viernes, 21 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - EL FIN DE LOS TIEMPOS (The Happening, 2008) de M. Night Shyamalan



Y SI FUERA EL FINAL?
    
 
* * * 
BUENA


Podrá ser amado u odiado, pero ignorado jamás. M. Night Shyamalan es, por varias razones, uno de los cineastas más particulares que haya dado el cine en los últimos 15 años. Sexto Sentido fue  no solo su segunda incursión cinematográfica y una grandísima película, sino que es una obra de las más representativas del género del terror psicológico, para el que marcò un hito. 

Otras de las razones, y menos feliz, por las que Shyamalan esta muy frecuentemente en boca de todos es porque ninguno de sus films posteriores pudieron llegar a alcanzar ni superar el éxito del film mencionado. Allì es donde se produce un quiebre en su filmografìa y su obra cumbre se convierte en estigma inclaudicable. 

Todo comienza sin previo aviso. Parece surgir de la nada. En cuestión de minutos, se producen casos de extrañas y escalofriantes muertes en las principales ciudades de Norteamérica que desafían cualquier explicación. Para el profesor de ciencias en un instituto, Elliot Moore, lo más importante de todo es encontrar el modo de escapar de este misterioso y letal fenómeno. Muy pronto queda claro que nadie está seguro en ninguna parte. Este aterrador e invisible asesino no puede ser evitado.

Films erráticos, de parodicas conclusiones o francamente propuestas decepcionantes hicieron dudar del verdadero talento de este señor, que parecía agotado. Pero a Shyamalan hay que saber entenderlo y conocerlo. No es el Hitchock contemporáneo, como alguna vez se lo tildò (un peso demasiado exagerado para sus espaldas) pero tampoco es un improvisado. Si revisamos su obra, veremos a un cineasta de culto, con una línea de pensamiento muy coherente y una visión del mundo que si bien es discutible, es profunda e inquietante y deja marcas a lo largo de sus películas convirtiéndolo en un mas que particular facsimil de autor.
Con su habitual habilidad narrativa y esa capacidad para crear climas ominosos y perturbadores, el director indio construye un buen thriller sobrenatural cargado de tensión y expectativa. Si bien intermitente a lo largo de la hora y media de duración del film, lo tenebroso de la trama no alcanza un clímax superior, pero deja deslizar una mirada muy particular, ácida y tremendista de su director sobre su gobierno y la manipulación de este sobre los medios de comunicación.

El autor hace hincapiè en su visiòn pesimista sobre la sociedad y su curso, sobre las relaciones interpersonales en momentos de crisis y desesperación, sobre las amenazas permanentes -el terrorismo- y finalmente sobre ese plus que se encuentra en la voluntad divina, o en esa fuerza superior que deja fuera del alcance de nuestras manos el curso de las tragedias de índole natural que gobiernan nuestra suerte.

Shyamalan, como dicho al comienzo, cultiva un estilo muy personal. Es un director muy apegado y férreo a sus posturas que no son siempre las convencionales. Por el contrario, se mueve dentro del género del suspenso, planteando historias que parecen sacadas de fábulas y cuentos bizarros que generan fascinación. En este caso el leit motive es la humanidad en jaque en medio de un ambiente desolador y apocalíptico. 

Lejos del espíritu comercial, naif y taquillero de El Día Después de MañanaoDía de la Independencia -ambas de Roland Emmerich- esta concepción del cine apocalíptico se acerca al de clase b, más cercano a un George A. Romero. Otra extrañeza del film radica en ese final revelador que queda trunco. Esta marca registrada en el cine de Shyamalan en esta ocasión apenas se desliza de forma muy sutil y casi en un segundo plano, como una realidad perturbadora que asoma amenazante, imponderable e implacable.


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jueves, 20 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - LA CONQUISTA DEL HONOR (Flags of Our Fathers, 2006) de Clint Eastwood



  

EL PODER DE LA IMAGEN



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MUY BUENA



El inagotable e incansable Clint Eastwood nos sorprende una vez más con un film de calidad, y de la mano de Steven Spielberg, un impensado productor para su nuevo proyecto. La Conquista del Honor es la historia de una foto de la toma del territorio japonés en la batalla de Iwo Jima, manipulada por los medios de comunicación y por consiguiente, también la de una mentira que durante mucho tiempo se mantuvo oculta tratándose de la imagen más reproducida en la historia política norteamericana. 

Así el film se plantea, como una suerte de fuente desmitificadora que representa de uno de los grandes mitos de la historia de los Estados Unidos y que tendrá como contrapartida la visión del mismo acontecimiento, visto desde el punto de vista nipón en una ambiciosa producción que el veterano realizador rodó de forma paralela y que titulò “Cartas Desde Iwo Jima”

Iwo Jima es la imagen más indeleble de la Guerra del Pacífico, un momento en el tiempo inmortalizado en un film sobre cinco marines y un sanitario de la Marina levantando la bandera de EE.UU., pocos días después de comenzar la encarnizada batalla en tierras niponas. Es la historia detràs de una foto y sus repercusiones. Para los hombres que aparecen en la instantànea, levantar la bandera es una pequeña formalidad en medio de una extenuante batalla, pero para aquellos que vuelven a casa, la imagen de estos hombres trabajando juntos en silencio para superar unas devastadoras adversidades da un nuevo sentido a la noción de héroe. Cautiva a un público americano hambriento de esperanza y cansado de una guerra que no parece tener fin. 

Para aprovechar la ola de sentimiento que la foto inspira, los "izadores de la bandera" son sacados del combate y enviados a casa para continuar sirviendo a su país, no en el campo de batalla, sino entre multitud de fervorosas masas reunidas para estar cerca de "verdaderos héroes” y extender unos talones extremadamente necesarios para financiar el esfuerzo bélico. Pero en su interior sienten que, al igual que sus amigos y hermanos caídos en combate, una parte de sus almas nunca abandonará las negras arenas de Iwo Jima.

La película es impecable visualmente y dicho valor se ejemplifica en las secuencias bélicas que se destacan por un realismo descarnado resaltando la violencia de la guerra y el dolor de los cuerpos mutilados con una fotografía plomiza que acentúa el clima oscuro del campo de batalla. Sin se un film bélico convencional, Eastwood cimenta sus condiciones de sólido narrador al centrarse en la construcción del mito que represento dicha foto y como manipulò la celebridad y notoriedad de unos jóvenes soldados a quienes el gobierno uso para propio beneficio. 

El film expone esta necesidad mediática de crear falsos herores, para luego olvidar y dejar librado a su suerte un destino trunco marcado por las consecuencias de la guerra que en cada uno repercute de forma traumática. Lejos del mensaje patriótico de “Rescatando al Soldado Ryan” (lo que no quita su notable valor como film bélico) Eastwood centra su discurso en lo que pretende transmitir a trabes de los héroes fabricados y sus devastadoras consecuencias, haciendo hincapié en el factor humano, para así reflexionar sobre el horror que desata un enfrentamiento bélico.

Como toda adaptación novelística (tal lo es este caso) se puede perder cierto material valioso, desviar el interés en historias paralelas o simplemente no ser fiel al punto de vista del autor, sin embargo es vital la labor autoral de Paul Haggis para encaminar con buen acierto varios episodios trascendentales. A tales fines, es útil el flash back para ir y venir en el tiempo con el acierto de su director para crear climas acompañados por su característica banda sonora de propia creación. 

Sin embargo, en su desenlace algunas de estas distan de una conclusión lejos de los lugares comunes que parecen distorsionar el destino final de estos personajes. Quizás sea el único y mìnimo defecto del film, que lo priva de la perfección, pero que a rigor dramático unen las desafortunadas historias de estos jóvenes interpretados por figuras no de tanto renombre para los mega films de Eastwood como Ryan Philiphe, Jaime Bell y Jesse Bradford

Con un mensaje claro y movilizador y un espíritu intacto a la hora de hacer buen cine, Eastwood demuestra una vez mas que es un realizador polifuncional atípico para la época. Lejos de agotar su capacidad creativa, el ultimo de las grandes leyendas vivientes de Hollywood magnifica su icònica figura de autor clàsico por excelencia en estos tiempos futuristas. Digno de la época de oro del cine mundial se codea de igual a igual con Billy Wilder o John Ford en el olimpo de cineastas cùlmines y atemporales.


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miércoles, 19 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - CARTAS DESDE IWO JIMA (Letters From Iwo Jima, 2006) de Clint Eastwood


   
 LA MIRADA NEUTRAL


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MUY BUENA



De forma simultànea a Cartas desde Iwo Jima se conoció “La Conquista del Honor”, la visión estadounidense del conflicto de Iwo Jima dirigida y producida por Clint Eastwood. El màs grande director del actual planeta Hollywood es un genio salido de otra época que se coló en el siglo XXI para dejar ver lo mejor de su inagotable talento. Una leyenda viviente comparable en su legado a la filmografía del gran John Ford o del no menos gigante John Huston

Hace sesenta y un años, los ejércitos estadounidenses y japonés se vieron las caras en Iwo Jima. Décadas después, varios cientos de cartas son desenterradas del suelo de esa inhóspita isla. Las cartas ponen cara y voz a los hombres que allí lucharon, así como al extraordinario general que los dirigió. Los soldados japoneses son enviados a Iwo Jima sabiendo que, con toda probabilidad, ya no regresarán. Cerca de 7.000 soldados americanos murieron en Iwo Jima; más de 20.000 efectivos del bando japonés lo hicieron allí también. Las arenas negras de Iwo Jima se tiñeron de su sangre, pero sus sacrificios, sus esfuerzos, su coraje y su compasión perviven en las cartas que enviaron a casa.
 
Eastwood toma esta contienda histórica sin adosarle un final feliz o revanchista, sino mas bien un amargo sabor de derrota pese a una resistencia heroica en inferioridad de condiciones en la batalla, a la que Eastwood rinde homenaje describiendo a estos soldados japoneses resaltando sus cualidades de valor, respeto y deber por su bandera, así como también la presión y la exigencia que caía por sobre la voluntad de estos jóvenes soldados llamados a nunca rendirse mas allá de su agotamiento interno.

A diferencia de la visión estadounidense, que se centraba más en la manipulación mediática del gobierno para inmortalizar una foto con fines propagandísticos y políticos flashbacks mediante, Cartas desde Iwo Jima tiene más nervio bélico, apoyado en las escenas de batallas brillantemente logradas, no desde la grandiosidad de un Spielberg, sino en la sencillez que logra Eastwood. Con ese intimismo que aborda, se apoya en una excelente puesta en escena en locaciones reales, sumado a una fotografía y una mezcla de sonido dignas de una gran película.

Para Eastwood, se trata de rescatar la personalidad de los soldados y su punto de vista, desde el mismísimo escondite que los muestra indefensos. Irónicamente, pero de forma premeditada, de la misma manera que era casi nula la participación de interpretes nipones en la anterior película, lo es de intèrpretes estadounidenses en esta, centrándose en mostrar los bandos militares sobre quien se cuenta la propia visión del film. 

La narrativa del film esta trabajada a manera de recrear los acontecimientos con las cartas originales que enviaron desde el frente los soldados y que se encontraron en la isla al terminar la guerra. Esta segunda película con la que el director cierra su saga de la batalla de Iwo Jima representa por lejos uno de los trabajos más maduros que dio el cine hollywoodense sobre la Segunda Guerra Mundial y mas precisamente sobre la milica nipona, sobre todo teniendo en cuenta que el belicismo del país del Norte encasillò durante mucho tiempo una batalla entre buenos y malos. 

Esta posición ideológica se encuentra alejada de la realidad y en lo inédito de esta visión es donde radica el mayor valor del film: su neutralidad. En lo tenebroso y violento de la guerra que suele exacerbarse, Eastwood maneja con perfecta claridad el factor humano y una atmósfera sensible para mirar mas allá de lo que usualmente el gènero bélico nos depara por estos tiempos.


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martes, 18 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - MILLON DOLLAR BABY (ìdem, 2004) de Clint Eastwood

   


GOLPE A LA EMOCIÒN


* * * * 
MUY BUENA



Clint Eastwood parece haber alcanzado con los años su mejor  y más lograda imagen como artista en todo su esplendor: actor, director, guionista y compositor. Este todo-terreno de Hollywood, como los mejores vinos, cuanto más añejo mejor, y  lo demuestra con creces en su más reciente film. 

Millon Dollar Baby es la historia de dos almas solitarias y sin rumbo que se unen. Ella oriunda de un pequeño pueblo quiere triunfar en la vida haciendo lo que más sueña. Èl en las postrimerías de su carrera como entrenador de boxeo recibe las espaldas de su joven y prometedora estrella, el destino los unirá a ambos de manera drástica.

El argumento de la película profundiza en los rincones más oscuros y conflictuados de sus personajes cuyas almas en pena buscan la redención. Al igual que en "Río Místico", son estos sentimientos los que prevalecen y dan forma a la película: la esperanza, los sueños rotos, el perdón, las culpas, el camino que conduce a triunfos y fracasos, en iguales medidas. Los personajes centrales poseen características en común y están los tres igual de bien delineados. 

Es muy probable que desde "Toro Salvaje" una película no retrate de forma tan realìstica el ambiente del boxeo: desde la fauna coloquial que lo adorna en los rincones de un gimnasio hasta pasando por la gloria que representa ostentar un titulo mundial, pero mucho más importante aun, mostrando paso a paso las motivaciones por las que un boxeador se decide a pelear por el titulo, mas allá de la gloria y la fama, existe el respeto a si mismo, el orgullo en su mas valida concepción. 

El espectador se sorprenderá y vera que la vuelta de tuerca del final confirma que el film es, màs que una historia de amor, un drama sobre las relaciones humanas aùn con sus exageraciones en pos de esquematizar la verosimilitud de sus luchas y conlfictos. La dirección de Eastwood nos prueba porque este director ha encontrado su mejor forma: capaz de crear climas de manera única, sumerge al espectador en este trágico mundo donde la vida se juega cada día y logra transmitirlo al posar cada cámara delante de sus excelentes interpretes y de si mismo. 

El veterano cineasta compone, fiel a su costumbre, una magistral banda sonora acorde al film y la ambientación esta mas que acertada tomando en cuenta todos los elementos característicos y pintorescos del mundo del boxeo. La fotografía empleada, otro rubro cuidado al màximo en las obras de Eastwood, es otro elemento a favor, con cíntanos juegos de contraluz que remarcan los climas opresivos ya destacados. 

El elenco lo encabezan tres soberbias interpretaciones: Clint Eastwood, implacable en su retrato clásico papel de hombre solitario y huraño y Hilary Swank, emocionante como una joven que no quiere dejar pasar su ultima oportunidad, encuentran un punto de vinculo muy especial: ella es la hija que el perdió y el es el padre que ella no tuvo. De allí en mas se entabla una amistad donde los valores mas sinceros son expresados de la forma mas leal. Mención aparte para el grandìsimo Morgan Freeman -como protagonista y relator en off- quien sabe dotar a su personaje de la expresividad adecuada y de un comportamiento singular que quedarà en la historia de su extensa filmografía.

Millon Dollar Baby esta narrada de principio a fin y el contenido de esta narración nos sumerge en el clima melancólico y lírico que el director imprime, con una maestría sublime para manejar los ritmos que buscan su nido, como dice un inmejorable relator, "entre la nada y el adiós" con el boxeo como metáfora de la vida. El maestro diò càtedra nuevamente.


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lunes, 17 de diciembre de 2012

CINE INDEPENDIENTE - MEMENTO (ìdem, 2000) de Christopher Nolan


 
CRÌMENES PERFECTOS



* * * * *
EXCELENTE



El haber concebido de manera perfecta una pieza original como "Memento", màs un sólido trabajo junto a Al Pacino en "Noches Blancas", entre otras joyitas de su autorìa, son los buenos pergaminos que le permitieron a Christopher Nolan llegar a dirigir la nueva versión de Batman. Por entonces solo era un desconocido y novel director con un proyecto ambicioso en sus manos: un detective que sufre de amnesia pretende vengar el asesinato de su mujer y las pistas que lo conduzcan al responsable no serán muchas y su amnesia amenaza con convertirse en su peor enemigo.

Leonard sufre una extraña deficiencia de la memoria que le hace olvidar lo ocurrido hace escasos momentos a la vez que recuerda perfectamente toda su vida anterior a la violación y asesinato de su mujer, acto a cuya venganza dedica toda su existencia. Sin embargo, su peculiar amnesia provoca que su investigación se desarrolle ardua y extrañamente, intentando reconstruir a cada paso su propia evolución. Fotos y tatuajes en su cuerpo son la guía que le mantienen en el camino.
 
El desarrollo de la película nos lleva de sobresalto en sobresalto y su aspecto enmarcado en el film noir nos presenta escenas en el orden cronológico inverso que adquieren su sentido sòlo al ver la siguiente escena. Mas allá de la historia en si, atrapante y vertiginosa en su definición de thriller, lo que resulta novedoso e impecable es la forma de contarla. Confluyen en su compleja estructura los cànones màs identificables del gènero donde los hilos de la coherencia se entrecruzan para formar una continuidad argumental admirable y una lógica narrativa que exige atención máxima. 

El film es valioso en elementos del policial noir de los años '40, elementos que por mas pequeños nos ayudaran como publico a desentrañar tan difusa trama, como por ejemplo, como el protagonista logra utilizar su entorno y su cuerpo para llegar a la verdad. El elenco lo encabeza un muy sólido Guy Pearce como el desorientado y vengativo investigador, Carrie-Anne Moss como su mujer victima del crimen y un destacado Joe Pantoliano que aporta todo su histrionismo consiguiendo sobresalir en un rol secundario, virtud que ya le hemos visto en mas de una ocasión.

El novato director Nolan hace un trabajo supremo con el material con el que cuenta. Mediante la alteración cronológica de los hechos va poco a poco desvelando el misterio del asesinato, enfocando en la veracidad o no de los hechos que recuerda su personaje protagonista. La ambientación es perfecta en una Los Ángeles suburbana poblada de autos lujosos y hoteles baratos, sumado a una impecable fotografía y un manejo de los tiempos que lleva al punto cùlmine el clima exasperante de la trama e invita al espectador a una experiencia emocionante y singular.

Al poco de estrenarse, "Memento" se convirtió en una obra de culto. Motivos no le faltan: su ingenioso y curiosísimo desarrollo, su envolvente puesta en escena y la propia intriga de la trama hacen de este film un ejercicio brillante de disección de memoria, tanto del protagonista como del espectador. La resultante es una trama arriesgada que justifica el ejercicio de caòtico estilo narrativo.

Memento es una película inteligente y audaz, que absorve y sorprende con su autèntico rompecabezas psicològico, que juega con el tiempo sin descuidar su atmósfera. El cineasta británico invita al espectador a la agitación y crea un thriller que se ayuda de un diabólico y entramado guión para desarrollar una trama que se mueve hacia atrás en el tiempo, haciendo del film un planteamiento desasosegante, donde el desconcierto es virtud. 


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domingo, 16 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - LOS INFILTRADOS (The Departed, 2006) de Martin Scorsese





SCORSESE Y Cia. ORQUESTAN UN FILM PERFECTO   



* * * * * 
EXCELENTE 




"Los Infiltrados" es una historia apasionante, atrapante y una película con destino de clásico que seguramente engrosará la lista de imprescindibles de Martin Scorsese. El autor, a quien el mayor premio de la Academia le fue esquivo a lo largo de su trayectoria hasta esta ocasión, vuelve al cine gangster con uno de los mejores repartos que se vieron en estos últimos años. 

Scorsese vuelve a un género que lo formó como cineasta, donde se encontró libre para crear films que quedaron en lo más grande de la historia de esta sub-genero: desde "Malas Calles", pasando por "Buenos Muchachos" y llegando hasta "Casino". "Los Infiltrados" está inspirada en la exitosa y polémica película china "Asuntos Infernales" (Infernal Affairs, 2002) y adaptada en la ciudad de Boston, enmarcándose en el genero policial.

El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan, criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello

El personaje de Frank Costello -quizás el mas interesante de toda la historia- es un hombre ávido de poder, que disfruta de los excesos y que denota sangre fría y se muestra impiadoso frente a su enemigo. Un hombre al que le da placer ostentar su omnipotencia por el solo hecho de sentirse invencible. Mientras la vida de varios de los involucrados en el caso policial, se pierde de forma trágica, el parece inexpugnable a todo. 

Martin Scorsese retrata una historia que de modo cautivante y enérgico nos muestra este juego del gato y el ratón que dirimen las bandas mafiosas y la policía local. El film se devela una compleja trama donde policías infiltrados se arriesgan en misiones encubiertas y en donde ambos bandos se entremezclan cuando fuerzas de la policía muestran su lado corrupto colaborando con los criminales. 

El autor, con su depurada estética, su rigor narrativo, su descripción de personajes y su reconocido cine de impacto para recrudecer con realismo las circunstancias de la trama, imprime violencia y dinamismo a las escenas de acción. La fotografía que sirve de ambientación a las peligrosas calles que día y noche visten la ciudad, como la fantástica y fluctuante banda sonora que eleva el nivel dramático acoplándose al desarrollo de la trama. El cineasta dota a la historia de un ritmo implacable para retratar escenas con maestría, donde logra estirar el suspenso con un juego de cámaras notable, para dejarnos sin aire con un final abrupto, en memorables pasajes, incluso la del final. 

Leonardo Di Caprio, que desde hace ya un tiempo se saco la etiqueta carilindo para entregar actuaciones poderosas, en este caso se luce componiendo a un tortuoso ser consumido entre la culpa y el deber. Matt Damon -que a estas alturas se convirtió en un excelente actor que puede desenvolverse en cualquier papel- esta vez entrega una versión oscura de su personaje entre la ambición del poder y su lealtad hacia un hombre que en su infancia cambio su vida para siempre. Jack Nicholson, el más estelrar y veterano del elenco, disfruta cada minuto de un papel hecho a su medida para sacar a relucir su histrionismo en cada gesto, lenguaje corporal marca registrada para componer a un personaje de villano que le extrañábamos ver interpretar. 

El elenco de reparto es otro lujo que se da el film con el excelente Martin Sheen, el experimentado Alec Baldwin, un siempre sólido Ray Winstone y un mas que sorprendente Mark Wahlberg, quien por fin encuentra un papel en donde demuestra talentos a la altura de su rutilante aparición en "Juegos de Placer". Sumándose a la belleza femenina que aporta Vera Farmiga la que conjuga con su notable talento actoral para insertarse en un personaje que acaba siendo clave en el desenlace de la historia.

Scorsese retrata el ascenso en las fuerzas policiales de dos jóvenes provenientes de clases sociales distintas, con ambiciones opuestas, donde la ética y la moral juegan un rol preponderante en sus conductas. El infierno en que se ven sumidos implica un camino sin retorno que ambos emprenden, mientras resuelven sus demonios internos y saldan cuentas con su pasado.


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sábado, 15 de diciembre de 2012

CINE DE AUTOR - EL AVIADOR (The Aviator, 2004) de Martin Scorsese




LA OSADÍA PARA RETRATAR A UN MITO


* * * *
MUY BUENA



"El Aviador" traía consigo el peso de ser la película mas nominada a los Oscar en la temporada 2004, de lanzar, finalmente, a Leonardo Di Caprio al reconocimiento mundial y unánime de la critica y de representar quizás la gran oportunidad para Martin Scorsese de alzarse con un premio de la Academia al mejor director tras un cuarto de siglo de continuos fracasos. 
 
La trama se basa en una biopic sobre un personaje tan controvertido como fue el magnate Howard Hughes. De esta manera, la película recorre sus grandes hazañas en el terreno de la aviación, sus grandes éxitos en el mundo del cine, sus apasionados romances y también sus enfrentamientos con el gobierno y la locura obsesiva que lo acompaño por gran parte de su vida.  

El Aviador cuenta la historia de un pionero de la aviación, Howard Hughes, el millonario excéntrico y productor de Hollywood, y en clave de drama revive su vida desde los años 20 hasta 1940; una época en la que el empresario dirigía y producía películas en Hollywood mientras creaba y diseñaba aviones, preso de un gran tormento y desequilibrio personal.


El film resultante es una combinación más que interesantes de varios factores que conjugan a la vez en una película polémica, para ver y juzgar, una superproducción con contundentes aciertos que inclinan la balanza en su totalidad. Como toda película biográfica, los hechos que se quieren mostrar u omitir por medio del argumento están muy sujetos al punto de vista del director. Es por ello que en esta película nos encontramos con varios hechos de la vida del magnate que no son comentados y solo Scorsese sabe porque nos privó de eso. 

Es positivo destacar que todo lo contado en la película, desde la personalidad de Hughes hasta las características de una época dorada para Hollywood, esta cuidado hasta el limite. La vida del magnate esta contada en los 20 años que abarcan su mas notoria vida publica, yendo desde sus ambiciosos comienzos, sus éxitos cinematográficos como director y su notable contribución al desarrollo de la aviación en Estados Unidos que lo llevó a enfrentarse con el gobierno mismo en tiempos de la Segunda Guerra Mundial y el macarthismo 

El contexto socio-político esta relatado hasta el detalle, al igual que el frívolo y glamoroso ambiente que asomaba por Hollywood en aquellos años: desde las fastuosas fiestas que concentraban a las estrellas y los empresarios más famosos al asedio de la prensa amarillista sobre los personajes más destacados de una época única. La manera en que el autor eleva y centra la atención en el personaje principal, mediantre el montaje utilizado para escenas claves como las del comienzo y final, remite al caos interior que vivía este hombre y nos atrapa en su mundo a lo largo de las tres horas de duración del film.

Mas allá de las ambiciones profesionales de Hughes, hay dos aspectos que marcaron a fuego su vida: sus problemas mentales y controvertida personalidad y sus intervenciones políticas. En lo primero la película hace una gran narración captando su locura y adicciones desde el comienzo hasta sus más profundas consecuencias, a medida que nos relata sus tórridos romances con las actrices mas requeridas de la época y su tormentosa vida personal. En lo segundo el film elige otro nivel de compromiso, al no brindar demasiados detalles sobre un hombre que fue reconocido activista político.


Leonardo Di Caprio parece ser para Scorsese el actor fetiche que fue Robert De Niro de este en los '70. El nivel interpretativo de Di Caprio para retratar y sacar lo mejor de su personaje nos remite, justamente, al De Niro de la mejor época y es una gran prueba de -a pesar de su corta edad- su madurez como actor. Cate Blanchett imita a Katherine Hepburn en su manera de hablar y de gesticular a la perfección, captando su verdadera dimensión de estrella sin llegar  a la parodia, mientras que Alec Baldwin y Alan Alda se llevan aplausos por sus sendos papeles de malvados de turno. En roles secundarios, Jude Law luce muy interpretando a Erroll Flynn y Kate Beckinsale no le llega ni a los talones a Ava Gardner, por culpa de un delineamiento evidentemente menor.

Si bien este es el film más comercial y menos personal de Scorsese en su trayectoria reciente, no podemos negar su mano en cada plano que toca. La fotografía y los efectos especiales que utiliza es un factor fundamental, eligiendo las variaciones de iluminación y coloración según la secuencia que esta contando (como trasladando a ésta en el tiempo), lo cual da a la película un tono de clásico. Sumado a su lograda implementación de escenografia y música consigue crear un clima muy especial, propio del glamour de la época y que recuerda al mismo que en tono gangsteril se refirió en “Buenos Muchachos” o “Casino”


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viernes, 14 de diciembre de 2012

HOLLYWOOD - ROCKY (ìdem, 1978) de John Avildsen

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 HAZAÑAS DE SANGRE, SUDOR Y LÀGRIMAS
* * * / MUY BUENA SA
  

Una autentica leyenda del cine, el magnetismo que aùn hoy dìa causa Rocky reside en la mìtica historia oculta detràs la propia realizaciòn del film convertido en franquicia. Rocky relata la historia de un desconocido boxeador a quien se le ofrece la posibilidad de pelear por el título mundial de los pesos pesados. Con mucha fuerza de voluntad se prepara concienzudamente para este combate, sabiendo que es la oportunidad de su vida.

Una dinastía de cinco películas que a treinta años de su original va por la sexta en continuación, luego de década y media de olvido. El film marcò a generaciones, que se identificaron con su inolvidable banda de sonido que todavía suena en los oídos de cada fanático del box y donde el solo escuchar cada vez su música nos remite de forma inmediata al personaje que creara Sylvester Stallone

La historia comienza así: en 1975 Stallone estaba en su casa viendo por TV el combate por el titulo mundial de peso pesado. Muhammad Ali iba por su segundo reinado en la categoría y el aspirante Chuck Wepner era un retador de dudosa calidad venido desde Europa. Lo cierto es que Ali gano sufriendo y retuvo la corona, pero Wepner le hizo pelea, casi logra el milagro: se le planto enfrente, como quien dice en la jerga boxística, para hacerle al gran mito de Clay las cosas para nada fáciles.  

El coraje y tesón de Wepner emocionò e impresionò tanto a Stallone que pensó una historia, escribió el guión y a los pocos meses el ignoto Sylvester llevo su idea a los grandes estudios. La cabeza del proyecto y la silla de director, finalmente cayò en John Avildsen, pero de todas maneras, Stallone, mentor y creador de la saga, fue el guionista y actor acreditado al proyecto. El jòven intèrprete se encontraba ante la posibilidad de su carrera, el gran salto a la fama que el personaje de Rocky Balboa le permitiría y con el cual se idéntica hoy en día, casi como una continuaciòn de su persona fuera de la pantalla. 

No es nuevo en boxeo la historia de la cenicienta: el resurgir de las cenizas para llegar hasta lo mas alto de la manera mas impensada: James Braddock, impensado campeón pesado en los '30 también tuvo su biopic de la mano de Ron Howard en El Luchador (2005) y Franco Zeffirelli redimiò a Jon Voight en El Campeòn (1978). 

Pero en este factor reside, justamente, que Rocky es una pieza única y especial, no es un biopic, esta plagada de clichés y espectacularidades, de ciertas excentricidades y exageraciones impropias del mundo del boxeo, pero así y todo, es tan fiel y sentimental en cuanto al valor que en el mundo de los puños tiene la redención y el triunfo del espíritu, que no deja de conmover.  
El de Balboa es un autentico periplo que genera compasión, un zurdo ítaloamericano que se encuentra ante la oportunidad de su vida, pelear por el titulo mundial y con todos los pronósticos en contra, desde su emocionante entrenamiento en donde deja alma y vida, pasando por sus conflictos interiores y crisis familiares hasta llegar al esperado combate pleno de escenas cinematográficas, llegando al clímax final de su inusual conclusión. 

Sylvester Stallone será el heroico Rocky, Burgess Meredith será el manager modelo, Talia Shire la sufrida prometida de RockyCarl Weathers el temible Apollo Creed, parte de la fauna boxística que reviste a una película que guarda un lugar muy especial en el corazón de los cinéfilos y amantes del boxeo, no será la pura realidad, pero de vez en cuando este tipo de historias es lindo imaginarlas y la magia del cine permitió realizarlas. 

Rocky Balboa es la obra cumbre de Stallone, aùn pese a que haya desperdiciado su carrera en los años posteriores, llevò a este personaje a una elite donde muy poco llegaron en la galerìa de personajes icònicos del cine. Rocky representa un nombre propio que se gano su lugar en la historia, retratando las èpicas e improbables hazañas de un destinado a perder, convertido en el héroe que todos alguna vez quisimos ser.


Detrás de Escenas - Rocky:




jueves, 13 de diciembre de 2012

PROTAGONISTAS - MORGAN FREEMAN (1937-)



PERLA NEGRA

 

Morgan Freeman nació en Memphis, Tennessee, hijo de Mayme Edna Revere y Morgan Porterfield Freeman. Pasó la mayor parte de su infancia con su abuela en Charleston, Mississippi, y después se mudó con su familia a Greenwood (Mississippi), a Gary, (Indiana), y, por último, Chicago, Illinois. 

Durante su estancia en Charleston y Greenwood Freeman asistió a Threadgill Elementary School, donde representó su primera obra teatral. Su debut actoral fue a los 8 años siendo el protagonista de una obra escolar. A los 12, ganò una competición de drama y mientras estuvo en la escuela secundaria trabajó en un show radial de Nashville. 

En 1955, se graduó en la Broad Street High School, Chicago, y poco después rechazó una beca parcial para Universidad Estatal de Jackson, optando en su lugar a trabajar como mecánico para la Fuerza Aérea del Ejército de los Estados Unidos. Freeman trabajó como mecánico en las fuerzas aéreas estadounidenses entre 1955 y 1959, para luego trasladarse a Los Ángeles y dedicarse al arte dramático. 


Broadway fue su punto de partida, participando en musicales como Hello, Dolly! Después pasó a la televisión y apareció en 780 episodios de The Electric Company, un programa para niños en el que también trabajaron Mel Brooks y Gene Wilder.
En los años `60, se mudó a Los Angeles y trabajo en Los Angeles community College. Durante este período también vivió en New York, trabajando de bailarín en la feria mundial de 1964 y, en San Francisco, fue miembro de la Opera Ring Music Group. En 1967, hizo su debut en el teatro off Broadway en la obra "The Royal Hunt of the sun" y al año siguiente, en Broadway, en la produccion "Hello Dolly", que fue co-protagonizada por Pearl Bailey y Cab Calloway.

En sus siguientes dos películas también hizo de extra y ni siquiera apareció en los créditos: "A man called Adam" (1966) y "Where were you when the lights went down" (1968). Obtuvo un premio Drama Desk, un premio Clarence Derwent y en 1978, una nominación a los premios Tony por su impecable interpretación en "The mighty gents". También un premio Obie por su actuación como el antihéroe shakesperiano, coriolano, en el Festival de Shakespeare de Nueva York.

Lograría otro premio Obie interpretando al mensajero de la aclamada producción del Brooklyn Academy of Music, en "Gospel at colonus" la obra de Lee Breuer. Su última actuación sobre las tablas fue dando vida a petruchio en La Fierecilla Domada” en el Teatro Delacorte del Festival de Shakespeare de Nueva York con Tracey Ullman.

Desde 1971 a 1977 protagonizó la serie ganadora de un Emmy, titulada "The Electric Company", participando en 780 episodios, interpretando al Conde Drácula, junto a actores como Jim Boyd y Judy Graubart. Es el creador del personaje Easy reader del icónico programa y así fue como logró reconocimiento nacional.
Su relación con el cine se formalizó, tardiamente, en los años '80. Luego de su debut a las òrdenes de Robert Redford en Brubaker (1980), a mediados de la dècada empezó a obtener roles prominentes en varios films, ganando una reputación por sus roles inteligentes, sensibles, humanos y paternales. 

Hizo también una aparición en un episodio de la famosa serie "La Dimensión Desconocida". Entre sus interpretaciones para televisión, encontramos las participaciones en “The Atlanta Child Murders” y “The Execution of Raymond Graham”.


Freeman vivió su época dorada a finales de esa década y principios de la siguiente, logrando tres nominaciones al Oscar en 1987 (El reportero de la calle 42), 1989 (Paseando a Miss Daisy) y 1994 (Cadena Perpètua), en menos de una dècada. Además, tuvo roles de peso en películas de éxito comoLa Hoguera de las Vanidades” de Brian de Palma (1990) o el western de Clint Eastwood “Sin perdón” (1992).

Sus consagratorios personajes incluyen, entre otros, el Chofer Hoke en "Paseando a Miss Daisy" (1989) y el sargento Rawlins en "Tiempos de Gloria" (1989) con Matthew Broderick y Denzel Washington. A principios de los ‘90 tuvo un papel importante en la brillante "Robin Hood: Príncipe de los ladrones" de Kevin Reynolds, interpretando a Azeem, y posteriormente, en 1993, debutó como director al mando del drama social "Bopha!" interpretada por Danny Glover y Alfree Woodard

En 1994, interpretó a Red, el convicto redimido de la famosa cárcel "Shawshank" en la aclamada "Cadena Perpetua", junto a Tim Robbins dirigida por Frank Darabont. Su hito interpretativo en este film dispararìa finalmente su fama a la èlite de actores de Hollywood. "Se7en: Pecados capitales" de David Fincher, llegaría en 1995 para consolidar a Freeman como uno de los más respetados en el ranking de Hollywood, en la piel del detective William Somerset.


Dos años después llegaría una obra èpica de la mano del aclamado director Steven Spielberg: "Amistad" (1997). Allì interpreta a Theodore Joadson en esta narración que cuenta la historia del barco homónimo al tìtulo en el que transportan esclavos africanos a Europa. Ese mismo año creó la compañía productora Revelations Entertainment, junto a Lori McCreary. Ambos tambien son codirectores de la compañia ClikStar. Bajo la misma, Freeman ha financiado películas como Levity, Telaraña o Bajo sospecha.
Tras volver a triunfar con la taquilleras Seven y Amistad, Freeman tuvo unos años menos exitosos aunque lo suficientemente solventes como para no perder ni un ápice de su reputación. 

Participó en films de ciencia-ficción como Reacción en cadena (1996) y Deep Impact (1998), donde fue, nada menos, el presidente negro de los Estados Unidos. Ha seguido formando parte de famosos elencos, con roles de importancia como en "Bajo sospecha" (2000) junto a Gene Hackman y "Panico Nuclear” (2002) con Ben Affleck.
En 2004, una nueva colaboración con Clint Eastwood le llevó definitivamente a la cima, en la madurez de su carrera. Gracias a su interpretación en Million Dollar Baby, la Academia le otorgó por fin el Oscar que tanto había merecido. Tras cuatro nominaciones, ganó el Óscar al mejor actor de reparto en la ceremonia del 27 de febrero de 2005, en la 77ª edición de los Premios Óscar. 

Al año siguiente apareció en la pantalla gigante nuevamente, interpretando un papel protagónico en el éxito comercial y de crítica, "Batman Inicia" de Christopher Nolan, en la que encarnó a Lucius Fox, uno de los aliados de Batman en su cruzada contra el crimen. Este papel sería retomado en las secuelas deal saga, tituladas "El Caballero Oscuro" (2008) y “El Caballero Asciende” (2012) 

En su vida personal, estuvo casado con Jeanette Adair Bradshaw desde 1967, hasta 1979. Desde 1984, esta casado con Myrna Colley Lee, y tiene dos hijos, Alfonso y Saifoulaye, de relaciones anteriores. Adoptó la hija de su primera esposa, llamada Deena, y la pareja tuvo un cuarto hijo, Morgana.

A lo largo de su trayectoria, prueba de su versatilidad, Freeman ha realizado papeles muy diversos: como vagabundo, convicto, entrenador de boxeo, jefe de la CIA, presidente de los EE.UU., todas éstas dentro del terreno dramático e incluso como Dios mismo, en la comedia Todo Poderoso (2003) junto a Jim Crrey.
El intèrprete tambièn es famoso por su particular voz y entonaciòn, habiendo narrado varias producciones como "Million Dollar Baby" (2004), “Guerra de los Mundos” (2005), "March of the Penguins" (2007) y "Conan, el Bàrbaro" (2012). 

Morgan Freeman se ha convertido en una de las figuras más respetadas del cine moderno gracias a su voz autoritaria, su estilo calmado y, sobre todo, sus extraordinarias interpretaciones. En 2010 Freeman recibiò el Premio a la Trayectoria Ejemplar que concede anualmente el Instituto de Cine de Estados Unidos (AFI). El intèrprete se convierte así en el sengundo actor negro en recibir este galardón, luego de su mentor, Sydney Poitier.

En reconocimiento a su larga trayectoria profesional, "Morgan Freeman es un tesoro para Estados Unidos", indicó el presidente del consejo de AFI Howard Stringer, con motivo de dichor econocimiento. El propio Stringer señaló que durante décadas dedicado al cine, "Su legado cultural, subrayado por esa inconfundible voz y su cautivante mirada, ha llegado a los corazones y mentes de los amantes del cine en todo el mundo. Freeman se ha ganado el respeto del público, de la crìtica especializada y de sus colegas de profesión”.



FILMOGRAFÌA:


The Magic of Belle Island (2012)
El Caballero Oscuro Asciende (2012)
Red (2010)
The Maiden Heist (2009)
Invictus (2009)
Wanted (2008)
The Code (2008)
Antes de Partir (2008)
The Dark Knight (2008)
Adiós, pequeña, adiós (2007)
El juego del amor (Feast Of Love) (2007)
Evan Almighty (2007)
The Contract (2006)
Lucky Number Slevin (2006)
Dame 10 razones para Amar (2006)
March of the Penguins (2005)
Dos Amores y un Destino(2005)
War of the Worlds (2005)
Ciudad sin ley - Edison (2005)
Batman Begins (2005)
Danny the Dog (2005)
Million Dollar Baby (2004)
The Big Bounce (2004)
Bruce Almighty (2003)
Redemption (2003)
Dreamcatcher (2003)
Levity (2003)
The Sum of All Fears (2002)
High Crimes (2002)
Along Came a Spider - La Telaraña (2001)
Persiguiendo a Betty (2000)
Bajo Sospecha (2000)
Deep Impact/Impacto profundo (1998)
Amistad (1997)
Hard rain (1997)
Besos que Matan (1997)
Chain Reaction (1996) (Reacción en cadena)
Moll Flanders (1996)
Se7en (1995)
Outbreak (1995) (Estallido)
The Shawshank Redemption (1994) (Cadena Perpetua)
Unforgiven (1992) (Sin Perdón)
The Power of One (1992) (La Fuerza de Uno)
Robin Hood: Prince of Thieves (1991)
The Bonfire of the Vanities (1990) (La hoguera de las vanidades)
Glory (1989) (Tiempos de gloria)
Driving Miss Daisy (1989) (Conduciendo a Miss Daisy)
Lean on Me (1988)
Johnny Handsome (1987)
Street Smart (1987)
Teachers (1984) (Profesores de hoy)
Brubaker (1980)