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martes, 4 de septiembre de 2012

ANIMACIÓN - EL CADÀVER DE LA NOVIA (Corpse Bride, 2005) de Tim Burton // Parte II





CALAVERAS Y CORAZONES




"Había una vez un joven que vivía en un pequeño pueblo de Rusia. Él y un amigo se disponían a hacer un viaje de dos días de camino hacia el lugar donde vivía su prometida, con quien iba a casarse.

La primera noche, los dos amigos decidieron acampar a la orilla de un río. El joven que iba a casarse vislumbró en el suelo algo parecido a un extraño palo con el aspecto del hueso de un dedo. Él y su amigo empezaron a bromear sobre el hueso que asomaba del suelo. El joven novio tomó del bolsillo su dorado anillo de bodas y se lo puso al extraño palo. Entonces empezó la danza ritual de bodas: dio tres vueltas alrededor del palo con la alianza, cantó la canción judía de bodas y recitó completo el sacramento matrimonial mientras bailaba. Los dos amigos estuvieron riendo todo el rato.

La risa y el jolgorio desaparecieron de pronto. La tierra tembló y se estremeció bajo sus pies. En el lugar donde estaba el palo se había abierto una gran brecha y un desaliñado cadáver, un muerto viviente salió de debajo la tierra. Había sido una novia, pero ahora no era más que unos cuantos huesos unidos por jirones de piel. La novia muerta todavía llevaba su blanco vestido de seda, pero todo desgarrado y harapiento. Gusanos y telarañas colgaban de lo que una vez habían sido el canesú de perlas y el andrajoso velo.

Los dos jóvenes quedaron horrorizados. Ella empezó a hablar...

- Has bailado la danza de bodas y pronunciado los votos del matrimonio. Me has puesto un anillo en el dedo. Ahora somos marido y mujer y reclamo mis derechos como tu prometida.

Temblando de miedo por las palabras de la novia muerta, los dos jóvenes huyeron hacia el pueblo donde esperaba la joven novia que se iba a casar. Fueron directos a visitar al rabino.

- Rabino, - preguntó sin aliento el joven – tengo una pregunta muy importante que hacerle. Si por alguna razón uno anda por el bosque y se encuentra un palo que parece el hueso de un dedo sobresaliendo del suelo y sucede que pone un anillo de bodas en el dedo y hace la danza de bodas y pronuncia los votos del matrimonio, se ha producido en verdad un matrimonio?

Confundido, el rabino preguntó:

- Sabes de alguien a quien le haya ocurrido eso?

- Oh, no, no! Claro que no! Es una pregunta hipotética.

Mesándose ampliamente la barba, el rabino contestó:

- Déjame pensarlo.

En ese momento, una gran ráfaga de viento abrió la puerta y a través de ella entró la novia muerta.

- Aquí y ahora afirmo que este hombre es mi esposo, él ha puesto una alianza en mi dedo y ha pronunciado los solemnes votos de matrimonio. – dijo mientras su huesudo dedo sonaba como bolsa de canicas al tocar a su pretendido novio.

- Esto es un problema muy serio. He de consultarlo con los demás rabinos. – dijo el rabino.

Los rabinos de los pueblos vecinos se reunieron presto y se unieron en congreso mientras los dos jóvenes esperaban su decisión con gran ansiedad.

La novia muerta esperaba en el pórtico dando golpes con su pie y diciendo:

- Quiero celebrar cuanto antes la noche de bodas con mi esposo.

Estas palabras erizaron todos y cada uno de los vellos del joven.

Mientras los rabinos estaban en reunión, la auténtica novia llegó y quiso saber de qué iba todo el asunto. Cuando su prometido le contó lo que había ocurrido, ella estalló en sollozos.

- ¡Mi vida está arruinada! ¡Mis esperanzas y mis sueños despedazados!¡Ya no me casaré nunca! ¡Ya nunca tendré una familia!

En ese momento llegaron los rabinos y ésto es lo que preguntaron:

- ¿En verdad pusiste un anillo en el dedo del cadáver de la mujer muerta? ¿En verdad danzaste a su alrededor tres veces y pronunciaste los sagrados votos del matrimonio en su totalidad?

Los dos jóvenes, encogidos en una esquina, asintieron con su cabeza. Con grave gesto los rabinos volvieron a encerrarse para proseguir con su reunión. La joven novia derramó amargas lágrimas, mientras la novia muerta se relamía ante la perspectiva de la largamente esperada noche de bodas.

Poco después, los rabinos salieron solemnemente y, tomando sus asientos, anunciaron:

- Como pusiste el anillo en el dedo de la novia muerta y danzaste a su alrededor tres veces recitando los votos del matrimonio, nuestra determinación es que estos hechos constituyen un matrimonio con todas las de la ley. En cualquier caso, también hemos decidido que ningún muerto tiene poder de reclamación sobre los vivos.

Sollozos y murmuros se oyeron desde todos los rincones. La joven novia se encontraba especialmente aliviada. En cambio, la novia muerta clamaba:

- ¡He perdido la oportunidad de mi vida! ¡Ya nunca cumpliré mis sueños! ¡Ya todo está perdido! – y se derrumbó en el suelo. La escena era conmovedora; un montón de huesos entre los restos de un vestido de novia, tirados, sin vida.

La joven novia se sintió invadida por una oleada de compasión por la novia muerta y se agachó para recoger el montón de huesos, colocando con extremo cuidado los jirones de fina seda y sosteniéndolo todo con fuerza, cantó medio murmurando, como si meciera a un bebé:

- No te aflijas. Yo viviré tus sueños, yo viviré tus esperanzas y tendré niños por ti. Tendré suficientes niños para las dos y podrás descansar en paz sabiendo que nuestros hijos, y nuestros nietos y biznietos estarán bien cuidados y nunca nos olvidarán.

Tiernamente cerró los ojos de la novia muerta. Tiernamente la sostuvo en sus brazos y con cuidado y a paso lento bajó hasta el río con su frágil carga. A la orilla del río cavó una tumba y allí la dejó con sus huesudos brazos cruzados sobre su caja torácica, juntando una mano sobre la otra, todavía con el anillo puesto en el huesudo dedo, y envolviéndola con el vestido de novia.

- Aquí descanses en paz. – Susurró – Viviré tus sueños, no te aflijas, y nunca te olvidaremos.

La novia muerta se veía feliz y en paz en su nueva sepultura, porque de algún modo sabía que a través de la joven novia sus deseos se verían cumplidos. La joven novia la fue cubriendo con tierra, lentamente cubrió el cadáver y el vestido en la tumba hasta que quedó completamente enterrada. Finalmente colocó por encima algunas flores silvestres y puso todo de piedras a su alrededor.

La joven novia volvió con su prometido y se casaron en una solemne ceremonia. Vivieron juntos muchos y muy felices años. Y la historia de la novia muerta les fue contada a todos sus hijos, nietos y biznietos, y de este modo nunca la olvidaron, del mismo modo que nunca olvidaron la sabiduría y la compasión que de ella habían aprendido."

La Novia Muerta (adaptado de la leyenda rusa en "The Tim Burton Collective", 2004)



Utilizando, al igual que en "Pesadilla antes de Navidad" la minuciosa técnica del stop-motion, Tim Burton vuelve al campo de la animación con "Corpse Bride", adaptaciòn cinematográfica de una antigua leyenda rusa cuya historia converge en las usuales tonalidades sombrías del autor mas freak de Hollywood. Un triángulo amoroso donde confluyen el mundo de los vivos y el de los muertos

Haciendo un poco de historia, en el siglo XIX el antisemitismo se extendía por toda Europa Oriental, incluída Rusia. Ocurría de vez en cuando que las bandas de antisemitas abordaban los grupos de judíos que se dirigían a una boda. Por ser la novia la que tenía que traer al mundo las nuevas generaciones, la sacaban del carruaje y la mataban, enterrándola todavía vestida con su traje de novia. Estos hechos reales, cobrando forma de relato urbano, dieron origen a algunas leyendas, entre ellas la de la novia muerta, explicitada en el cuento recopilado por Burton

Tècnicamente, Claymation es un subsubsubgénero del cine que abarca toda animación que aplica la técnica stop-motion usando como material la plastilina o arcilla moldeable. Según los expertos, claymation es una de las formas más sofisticadas de animación, la que requiere más esfuerzo y paciencia. Como consecuencia, aquello que generalmente se considera Stop-motion es la minuciosa tarea de crear y fotografiar modelos, o muñecos, en una serie de minúsculos movimientos. Varias décadas despúes de su creación, los trabajos de Ray Harryhausen siguen transmitiendo una magia que es lo bastante fuerte como para fascinara la generaciòn virtual de tercera dimensiòn.


Curiosamente, y  modo de homenaje. Harryhausen, se apellida el piano que toca Victor (el personaje de Johnny Depp), guiño indudable al maestro de la stop-motion. La referencia no es trivial porque, a pesar de su moderna perfección formal, la película de Tim Burton nunca se olvida de rendir cuentas con su pasado, mostrando verdadero cariño por la creatividad artesanal de los primeros cartoons, homenajeando a sus marcadas influencias, como las películas de terror de la Universal de los años '30. 

Desde Gulliver hasta El Principito, la literatura infantil han moldeado este tipo de literatura para adultos camuflada en niños, eternizando ensoñaciones y coloridos, en mundos como los de Corpse Bride, criaturas de fàbula. Si en The Skeleton Dance (Ub Iwerks, 1929), la primera de las "Silly Symphonies" de Walt Disney, los esqueletos bailan La Marcha de los Enanos del genial compositor noruego Edvard Grieg, adaptada por Carl W. Stalling, en el film de Burton lo hacen al ritmo de la òpera y el jazz del virtuoso Danny Elfman.

Después del fastuoso colorido que significara la versión de "Charlie y la fábrica de Chocolate" (2005), y unos años antes de maravillarnos con su visiòn de "Alicia en el Paìs de las Maravillas" (2010), el cineasta sorprende construyendo una siniestra y divertida comedia musical en clave romántico-necrófila, emplea con habilidad la empatìa de sus personajes y las discordancias estéticas y psicológicas en la contraposición de mundos donde el autor parece tomar partida por el País de los Muertos.

Como toda la obra del realizador, la concepciòn de Corpse Bride es obsesiva, detallista y meticulosa. Cada textura parece construida y pulida con un esfuerzo e imaginación que se conjugan a prueba de fallas. La iconografía gótica, tan burtoniana desde "Beetlejuice" (1988), ha creado su propia identidad, donde predominan historias de amor, fascinaciòn por la muerte y festivos colores que reivindican lo pintoresco de su poesìa visual.

Pocas mentes tan creativas como la de Burton saben indagar en la belleza de lo paralelo y opuesto, para luego convertir universos tan siniestros en un lugar tan conmovedor como mágico, un sueño/pesadilla que por fin se ha hecho realidad, un paraìso infernal donde se alojan los fans de cuentos siniestros y la galerìa inagotable de personajes que conviven en el ideario burtoniano.



lunes, 3 de septiembre de 2012

ANIMACIÒN - EL CADÀVER DE LA NOVIA (Corpse Bride, 2005) de Tim Burton // Parte I




CADÀVER EXQUISITO


* * * *
MUY BUENA



El siempre muy activo e innovador Tim Burton nos regala su tercer largometraje animado en "stop-motion", una técnica de animación fotograma a fotograma realizada con muñecos, imàgenes de realidad no simuladas por ordenador. Habiendo oficiado de productor en los opus de Henry Selleck y Mike Johnson, respectivamente, El Extraño Mundo de Jack (1994) y Pesadillas de Navidad (1996), Burton toma las riendas de Corpse Bride, que produce y dirige. 

El argumento nos habla de un matrimonio por conveniencia que no llega a celebrarse por el cruce fantasmagórico de una novia cadáver que acaba llevándose al novio a su tierra de los muertos. A partir de ahí, la presentación de una ciudad fúnebre que recoge todo el brillo que le falta a la tierra de los vivos, agudiza un contraste cargado de culto al detalle, minuciosa elaboración y alto vuelo imaginativo para recrear un pasaje de muerte dulce, amena y entrañable.

Corpse Bride es un sensacional y decadente cuento macabro de romanticismo gótico en el que el realizador acentùa los rasgos de su estilo visual tan mentado. La trama otorga entidad dramática y moral a los conflictos de todos los personajes, y con divertimento y astucia creativa, infunde características del  cine de terror a una inocencia muy propia del realismo infantil. Para ello, el autor acomoda su discurso moral acerca de la vida material, las incògnitas espirituales, el goce de lo instantàneo y las penas de amor.

La personal visión del universo burtoniano esta interpretada a la perfecciòn por su fiel equipo de colaboradores, una maquinaria de relojerìa de perfecto ensamble que cuenta con màs de un nombre destacado. El dibujante y animador español Carlos Grangel en las labores de supervisión del diseño de producción) trabaja para DreamWorks Animation desde 1995. Desde entonces, ha dejado su impronta, como diseñador de personajes en películas como: El Príncipe de Egipto, La ruta hacia El Dorado, Spirit - el corcel indomable, y Madagascar.

El realizador narra con su habitual eficacia una historia en la que sabe mezclar lo romántico, lo gòtico y lo humorístico. Otro grandioso y garantizado éxito de taquilla para Burton con guión de John August, Caroline Thompson y Pamela Pettler, quienes con su pegadiza historieta freak consiguiò la atenciòn y admiraciòn por igual tanto de cinéfilos como críticos. Suma a estos atributos, la música y canciones compuestas por el cèlebre Danny Elfman, se amoldan a cada tramo del relato, convirtiendo al eilm en una obra mayor de la animación contemporánea, capital a la hora de entender las tècnicas y procesos empleados en la actualidad.

Reafirmando la enorme condicion autoral de Burton, cuya imaginaciòn e inventiva parecen, a estas alturas, una inagotable fuente de sorpresas, el autor californiano atraviesa una segunda "juventud creativa". Al tiempo que se despachaba con una gran concepciòn de Charlie y la Fàbrica de Chocolate, casi en simultàneo la inconstrastable dupla Burton-Depp fue capaz de concebir, desarrollar y dar vida a modo de cuento fantàstico a una auténtica joya del cine animado, una pequeña gran historia rubricada en la perfección estética. 

A partir de los cuidados diseños de una infinita galerìa de personajes, el autor despliega una puesta en escena de enorme vigor, con una planificación sustanciada en un elaborado trabajo de ambientación e iluminación de perefecta integraciòn entre expresionismo y surrealismo. Virtudes de la eficiente co-dirección de Mike Johnson, quien se empeña en ayudar a fotografíar el extraño mundo de Burton. Con humor, ternura, risas y fascinación, la historia va abrièndose pasos y las voces de Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson y Christopher Lee dan vida a los personajes que confrontan dos mundos opuestos en clave burtioniana.


Es imposible sustraerse del diseño de personajes, de los caracteres góticos y de los tonos ocres y los claroscuros, tan gratos a Burton, que plantea esta película. La inventiva visual de la puesta en escena, que no solo explota al máximo las posibilidades de ambos mundos, sino que despliega un magistral empleo de la cámara (recordemos, cámaras en miniatura…), de los encuadres, del ritmo, del humor visual macabro y de la luz como definidora del interior anímico de unas marionetas llenas de vida y verosimilitud.

El choque de los mundos es inevitable: la dinámica del relato hace trascender una convivencia quimèrica a un final agridulce que demuestra que acaso y a pesar de todo, los mundos pueden coexistir pacíficamente. En Corpse Bride los mundos contrastados terminan confundièndose en armònica -aunque pasajera- convivencia: el pragmático y grisàceo mundo de los vivos, en contrapuesta al colorido y placentero hàbitat de los muertos.

Mientras el Mundo de los Vivos es irremediablemente gris, poblado de seres esquemáticos, calculadores y consecuencialistas, inundado de matrimonios arreglados, de falsas apariencias, de vacìo existencia, de totalitarismo y censura. La trama y su disparador funciona como excusa para llevarnos al Mundo de los Muertos.  Allì, un fanático de las simetrías como Burton, recrea un mundo de muertos opuestamente colorido. Con una plàstica que combina brillo y opacidad, este ,mundo es inversamente proporcional: libre y dinàmico.  
 
Corpse Bride, deleita la mirada en su mezcla de fantasía fantasmagórica, humor negro y pueril, el romanticismo de melodrama y el musical gòtico. Nostàlgico retrato visual que el cineasta recrea con estilizaciòn las siniestras y a la vez càlidas atmósferas que rodean a sus personajes. Con reminisencias folklòricas a los tradicionales cuentos de hadas, con guiños literarios a las historias de los hermanos Grimm Burton evoca una obsesión oscuramente erótica con reminiscencias al 'Vertigo' de Hitchcock y su amor despuès de la muerte.

El virtuosismo y la belleza de la animación reviste este relato de triangulo amoroso compuesto por tres personajes nobles de corazòn insertados en una narración trágica, sofisticada, impiadosa e intensa. Hermosamente perverso, hechizante pero sin malicia alguna, el autor hecha mano a sus consabidos recursos de autor.  Burton posee suficientes cualidades como para hacer de esta teatral  y lúgubre tragedia un un dulce y visualmente encantador cuento de nostàlgico amor perdido, nos transporta a un mundo oscuro, triste y amenazador. Un necrofílico entretenimiento familiar, donde lo macabro roba risas y lo inerte cobra vida.

 


jueves, 9 de agosto de 2012

ANIMACIÓN - UNA MIRADA A LA OSCURIDAD (A Scanner Darkly, 2006) de Richard Linkater

 


DESCIFRANDO LA PARANOIA FUTURISTA


* * *
BUENA

   Richard Linkater vuelve a la animación con actores desde su aclamada “Despertando a la Vida(Waking Life, 2001). Ahora es el turno de una novela de un pionero de la ficciòn Phillip K. Dick, cuyas destacadas obras han sido adaptadas a la gran pantalla con gran èxito: Blade Runner (Ridley Scott, 1982), Total Recall (Paul Verhoeven, 1990), Impostor (Gary Fleder, 2001) Minority Report (Steven Spielberg, 2002), Paycheck (John Woo, 2003) y Next (Lee Tamahori, 2007), entre otros tìtulos.

   La guerra inútil e interminable de América contra las drogas ha llegado a fundirse con la guerra contra el terrorismo. En un futuro incierto, la pootencia mundial ha perdido la batalla. A pesar de sentir rechazo hacia la idea, la policìa secreta vigila a su propia gente. Cuando se le ordena intensificar el control, esta acciòn convertirà al relato en un viaje paranoico por un mundo absurdo, donde se confunden las identidades y las lealtades.


A travès de la obra del aclamado novelista, Linkater recurre al gènero para reflexionar sobre la droga y sus efectos, asì como otros males terminales de la sociedad contemporànea metaforizadas en un futuro apocalìptico. Al igual que ya hizo en la mencionada "Waking Life", el talentoso autor mezcla animación y personajes reales, como en una novela gráfica. Todo un manifiesto filosófico representado en diálogos cargados de profundidad, entre locura, paranoia y excesos.

Por medio de sus movimientos y voces los intèrpretes transmiten sus emociones de forma progresiva, a medida que sus mundos se transforman. Robert Downey Jr., Woody Harrelson, Winona Ryder y Keanu Reeves integran un sòlido reparto. Con aires de cortometraje de ilustraciòn, el film posee suficiente material y matices en su relato para convertirse en una inteligente interpretación del espíritu subversivo que transmiten las novelas de Philip K. Dick.

El realizador ha adaptado la novela con respeto reverencial, acentuando su vertiente paranoica al utilizar la animación de un modo envolvente, ganando la misma un poder visual fundamental. Linkater basa su discurso en preocupaciones éticas y estéticas por completo alejadas de la comercialidad cinematográfica. No obstante, la fuerza de su intenciòn concientizadora no cae en el mediocre moralismo para imaginar una sociedad deteriorada, reaccionaria e intolerante.

domingo, 8 de julio de 2012

INFANTIL - IGOR (ídem, 2008) de Tony Leondis





LOS CHICOS QUIEREN MONSTRUOS

* * 
REGULAR


Dirigida por Tony Leondis y con un elenco reconocido como John Cusack, Steve Buscemi y John Cleese que pone las voces a personajes animados, esta realización proviene de la Weinstein Company. Siguiendo la huella que dejan los gigantes de las películas infantiles como son Disney, Dreamwords y Pixar, poderosas majors que cuentan sus ganancias en millones gracias a este tipo de incursiones en el terreno infantil, el film se enmarca como uno más de esos que generan expectativas en el público mas joven. Con la influencia marcada de mundos clásicos de la animación como lo fue La Bella y la Bestia y un aire más que notorio con los personajes de la historia de símiles a Frankenstein, el film intenta humanizar a sus personajes y encerrar cierta enseñanza moral defendiendo a los más débiles, a las minorías y a los distintos dentro de una sociedad.

Igor, el personaje que da título al film, es el ayudante del Dr. Glickenstein. En la ciudad llamada Malaria todos los jorobados tienen el destino de ser convertidos en Igors y ser marginados a una escuela especial solo para los de su clase. Allí locos científicos les enseñaran los secretos más oscuros de su sabiduría. Con deseos de fama y fortuna Igor buscará ganar un concurso de experimentos y monstruos, un plan que puede volvérsele en contra y amenazar el destino del mundo.

Bajo la premisa de reflexionar sobre las capacidades intelectuales, las apariencias físicas y la competencia de talentos, el film transita un peligroso recorrido de tendencia maniqueísta. Esa practica humana que niega la responsabilidad de los males cometidos en cuanto a la libre voluntad del ser. Este discurso en su profundidad quizás pueda estar alejado del consciente colectivo de los niños, pero el talento para crear seres malvados, lo artificioso del ser, los principios basados en el odio en que se maneja una sociedad y la maldad a la hora de lograr un cometido son elementos aleccionadores de marcada ambigüedad para una cabeza mas o menos pensante.

Dejados de lado estos conceptos morales, en sí la historia es bastante pueril en su concepción, y se desenvuelve dentro de una serie de parámetros que no escapan a la mediocridad de un producto que en términos de realización podrá ser correcto, pero en cuanto a su endeble contenido pasará desapercibido en tanto y en cuanto no nos detengamos a pensar que mensaje realmente nos quiere dejar. Por momentos una auto parodia de sus personajes, lo rutinario y lo estereotipado coquetea con la exageración mientras su tan particular universo divide las aguas entre buenos y malos sin demasiado lugar para el análisis.

Con una estética que sugiere una ambientación gótica, la fisonomía de sus personajes despierta al menos simpatía y resultan atractivos los escenarios donde cobra vida el guión. Inmerso en experiencias científicas, esta historia será un pasatiempo para los mas chicos, pero no deja de enmarcase en la columna de films olvidables rápidamente. Al público infantil hay que entretenerlo y esta tarea no es nada sencilla. La historia carece de originalidad y lo predecible de la misma atenta contra el interés que pueda llegar a generar.

Cuesta rescatar momentos de genuinos humor construidos y menos aun un mensaje algo estimulante al público infantil. Igor trae a la pantalla todos los clichés del género y consigo una temática repetida y, como dicho, menos original. Apenas atisbos de humor ácido e inteligente naufragan antes de tiempo y la ironía y mordacidad como carta de presentación de sus personajes es apenas la introducción a un toque sarcástico que nunca termina de definirse y se desdibuja en esos lugares comunes ya referidos.



INFANTIL - BATALLA POR TERRA (Terra, 2007) de Aristomenis Tsirbas




INVASORES VS. INVADIDOS

* *
REGULAR

El hombre invade y destruye un terreno que le es ajeno y amenaza a unas criaturas pacificas que habitan en el, alienígenas que conviven en un mundo de tolerancia, paz y armonía. Así se da inicio a la aventura de acción que es Batalla por Terra (Terra, 2007), un film de animación computarizada de producción independiente. La idea de mostrar al hombre como un ser de naturaleza conquistadora, militarizado en su conducta, con ansias de dominación  capaz de manipular un plan de ataque sin importar sus consecuencias con tal de sobrevivir, genera un reto artístico a tomar.

El hombre busca asentarse en planetas vecinos ante la imposibilidad de la Tierra para continuar albergando vida producto de la contaminación que la llevaron a un estado de no retorno. Una guerra interplanetaria por la disputa de quien mantendrá la vida humana deja a la pequeña y desconocida Terra como la única esperanza de una raza humana que busca sostener su existencia.

De todas formas, en la guerra siempre hay dos que combaten, y los dos bandos tienen sus intenciones y motivaciones bien marcadas, los dos atacan, los dos se defiendan, se repliegan y contraatacan. Los seres extraños de otra raza también encierran en su accionar razones y verdad opinables, lo cual permite al film establecer un debate moral tan sorprendente como bienvenido que tiñe al film de un aura polemica y necesaria en estos tiempos de conformismo.

Como gran espectáculo visual que es apreciado gracias a las virtudes del cada vez mas preponderante 3D, la película cumple con destreza narrativa y un acabado desarrollo de personajes. Sin ser parte de los estudios top de Hollywood como Dreamworks, Pixar o Disney, el acabado visual que lleva a cabo Aristomenis Tsirbas es meritorio de destacar. Pero como dicho en el párrafo anterior, el 3D es un vehículo para contar la historia y no ésta un pretexto para hacer gala de la innovación tecnológica.

Con algunos puntos en común con Star Wars (las naves espaciales) y con reminiscencias de Avatar (el choque de culturas, el otro mundo) el film va creando su atmósfera en un mundo de ficción intentando crear conciencia a través de un mensaje social que indefectiblemente nos alerta sobre los peligros del planeta por su constante descuido ambiental. La violencia humana y la comprensión alienígena se confundirán a medida que avance el conflicto generando una disyuntiva ideológica que habla sobre la subsistencia de la especie, no como en Avatar donde se escondía detrás un interés monetario. La toma de partido, en principio, no es de fácil resolución y las líneas éticas posibles de desplegar son ambiguas, lo que de por si nos plantea un film de ficción de impacto y con la consistencia necesaria como para ser inteligente en sus conceptualidades.

Batalla por Terra
no es ajena llegando a su desenlace a cierta irregularidad narrativa y un condescendiente final que resuelve la visión del espectador simplificando a la misma por medio de la identificación con uno de los personajes, sin dejarnos margen alguno de duda. Sin embargo teniendo en cuenta los menores recursos –en comparación con los tanques hollywodenses- con los que ha afrontado esta compleja historia, su resultado es más que alentador. El hombre a lo largo de su historia se ha recostado en su ambición para atravesar mares y conquistar territorios, tal cual es plasmado en el relato. El film carece de tal condición ambiciosa y sus limitaciones lo reducen a una maqueta de todo el potencial que fue ese gran esquema del comportamiento humano en un mundo de ficción llamado Avatar.

viernes, 4 de mayo de 2012

INFANTIL - ASTROBOY (ìdem, 2010) de David Bowers




INTELIGENCIA ARTIFICIAL


* *
REGULAR


Astroboy fue creado en 1952 en forma de comic por Osamu Tezuka y sentó nuevas bases a la hora de crear dibujos animados. En Japón fue un autentico furor hasta conquistar Occidente, desde donde llega esta esperada adaptación. El niño robot se ganó fama suficiente como para mantenerse activo por varias décadas y hoy ser artífice de esta especie de revival retro.

Ambientado en la futurista Metro City, el film relata la historia de un brillante científico que al perder a su hijo en un accidente decide clonarlo dentro de un robot. Así nace Astroboy, quien dentro de una nueva realidad sufrirá una crisis propia de su nueva apariencia mitad robot, mitad humano y deberá confrontar los cambios que experimentara con todas las dificultades que esto conlleve y lo que, en definitiva, lo convertirá en un héroe.

Con marcada influencia de mundos como los de Pinocho o Charles Dickens, y un humor apto tanto para grandes como para chicos (conozcan o no el animé), esta versión de David Bowers intenta sortear con éxito la mirada bajo la lupa de miles de fanáticos que no le perdonarían una floja transposición a la pantalla grande de un icono del entretenimiento para generaciones enteras.

La fidelidad al producto original -siempre en juego a la hora de una transposición- no puede decirse que sea en un ciento por ciento. Si bien la estructura principal se mantiene inalterable, existe cierta renovación respecto al entorno del personaje, que por otro lado no trastoca la naturaleza del mismo, esa que le proporcionó miles de fans por todo el mundo. Sin embargo, y sin desconocer la genuina diversión que trae consigo la historia, hay ciertos pasajes que no han sido explotados en su costado dramático en un acto de extrema simpleza, no olvidemos el tono oscuro y amargo que la historia posee y, que aquí, ha sido suavizado.

Sendas características que revisten a la naturaleza original del protagonista, donde se nos presenta una crisis de identidad que trae aparejada una toma de conciencia de una nueva realidad de vida, tienen su costado de desencanto y sufrimiento. En cierta manera, esta historia porta un perfil trágico –aunque reniegue de él- puesto que todo nace de un desafortunado accidente y también deja ver su lado redentor, en esto de la búsqueda de la aceptación. Allí el film descubre un bienvenido mensaje, sin sentimentalismos de por medio, ese que habla de la singularidad de cada ser humano.

Desde el aspecto técnico, Astroboy es correcta y atractiva visualmente. Elemento que, sumado a la simpatía que despiertan la historia y el personaje, hacen en conjunto una aventura atrapante y llevadera para los mas chicos, pero sin la trascendencia que el peso histórico del dibujo animado requiere.
 

Astroboy es, a fin de cuentas, una suerte de evolución visual que adapta las posibilidades que ofrecen los adelantos tecnológicos de hoy, para conjugar una animación digital con un personaje clásico que apela a la vieja fórmula de su medio siglo de vida para seguir cautivando, aún sin la grandeza de su versión animé. Para los más chicos garantizará su cuota de diversión. Para los fans más rigurosos, no cumplirá del todo con las expectativas.

INFANTIL - TOY STORY (ìdem, 1995) de John Lasseter y Ash Brannon


LOS JUGUETES DE LA TERCERA DIMENSIÒN


* * * *
MUY BUENA


Como indudable estrategia publicitaria previo al estreno de Toy Story 3 (2010) esta incursión en 3D prolonga su calidez y revive la nostalgia. La transición a la tercera dimensión no le cae mal, pero tampoco aporta nada novedoso a un film que ya conocíamos concebido de otra forma. Por el contrario, despierta nostalgia en los adultos que hace 15 años eran niños y presenciaron una bisagra en el cine de animación, creando un autentico universo de ficción con personajes reconocibles, palpables y profundos dentro del mismo.

Dirigida por Ash Brannon y John Lasseter, transporta a los espectadores a la habitación de Andy, la cual es habitada por los juguetes que cobran vida cuando nadie los ve. En la segunda parte, mientras él se encuentra en el campamento de verano, Woody es secuestrado por el propietario de la juguetería que colecciona muñecos para venderlos a museos de todo el mundo. Es por ello que sus amigos salen a su rescate, el cual se debe producir antes de que Al concrete la venta del vaquero a un museo japonés.

El film animado creado por Pixar y Disney se reestrena en su versión 3D, un fenómeno tecnológico que se agiganta día a día, cuya aparición ha generado tanto en esta como en otras sagas, un atractivo comercial que Hollywood suele aprovechar para prolongar sus éxitos, mediante la creación de sus cada vez mas conocidas franquicias. Casi dos dècadas después de su estreno la criatura de Lasseter se demuestra, aún hoy, rendidora, fue en su momento una excusa casi perfecta para lograr un éxito de recaudación sin tomar demasiados riesgos. Esto se debe a que vive de la gloria generada por Toy Story (1995). Sin el encanto y la fantasía superlativa de la primera entrega, el atractivo provocado por este mundo mágico se permitía volver a fascinar con poder de innovación en un cine de animación digital que en los albores del siglo XXI se acoplaba al boom generado por la tecnología.

John Lasseter, creador de la saga, fue no menos que un visionario. Toy Story 2 (1999) se ubicó un escalón por debajo, reconociendo –y reiterando- el encanto original, a la vez que introduce a la historia nuevos personajes que se amoldan a este banquete del color y las texturas que no se queda en lo sorprendente que puede llegar a ser el aspecto visual, sino que profundiza y exterioriza sus inquietudes indagando a una mirada adulta sobre la condición humana. Heredera de un relato con vuelo épico, sus personajes transitan un tour de force visual y el descubrimiento de ellos mismos, mediante un ejercicio de conciencia.

Como sabrán todos los que vieron Toy Story, es una historia de la amistad y sus valores en el universo frágil y cariñoso de los juguetes conforman la trama de esta animación. Creando un microcosmos que nos recuerda a nuestra infancia, a la vez que provoca una reflexión sobre el heroísmo y el sentido de la vida, convirtiéndose en una obra madura complementada con la virtuosidad técnica que el 3D ofrece en sus nuevas posibilidades para el arte de animar.

Acción por doquier, sarcasmo a la hora de hacer humor y alguna que otra referencia cinematográfica a film de culto o clásicos, son algunos de los condimentos de esta interesante vintage cinematográfico cuya implementación del 3D es su atractivo mas notorio. Y su redito final, resulta ser la inevitable nostalgia. Hubo quienes contemplaron este film siendo en las salas hace 15 años transcurriendo su adolescencia;  y muchos de ellos seguramente hoy vuelvan a hacerlo en esas mismas salas, pero junto a sus hijos.

ANIMACIÓN - ALICIA EN EL PAÌS DE LAS MARAVILLAS (Alice in Wonderland, 2005) de Tim Burton // Parte II






LA HISTORIA DETRÀS DE ALICIA



La ùltima y mas reciente adaptación de Alicia en el país de las maravillas estuvo a cargo del director Tim Burton en dupla con el actor Johnny Depp encabezando un reparto estelar. Convertida en una de las grandes apuestas del gigante estudio Disney, la adaptación de la obra de Lewis Carroll es la nueva creación de –quien sino- el siempre sorprendente Tim Burton, dueño de una filmografía que evoca mundos mágicos llenos de fantasía y de una imaginación a prueba de límites.

nspirada en los clásicos Alicia en el País de las Maravillas y A Través del Espejo, el film relata la historia de Alicia quien se embarca en un viaje fantástico que la llevará a descubrir su verdadero destino y poner fin al reino de la terrorífica Reina Roja. Incorporando los personajes, elementos narrativos y un despliegue visual sorprendente, Tim Burton trae una aventura completamente nueva, en la que Alicia, a sus 19 años, regresa por primera vez al País de las Maravillas que conoció en su infancia, pero del que no recuerda ninguna de las aventuras que vivió en Wonderland, la tierra fantástica. 

 La obra literaria creada por el magnifico Lewis Carroll representó en su época una fuerte alusión a temas políticos, una mirada al sistema educativo de por entonces y algún que otro elemento autobiográfico del autor. El País de las Maravillas que se describe en la historia, es creado jugando de forma inteligente con la lógica, de una manera que la obra ha llegado a tener popularidad trascendiendo la propia literatura, allí donde aparecen algunos de los personajes más famosos de Carroll, emblemáticos en la literatura anglosajona, quienes han cobrado importancia suficiente para ser reconocidos fuera del mundo de Alicia.

El libro tiene una segunda parte, menos conocida, llamada A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (Through the looking-glass, and what Alice found there, de 1871). Varias adaptaciones cinematográficas combinan elementos de ambos libros. La obra ha sido traducida a numerosos idiomas y, como prueba de su destino de culto, numerosos ejemplares han sido subastados en millones. Tambièn se sabe, la novela ha inspirado variadas obras de teatro, musicales, ballets y óperas, entre otras manifestaciones artísticas. 

Desde 1903, fecha de su primera adaptación cinematográfica, obra de Cecil Hepworth, el libro ha sido llevado al cine más de una decena de veces. Ha sido también inspiración para parodias cinematográficas en repetidas ocasiones, sin embargo es especialmente conocida la versión de dibujos animados producida por Walt Disney en 1951. Esta película combina elementos de la novela original y de su continuación, A través del espejo. Recibida con gran rechazo entre los incondicionales de la obra de Lewis Carroll, los críticos literarios y de cine británicos acusaron a Disney de "americanizar" una gran obra de la literatura inglesa. La película tuvo una fría recepción en la taquilla y fue una notable decepción en su estreno inicial. Pese a un marcado conservadurismo del sector critico, con el tiempo –como tantas otras películas en la historia- el film fue revalorizado y Alicia en el país de las maravillas fue nominada a un Oscar a la mejor Banda Sonora y compitió por León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1951, nada menos.

En el plano nacional y como muestra de que la obra también ha influido en nuestras latitudes, Alicia… no ha sido ajena a su fuente de inspiración no solo a nivel cinematográfico (Alicia en el País de las Maravillas, 1976, Eduardo Pla) sino también en el mundo de la música. A mediados de los ’70 nuestro gran Charly García creó una canción inspirada en su país, su gente, su vida y la obra de Lewis Carroll. Combinando palabras que hablan del pensar de libertad, la tristeza, la desesperación y la falta de esperanza, dentro de un mundo de represión estatal incomprensible. García deja ver la catástrofe entre tanta contradicción de la esencia humana.

El fenómeno no se detiene allí, y asì llegamos a la versión burtoniana. Rodada en 3D, para Alicia en el país de las maravillas, el realizador californiano ha combinado el empleo de la técnica Performance Capture, que digitaliza las voces y los movimientos de actores y los convierte en imágenes generadas por ordenador, con interpretaciones reales. El refinamiento visual e imaginario inspirado habitual del creador de El Extraño Mundo de Jack -entre otras joyitas cinematográficas- se une al nuevo boom que ha generado la proyección en 3D que seguramente hará de Alicia en el país de las maravillas un enorme éxito en recaudación. Quizás, también tengamos un film de culto para las generaciones posteriores.

En el año 1988 el respetado artista surrealista checo Jan Švankmajer (que paradójicamente ha influenciado la cinematografía de Tim Burton) realizó una particular película libremente basada en la obra denominada Alice. Como si esto fuera poco, tal ha sido la influencia que ha llegado hasta el mundo del anime japonés y una serie llamada Pandora Hearts ha basado sus personajes en el cuento. La naturaleza de estas obras varía desde adaptaciones relativamente fieles a la obra de Carroll, hasta obras completamente nuevas que toman como base a los personajes, situaciones o escenarios creados por dicho autor. 

Del mismo modo, Alicia y sus personajes han inspirado al mundo de la música en artistas tan variados como The Beatles, Tom Waits y Tom Petty poblando sus canciones. Asimismo el propio Salvador Dalí realizó varias ilustraciones basadas en esta obra literaria. Como se ve, una obra que traspasa décadas, gèneros, expresiones artìsticas y varias generaciones. 

"Quien sabe Alicia, este paìs..."