativas de estas dos películas, pero ese inventario del gesto como índice de pertenencia, llama la atención particularmente en estas dos. Mientras las compañías de telecomunicaciones nos quieren convencer de que el mundo está cada día más interconectado, Ferrara sigue filmando a grupos de hombres y mujeres con sus propios códigos. Como un arqueólogo que quisiera fosilizar el gesto, el afecto implicado en ello, Ferrara sigue preguntándose por lo interpersonal y sus contradicciones. Esa es una de sus grandes virtudes.



Filmografía



    Nicky's Film (1971)

    The Hold Up (1972)

    Could This Be Love (1973)

    Nine Lives of a Wet Pussycat (1976) (como Jimmy Boy L)

    Not Guilty: For Keith Richards (1977) corto (ahora perdido)

    The Driller Killer (1979)

    Ms. 45 (1981)

    Fear City (1984)

    China Girl (1987)

    Cat Chaser (1989)

    El rey de Nueva York (1990)

    Bad Lieutenant (1992)

    Body Snatchers (1993)

    Dangerous Game (1993)

    The Addiction (1995)

    California (1996) (Videoclip de Mylène Farmer)

    The Funeral (1996)

    The Blackout (1997)

    New Rose Hotel (1998)

    'R Xmas (2001)

    Mary (2005)

    Go Go Tales (2007)

    Chelsea on the Rocks (2008)

    Napoli Napoli Napoli (2009)

    Mulberry St. (2009)

    Jekyll and Hyde (2010)


lunes, 11 de noviembre de 2013

DIRECTORES - JEAN-LUC GODARD (1930-)






LA TRAMA DEL AUTOR




Jean-Luc Godard es un director y guionista francés de ascendencia suiza. Nació en París en el seno de una familia acomodada, siendo su padre el médico Paul Godard. Su madre, Odile Monod era miembro de una familia de banqueros. Uno de sus antepasados fue el teólogo del siglo XIX Adolphe Monod.

En tiempos de la Segunda Guerra Mundial su familia se trasladó a Suiza, país en el que Godard vivió parte de su juventud y adquirió la doble nacionalidad. A finales de los años 40 volvió a Francia para intentar cursar estudios universitarios.

Pasó breve tiempo en la Sorbona matriculado en Antropología, carrera que abandonó pronto para volcarse en su pasión cinéfila y en la redacción de artículos y críticas sobre películas en diversas publicaciones, como “Gazette Du Cinéma”, “Arts” y la influyente revista “Cahiers Du Cinéma”, creada por uno de sus maestros teóricos, André Bazin.

Godard y otros críticos de “Cahiers Du Cinéma”, como François Truffaut, Claude Chabrol o Eric Rohmer, se convirtieron en cineastas en la parte final de los años 50 configurando la nouvelle vague, importante corriente cinematográfica basada en la teoría del autor derivada del “caméra-stylo” de Alexandre Astruc, las localizaciones naturales, la improvisación y, entre otros rasgos característicos, la libertad en la expresión espacio-tiempo.
           
Después de filmar varios cortos, Jean-Luc Godard debutó como director de largometrajes con “Al Final De La Escapada” (1960), un film dedicado a la productora estadounidense Monogram Pictures que estaba protagonizado por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, co-escrito por François Truffaut y contaba con la dirección artística de Claude Chabrol. Este arranque de Godard es uno de los títulos más significativos dentro de la nueva ola francesa que tanto influyó en el cine posterior a su aparición.           

La década de los años 60 es la época clave y más importante en la filmografía de Godard. Además de “Al Final De La Escapada”, el prolífico director parisino estrenó títulos como “Una Mujer Es Una Mujer” (1961), “Vivir Su Vida” (1962), “El Soldadito” (1963), “Los Carabineros” (1963), “El Desprecio” (1963), “Banda Aparte” (1964), “Lemmy Contra Alphaville” (1965), “Pierrot, El Loco” (1965), “Masculino-Femenino” (1966), “Dos O Tres Cosas Que Yo Sé De Ella” (1967), “La Chinoise” (1967), “Week End” (1967), el documental sobre los Rolling Stones “Sympathy For The Devil” (1968) o “Le Gai Savior” (1969).

También Godard participó en este período en varias películas de episodios, como “Ro.Go.Pa.G.” (1963), “Las Más Famosas Estafas Del Mundo” (1964), “París Visto Por…” (1965), “El Oficio Más Viejo Del Mundo” (1967) o “Amor y Rabia” (1969).

Algunas de sus películas más logradas están protagonizadas por Anna Karina, modelo y actriz danesa con la que Godard se casó en el año 1961. Entre ellas la comedia romántica y musical “Una Mujer Es Una Mujer” (1961), la historia sobre prostitución “Vivir Su Vida” (1962), la cinta de carretera “Pierrot El Loco” (1965) o la mezcla entre cine negro y ciencia-ficción de “Lemmy Contra Alphaville” (1965).

En 1967 el matrimonio entre Anna Karina y Jean-Luc Godard se rompió. El mismo año el director se casó con la actriz Anne Wiazemsky, con quien permaneció hasta 1979. Su tercera pareja estable fue Anne-Marie Miéville, suiza que co-dirigió varias películas con su marido desde la parte final de los años 70.

A partir de los años 70 la producción de Godard resultó muy irregular y menor en comparación con sus títulos previos. A diferencia de su colega Truffaut, que nunca permitió que la política condicionara su cine y su forma de ver la vida (“eso de izquierda y derecha es maniqueísmo, una manera de simplificar la realidad”, manifestó el autor de “Los Cuatrocientos Golpes”), Jean-Luc Godard politizó sus películas desde los tiempos revolucionarios de 1968, año en el que creó el Dziga Vertov Group, conjunto de cineastas atraídos por las ideologías marxista y maoísta que incluía, entre otros, a Jean-Pierre Gorin. El proyecto duró poco, siendo “Todo Va Bien” (1972), film con Jane Fonda, una de sus últimas manifestaciones.
           
“Salve Quien Pueda La Vida” (1980), “Pasión” (1982), “Nombre: Carmen” (1983), “Yo Te Saludo, María” (1985) o “For Ever Mozart” (1996), por una u otra causa, fueron las cintas más resonantes de Godard en las siguientes décadas.

Sus últimas películas de ficción son “Elogio Del Amor” (2001), “Nuestra Música” (2004) y “Film Socialisme” (2010). Jean-Luc Godard fue galardonado con un Oscar honorífico al conjunto de su carrera en el año 2010.

Cultiva un cine creador, vanguardista, pero accesible en su conjunto. Es experimental respecto al montaje considerado clásico.Es uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes.



Premios

    1965 - Oso de Oro en el Festival de Berlín por Alphaville
    1995 - Premio Theodor W. Adorno (Theodor W. Adorno Preis) de la ciudad de Fráncfort del Meno (Alemania)
    2010 - La Academia de Hollywood le concedió el Óscar honorífico.


Filmografía


    Adieu au language (2013)

    Film socialisme (2010)

    Une catastrophe (2008, corto)

    Vrai faux passeport (2006, corto)

    Moments choisis des histoire(s) du cinéma (2004, doc.)

    Nuestra Música, Notre musique (2004)

    Ten Minutes Older: The Cello (2002) (segmento de "Dans le noir du temps")

    Liberté et patrie (2002) (V)

    Elogio del amor, Éloge de l'amour (2001)

    De l'Origine du XXIème siècle (2000, corto, doc.)

    Histoire(s) du cinéma: La monnaie de l'absolu (1998) (V)

    Histoire(s) du cinéma: Le contrôle de l'univers (1998) (V)

    Histoire(s) du cinéma: Les signes parmi nous (1998) (V)

    Histoire(s) du cinéma: Une vague nouvelle (1998) (V)

    The Old Place (1998)

    Histoire(s) du cinéma: Fatale beauté (1997) (V)

    Histoire(s) du cinéma: Seul le cinéma (1997) (V)

    For Ever Mozart (1996)

    JLG/JLG - autoportrait de décembre (1995)

    Deux fois cinquante ans de cinema français (1995)

    Hélas pour moi (1993)

    Les Enfants jouent à la Russie (1993)

    Allemagne 90 neuf zéro (1991)

    Contre l'oubli (1991) (segmento de "Pour Thomas Wainggai, Indonésie")

    Nueva ola, Nouvelle vague (1990)

    Comment vont les enfants (1990) (segmento L'enfance de l'art)

    Histoire(s) du cinéma: Toutes les histoires (1989) (V)

    Histoire(s) du cinéma: Une histoire seule (1989) (V)

    Le Rapport Darty (1989)

    Les Français vus par (1988) (mini) TV Series (segmento Le dernier mot)

    On s'est tous défilé (1988)

    Puissance de la parole (1988)

    Soigne ta droite (1987) (figura como Monsieur Godard)

    Aria (1987) (segmento Armide)

    El rey Lear, King Lear (1987)

    Grandeur et décadence (1986) (TV)

    Meetin' WA (1986)

    Soft and Hard (1986)

    Detective, Détective (1985)

    Yo te saludo, María, Je vous salue, Marie (1985)

    Série noire (1984) TV Series

    Carmen, pasión y muerte (1983)

    Pasión (1982)

    Carta a Freddy Buache, Lettre à Freddy Buache (1981)

    Que se salve quien pueda (la vida), Sauve qui peut (la vie) (1980)

    Guion de Sauve qui peut la vie (1979)

    Comment ça va? (1978)

    France/tour/detour/deux/enfants (1977) (mini serie) (TV)

    Ici et ailleurs (1976)

    Six fois deux/Sur et sous la communication (1976) (mini serie) (TV)

    Numéro deux (1975)

    Letter to Jane (1972)

    Todo va bien, Tout va bien (1972)

    One P.M. (1972)

    Lotte in Italia (1971)

    Le Vent d'est (1970)

    British Sounds (1970)

    Pravda (1970)

    Vladimir et Rosa (1970)

    Le Gai savoir (1969)

    Amor y rabia, Amore e rabbia (1969) (segmento L'Amore)

    Sympathy for the Devil (1968)

    Cinétracts (1968)

    Un film comme les autres (1968)

    Week End (1967)

    Loin du Vietnam (1967) (segmento Caméra-oeil)

    La Chinoise (1967)

    Le Plus vieux métier du monde (1967) (segmento Anticipation, ou l'amour en l'an 2000)

    2 o 3 cosas que sé sobre ella, 2 ou 3 choses que je sais d'elle (1967)

    Made in USA (1966)

    Masculino, Femenino, Masculin, féminin: 15 faits précis (1966)

    Pierrot el loco, Pierrot le fou (1965)

    París visto por..., Paris vu par... (1965) (segmento Montparnasse-Levallois)

    Lemmy contra Alphaville, Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (1965)

    Une femme mariée: Suite de fragments d'un film tourné en 1964 (1964)

    Las estafas más famosas del mundo, Les Plus belles escroqueries du monde (1964) (segmento Le Grand escroc)

    Banda aparte, Bande à part (1964)

    Reportage sur Orly (1964)

    El desprecio, Le Mépris (1963)

    Los carabineros, Les Carabiniers (1963)

    Ro.Go.Pa.G. (1963) (segmento Il Nuovo mondo)

    El pequeño soldado, Le Petit soldat (1963)

    Vivir su vida, Vivre sa vie: Film en douze tableaux (1962)

    Los siete pecados capitales, Les Sept péchés capitaux (1962) (segmento La Paresse)

    Una mujer es una mujer, Une femme est une femme (1961)

    Une histoire d'eau (1961)

    Charlotte et son Jules (1960)

    Al final de la escapada o Sin aliento, À bout de souffle (1960)

    Charlotte y Véronique, Charlotte et Véronique, ou Tous les garçons s'appellent Patrick (1959)

    Une femme coquette (1955)

    Opération béton (1954)