miércoles, 11 de septiembre de 2013

DIRECTORES - JEAN RENOIR (1894-1979)






 EL REALISMO INDIVIDUAL DE LA IMÀGEN



Jean Renoir (París, 15 de septiembre de 1894 - Beverly Hills, 12 de febrero de 1979) fue un director de cine, guionista y actor francés. Era el segundo hijo del famoso pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir.


Sus películas, que durante mucho tiempo fueron menospreciadas e incomprendidas, aparecen hoy en día como obras clave dentro del desarrollo de la historia del cine francés entre 1930 y 1950, antes de que se iniciara en Francia la Nouvelle Vague. La influencia sobre el cine de François Truffaut es especialmente notable.

Estudió en el Sainte-Marie de Monceau, un colegio católico privado en París. Tras unos estudios mediocres, Jean Renoir se alista en el cuerpo de dragones en 1912. Soldado durante la Primera Guerra Mundial, servirá en la aviación a partir de 1916. Sufre una herida en la pierna que hará que cojee toda su vida.

En 1920, se casa con una de las modelos de su padre, Andrée Heuchling, y abre un taller cerámico. El estreno, en 1921, de la película de Erich von Stroheim, Esposas Frívolas (Foolish Wives) será determinante en su futura carrera como cineasta.


Su primer largometraje, La Fille de l'eau (1924), es una fábula bucólica con estética impresionista, en el que participan su joven esposa, que había adoptado el seudónimo de Catherine Hessling, y su hermano mayor, Pierre Renoir. La tibia acogida que se dispensa a la película no desanima al cineasta, que poco después se aventurará en una costosa producción, Nana, basada en la novela homónima de Émile Zola, en 1926. Para financiarla venderá algunos de los lienzos de su padre que había heredado. Más adelante se lanzará a una serie de películas de inspiración diversa (La Petite Marchande d'allumettes, basada en el relato de Hans-Christian Andersen, 1928 ; Tire-au-flanc, comedia militar, 1928 ; On purge Bébé, basado en Georges Feydeau, 1931) que no siempre convencieron al público.
Con estas obras, el autor se inscribía, ya desde sus comienzos, en la tradición realista francesa, aunque en esta primera etapa deja entrever una cierta influencia vanguardista. Renoir rueda a los actores en su ambiente, sin trucos ni técnicas de estudio, con una maravillosa sensibilidad para la realidad física de los objetos y su medio. Su estilo, de apariencia neutral, es como una energía interna en la narración que actúa y organiza todos los elementos sin alterarlos. Su mirada selecciona y compone la realidad sin transformarla.
Renoir utilizó -antes que Orson Welles- lentes que mantenían en foco los objetos en profundidad, y utilizó la puesta en escena para seguir a los personajes con tomas largas, cambiando el cuadro, consiguiendo una unidad de espacio y de acción y también una ambigüedad rica en significados.

Con la llegada del sonoro la obra de Renoir alcanzó su plenitud expresiva a través de sus rigurosos retratos sociales de tipos y de ambientes sórdidos. La Golfa (1931) marca un cambio en la obra de Jean Renoir. Es una de las primeras películas sonoras, adaptada partiendo de una novela de Georges de La Fouchardière; La Golfa dio a Michel Simon uno de sus mejores papeles, el de un pequeñoburgués celoso, asesino y torpe.

Tras La Nuit du carrefour (basada en Georges Simenon, 1932), en la que Pierre Renoir interpretaba al comisario Maigret, el director dirigirá una serie impresionista de obras maestras: Boudou salvado de las aguas (otra vez con Michel Simon, 1932), El crimen de Monsieur Lange (con Jules Berry, 1935), Una partida de campo (1936) en la que su sobrino Claude Renoir es el autor de la fotografía, y Los bajos fondos (con Louis Jouvet, 1936). Buscando inspiración en las novelas de Gorki o en los relatos de Maupassant, Jean Renoir demuestra un agudo sentido de la realidad, que pone al servicio de un auténtico naturalismo poético.

Poco a poco irá buscando la colaboración de Jacques Prévert y Roger Blin, que dan a su producción una dimensión abiertamente política, marcadas por las ideas del Frente Popular: La vie est à nous, (1936), El crimen de Monsieur Lange, La Marsellesa, (1938). Esta tendencia abrirá el camino al neorrealismo italiano.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, Jean Renoir trata de promover un mensaje de paz con La gran ilusión (1937), en la que participan (en un homenaje) su padre espiritual Erich von Stroheim y Jean Gabin. En La bestia humana (1938), trata de poner ante la pantalla los compromisos sociales de la época. En su obra maestra, La regla del juego (1939), prevé el desmoronamiento de los valores humanistas y traza un cuadro sin ninguna condescendencia sobre las costumbres de la sociedad francesa.

Exiliado en los Estados Unidos en 1940 (dejará inconclusa una adaptación de Tosca de Victorien Sardou, que al final rodará Carl Koch), Jean Renoir adquiere la nacionalidad estadounidense. Aunque se adapta difícilmente al universo de Hollywood, dirige a pesar de todo algunas películas por encargo, en especial películas de propaganda, como Esta tierra es mía, con Charles Laughton en 1943 o Salute to France 1944 y adaptaciones literarias (Memorias de una doncella, basado en Octave Mirbeau, 1946), antes de viajar a la India para rodar El río (The River, 1951), película en color, contemplativa y serena, con un humanismo a veces desencantado. Esta película desarrollará una importante influencia en el propio cine de la India.

De vuelta a Europa a principios de los años 1950, Jean Renoir aún rodará Le Carrosse d'or (basado en Prosper Mérimée, 1952), French Cancan (con Jean Gabin y Françoise Arnoul, 1955), Elena y los hombres (con Ingrid Bergman y Jean Marais, 1956) y Le Caporal épinglé (basado en Jacques Perret, 1962).

Al encontrarse cada vez con mayores dificultades para producir su películas, se dedica a la televisión (Le Petit Théâtre de Jean Renoir, 1969-1971) y se dedica con mayor empeño a la escritura: publica un libro sobre su padre, Renoir, mi padre (1962), su autobiografía, Mi vida y mis películas (1974), un ensayo (Escritos 1926-1971, 1974), algunas obras de teatro (Orvet, 1955) así como varias novelas (Los Cuadernos del capitán Georges, 1966; El crimen del inglés, 1979).

En 1970, se retira y se va a vivir a Beverly Hills, en donde muere en 1979.


Filmografía



    1926 - Nana

    1931 - La golfa ("La Chienne")

    1935 - Toni

    1936 - Los bajos fondos ("Les Bas-Fonds")

    1936 - Una partida de campo ("Une partie de campagne")

    1936 - El crimen de Monsieur Lange ("Le crime de M. Lange")

    1936 - Boudou salvado de las aguas ("Boudou sauvé des eaux")

    1937 - La gran ilusión ("La grande illusion")

    1938 - La Marsellesa ("La Marseillaise")

    1938 - La bestia humana ("La bête humaine")

    1939 - La regla del juego ("La règle du jeu")

    1941 - Aguas Pantanosas ("Swampwater")

    1943 - Esta tierra es mía ("This Land is Mine")

    1946 - Memorias de una doncella ("The Diary of a Chambermaid")

    1950 - El río ("The River")

    1952 - La carroza de oro ("Le Carrosse d'or")

    1955 - Can-can Francés ("French Cancan")

    1956 - Elena y los hombres ("Elena et les hommes")

    1959 -  Comida sobre la hierba ("Le déjeuner sur l'herbe")

    1959 -  El Testamento del Doctor Cordelier ("Le Testament du Docteur Cordelier" / "Experiment in evil")


Premios Oscar


Año
Categoría
Película
Resultado
1974
Oscar Honorífico
Ganador
1945
Mejor Director
The Southerner

Candidato

martes, 10 de septiembre de 2013

DIRECTORES - WERNER HERZOG (1942-)






SERÀS ANTI-SISTEMA O NO SERÀS NADA




Werner Herzog Stipetić (Múnich, 5 de septiembre de 1942), más conocido como Werner Herzog, es un director, documentalista, guionista, productor y actor alemán.
 
Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, alejado del mundo. Según él mismo afirma, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los once años, la misma edad que tenìa cuando vio por primera vez un coche. Paradòjicamente, tambièn hizo su primera llamada telefónica.

A los trece años lo llevaron a Múnich para que iniciara sus estudios secundarios. Su familia se alojó provisionalmente en una pensión donde, casualmente, se alojaba Klaus Kinski, (1926-1991), actor que en un futuro sería clave en su carrera cinematográfica. Kinski ni reparó en el Herzog de trece años, pero el futuro director sí lo hizo con el singular actor.

Durante su adolescencia, pasó por una etapa de gran fervor religioso, llegando a convertirse al catolicismo, lo que le provocó discusiones con sus parientes, que eran ateos convencidos. Por esta época también empezó a realizar sus primeros largos viajes a pie. Hacia los quince años atravesó Europa, desde Múnich hasta Albania. También hizo a pie el viaje que lo llevó a Grecia.

Hacia los 17 años decidió dedicarse al cine. Para pagarse sus películas, trabajó en diversos oficios, que combinaba con sus estudios secundarios y más tarde universitarios. Inició estudios de Historia, Literatura y Teatro en Múnich. Hacia 1960 obtuvo la beca Fulbright para el Seminario de cine de la Universidad de Duquesne, en Pittsburgh (Estados Unidos). A pesar de participar en seminarios universitarios de cine, nunca estudió en ninguna escuela ni tampoco trabajó como asistente de ningún director; su formación fue completamente autodidacta. 


En Estados Unidos combinó de nuevo sus estudios con diversos trabajos, como soldador en una fábrica o aparcacoches, para ahorrar dinero. En 1962, a los veinte años, fundó su productora de cine, Herzogfilmproduktionen. Al año siguiente inició el rodaje de su primer cortometraje, Herakles, al que seguirían Juego en la arena (1964), Últimas palabras (1967) y La Incomparable Defensa de la Fortaleza Deutschkreutz (1967).

Tras esta primera etapa de formación en el cortometraje realizó su primer largometraje, Lebenszeichen (Señales de vida), subvencionado por el Instituto de Cine alemán, que buscaba promocionar a nuevos cineastas. La película ganó el Premio de Cine Alemán (Deutscher Filmpreis). A partir de aquí Herzog inició una carrera singular, que ha combinado la filmación de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Werner Herzog sigue en activo en la actualidad.

 
Fundador del denominado Nuevo cine alemán junto con otros cineastas como Rainer Werner Fassbinder, ya en sus primeros cortos, como Herakles o Juego en la Arena, Werner Herzog dejó clara su preferencia por los antihéroes: personajes de singular personalidad enfrentados a un mundo hostil, para los que la lucha por su supervivencia o por defender sus ideas está siempre abocada al fracaso. Sus personajes se rebelan ante lo absurdo de la vida y su lucha contra esta situación les lleva a la locura, la anulación total o la muerte. Esto quedó plasmado en su primer película, Señales de Vida, donde un joven soldado alemán destinado a una isla griega durante la Segunda Guerra Mundial enloquece ante la inutilidad de su misión y la imposibilidad de comunicarse con los habitantes de la isla. Su locura se representa en la visión de un millar de molinos de viento que sólo él puede ver.

Cabe señalar también que Werner Herzog no distingue nunca sus películas de ficción y sus documentales. En su obra, ambas vertientes se funden formando una sola. En una entrevista Joe Bini, montador de varios trabajos de Herzog, confirma este ejemplo al señalar que el documental El Pequeño Dieter Necesita Volar es más un trabajo de ficción, mientras que su contraparte ficticia, Rescate al Amanecer, es todo lo contrario. El mismo Herzog afirma que Fitzcarraldo es su mejor documental.[1]

En la obra de Herzog se pueden distinguir dos tipos de personajes y temas. Por un lado, personajes megalómanos, rebeldes, supervivientes, a menudo sin escrúpulos, enfrentados a un mundo hostil que les vapulea y que no les perdona su originalidad. Sus empresas e ideas están destinadas al fracaso. Dentro de este apartado se encuentran, por ejemplo, personajes como:

    * Lope de Aguirre (protagonista de Aguirre, la cólera de Dios), soldado español que se rebeló contra el rey Felipe II, adentrándose en la selva amazónica en busca de El Dorado.

    * Brian Fitzgerald «Fitzcarraldo» (en Fitzcarraldo), el melómano apasionado de la ópera que para montar una representación en medio de la selva es capaz de aventurarse a recolectar caucho para costear su montaje y hacer cruzar su barco de un afluente del Amazonas a otro, subiéndolo por una montaña con ayuda de los indios.

    * Da Silva (Cobra verde), el tratante de esclavos brasileño establecido en África y que dirige su negocio con mano dura, hasta que distintos enfrentamientos civiles arruinan por completo su próspero negocio, llevándolo a la ruina y a darse cuenta de lo criminal de su actividad.

    * El profeta de Corazón de cristal, que al intentar descubrir las propiedades de una misteriosa piedra, lleva a un pueblo a un estado de trance y locura colectivas. Los actores rodaron algunas escenas en estado de hipnosis.

    * Hanussen (Invencible), el prestidigitador farsante, sin escrúpulos y manipulador que cree engañar a los nazis para conseguir de ellos establecer un Ministerio de las Ciencias Ocultas hasta que se encuentra con el forzudo judío Zische, representación de la bondad e inocencia, que le lleva a la defenestración absoluta.

    * Terence McDonagh (Teniente corrupto), el atormentado, adicto, ludópata y enfermo policía que navega en la noche de una Nueva Orleans recién asolada por el Katrina para esclarecer la muerte de cinco inmigrantes senegaleses. Fue interpretado por Nicolas Cage.

Por otro lado, Herzog retrata también a personajes singulares, como:

    * Los enanos (También los enanos empezaron pequeños). Estos enanos maltratados y encerrados en un correccional inician una grotesca rebelión que les lleva a cometer actos de lo más extravagantes.

    * Kaspar Hauser (El enigma de Kaspar Hauser). La película se basa en la historia real de este joven alemán, que apareció un día por las calles de Núremberg en 1828. Había pasado la mayor parte de su vida encerrado en un sótano y se desconocía su origen y el modo en el que un día se liberó o fue liberado. Hauser aprendió en cinco años a leer, escribir poesía, andar correctamente, tocar el piano, conversar y a relacionarse con el mundo con solvencia. Un ser que era una página en blanco trasplantado a un mundo decadente, totalmente desconocido para él. Herzog hace hincapié en cómo Hauser llevó su particularidad con gran dignidad, mientras que la sociedad burguesa, interesada morbosamente en su caso, era la realmente excéntrica y enfermiza. Su singularidad e inocencia no le fueron perdonadas y falleció asesinado. Nunca se esclareció el móvil del asesinato.

    * Woyzeck (Woyzeck), el soldado alemán maltratado por sus superiores hasta la locura. Basada en la obra teatral de Büchner, esta cinta es prácticamente teatro filmado.

    * Stroszek (Stroszek), el antiguo reo alemán que emigra a Estados Unidos y es devorado por el sueño americano.

    * Nosferatu (Nosferatu, fantasma de la noche). Revisión de la película de F.W. Murnau. Nosferatu, el no muerto, cuyo romanticismo decadente e imposible lleva la enfermedad y la muerte al pequeño pueblo donde se instala.

    * Zishe Breitbart (Invencible), el inocente y forzudo judío polaco que vive en Berlín justo en el momento en que el nazismo está viviendo su ascensión. Padece visiones y vaticina el Holocausto, lo que le lleva a convencerse de que ha sido elegido por Dios para advertir a su pueblo del grave peligro que se avecina.

Con frecuencia, Herzog se inspira en personajes que existieron realmente, como Aguirre, Fitzcarraldo, Hanussen o Kaspar Hauser, entre otros. En sus documentales, esta premisa también es básica, pues tiene especial interés en presentar personas, grupos de gente o etnias que viven o han vivido situaciones difíciles y que han luchado contra todo tipo de obstáculos para sobrevivir o por alcanzar los objetivos que se habían propuesto.

La música en las películas de Herzog es como un personaje más. Desde sus primeras películas ha colaborado con el grupo Popol Vuh, agrupación de rock progresivo meditativo de su amigo Florian Fricke (a quien conoció durante sus estudios de cine), que le ha confeccionado las bandas sonoras de Aguirre, Fitzcarraldo y Cobra Verde, entre otras. A veces, incluso el propio Herzog ha compuesto algunas piezas para completar la banda sonora de sus películas. Su vinculación con la música le ha llevado a dirigir óperas. Debutó con Lohengrin, de Richard Wagner, para el Festival de Bayreuth.[2] Afirma que la música es el arte que más fácilmente llega al ser humano.

Los paisajes son fundamentales en la obra de Herzog. Afirma que más de una de sus películas surgieron de un paisaje, como por ejemplo Signos de vida o Fitzcarraldo. Frecuentemente, las tramas de las películas se encuentran en localizaciones donde la naturaleza es hostil o de una exuberancia sin límites. Esta particularidad se manifiesta tanto en sus largometrajes de ficción como en sus documentales. El esplendor de la naturaleza siempre esconde para Herzog un lado oscuro y frecuentemente maligno para sus antihéroes. Puede decirse que el paisaje es un personaje más de sus historias y tiene un papel fundamental en el desarrollo de la trama.

Aunque huye del cinéma verité, Herzog siempre ha buscado efectos visuales reales en sus filmes. Es decir, no hay efectos especiales. El destartalado barco en que Fitzcarraldo sube por una montaña para pasar de un río a otro, fue realmente transportado e izado por un numeroso grupo de indios, tal y como se ve en la película. Herzog afirma que no busca engañar al espectador: lo que ve es lo que hay[cita requerida]. En Aguirre hizo caminar a los actores por la selva hasta la extenuación para reflejar el verdadero agotamiento que debieron sufrir los conquistadores españoles en su periplo por la selva y el río. 


En Rescate al Amanecer, el acercamiento de Herzog con Hollywood, el actor Christian Bale, interpretando a Dieter Dengler (piloto real convertido en prisionero de guerra), pasó por un sinnúmero de torturas reales, lo que provocó una fuerte disputa de Herzog con Bale, y más notablemente con los productores de la cinta. Zische, el forzudo judío, está interpretado por Jouko Ahola, quien ganó por cuatro veces el título de El hombre más fuerte del mundo; todas las escenas donde demuestra su fuerza son reales. Para plasmar esto no duda en contar con actores absolutamente amateurs (como Ahola o Bruno S., que interpretó a Kaspar Hauser) o en rodar en los lugares donde sucedieron los hechos que narra la película. En esta búsqueda de realismo, la fusión autor-obra es total. Al igual que sus personajes, que deben luchar contra innumerables contratiempos en empresas casi imposibles, Herzog mismo vive estas situaciones en sus rodajes, que suelen ser particularmente difíciles.

También cabe destacar que en sus películas ambientadas en la selva amazónica o en África hace participar de manera activa a indígenas, que muestran sus costumbres o su idiosincrasia. Suelen tener un papel fundamental.

Herzog tiene también la fama de ser uno de los pocos cineastas en haber filmado en los cinco continentes.
Críticas[editar · editar fuente]

Las obras de Herzog han recibido grandes elogios de la crítica y le han reportado gran popularidad en los circuitos especializados. Al mismo tiempo ha sido sujeto de controversias referidas a los temas y mensajes tratados en sus obras, especialmente referidos a las circunstancias relativas a su creación. Un ejemplo significativo fue Fitzcarraldo, en la que la obsesión, tema central de la película, fue reproducida por el director durante la filmación. Su tratamiento de los temas también ha sido frecuentemente calificada de wagneriana, quizá porque películas como Fitzcarraldo o su película posterior, Invencible (2001), están directamente inspiradas por la ópera o por temáticas operísticas.

No se puede hablar de la filmografía de Herzog sin comentar su tensa y difícil relación con el actor alemán Klaus Kinski. Con él rodó cinco películas, quizá las más emblemáticas de las carreras de ambos (Aguirre, la cólera de Dios, Woyzeck, Fitzcarraldo, Cobra Verde y Nosferatu, fantasma de la noche). Herzog plasmó esta relación, que a veces llegó al enfrentamiento físico, en el documental Mi enemigo íntimo.


 Premios

Herzog y sus obras han ganado y han estado seleccionadas para numerosos premios a lo largo de su carrera. El más importante es, sin duda, el premio al mejor director por Fitzcarraldo en el Festival de Cine de Cannes de 1982.


Filmografía

Largometrajes


    * Signos de vida (1968).
    * También los enanos empezaron pequeños (1970).
    * Fata Morgana (1971).
    * Aguirre, la cólera de Dios (1972).
    * El enigma de Kaspar Hauser (1974).
    * Corazón de cristal (1976).
    * Stroszek (1977).
    * Nosferatu, vampiro de la noche (1979).
    * Woyzeck (1979).
    * Fitzcarraldo (1982).
    * Donde sueñan las verdes hormigas (1984).
    * Cobra verde (1988).
    * Grito de piedra (1991).
    * Invencible (2001).
    * La salvaje y azul lejanía (2005).
    * Rescate al amanecer (2007).
    * Teniente corrupto (2009).
    * My Son, My Son, What Have Ye Done (2010).

Cortometrajes
    * Herakles (1962).
    * Juego en la arena (1964).
    * La incomparable defensa de la fortaleza Deutschkreutz (1967).
    * Últimas palabras (1968).
    * Medidas contra los fanáticos (1969).
    * Nadie quiere jugar conmigo (1976).
    * La Bohème (2009).

Documentales

    * El país del silencio y la oscuridad (1971).
    * Ecos de un reino siniestro (1990).
    * Las campanas del alma (1993).
    * El pequeño Dieter necesita volar (1997).
    * Mi enemigo íntimo (1999).
    * La rueda del tiempo (2003).
    * El diamante blanco (2004).
    * Grizzly Man (2005).
    * Encuentros en el fin del mundo (2008).
    * La cueva de los sueños olvidados (2010).
    * Into the Abyss (2011)
    * On Death Row (2012)

Trabajos para la televisión

    * Los doctores voladores de África del Este (1969).
    * Futuro minusválido (1971).
    * El gran éxtasis del escultor de madera Steiner (1974).
    * Cuanta madera podrá roer una marmota (1976).
    * La Soufrière (1977).
    * El sermón de Huie (1980).
    * Fe y moneda (1980).
    * La balada del pequeño soldado (1984).
    * Gasherbrum – La montaña luminosa (1985).
    * Retrato de Werner Herzog (1986).
    * Los galos incluido en The French as seen by... (1988).
    * Wodaabe – Los pastores del sol (1989).
    * Film Lesson 1-4 (1990).
    * Lecciones en la oscuridad (1992).
    * Jag Mandir: El teatro privado excéntrico del maharajá de Udaipur (1991).
    * Gesualdo – Muerte para cinco voces (1995).
    * The Transformation of the World Into Music (1996).
    * Las alas de la esperanza (2000).
    * Dios y la carga o Nuevos mundos – Detrás del horizonte europeo incluido en 2000 años de cristianismo (2000).
    * Pilgrimage (2001).
    * Diez mil años incluido en Ten Minutes Older: The Trumpet (2002).

Como actor

    * Werner Herzog eats his shoe, de Les Blank (1980).
    * El poder de los sueños, de Les Blank (1982)
    * Tokyo-Ga, de Wim Wenders (1985).
    * El poder de un dios, de Peter Fleischmann (1990).
    * Más allá de los sueños, de Vincent Ward (1998).
    * Julien Donkey-Boy, de Harmony Korine (1999).
    * Mi enemigo íntimo, de Werner Herzog (1999).
    * Mister Lonely, de Harmony Korine (2007).
    * Jack Reacher de Cristopher McQuarrie (2012).

Como productor

    * Aguirre, la cólera de Dios (1972).
    * Nosferatu, fantasma de la noche (1979).
    * Fitzcarraldo (1982).
    * Invencible (2001).