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miércoles, 11 de diciembre de 2013

HOLLYWOOD - EL JUEGO DEL MIEDO (Saw, 2004) de James Wan




 



UN ROMPECABEZAS DIFÌCIL DE ARMAR



* *
REGULAR



Dos hombres se despiertan en un baño subterraneo atados a la pared por una gruesa cadena y distanciados uno del otro. En el mismo cuarto hay un cadaver, un arma y dos serruchos, la consigna es que uno mate al otro en el termino de ochos horas, de lo contrario ambos moriran. Un juego macabro, un acertijo dificil de decifrar que sorprenderà al pùblicoconvirtièndose en un festin del hard horror y una mirada diferente al cine de gènero.
 
"El Juego del Miedo" se rodó en apenas 18 días, recaudò 10 veces el dinero invertido en la producción y el pùblico la celebrò con aplausos. Pero quizás debamos ser mas cautos al juzgar esta película, a la cual no se le puede negar buenas intenciones y quizás en un futuro una rèplica mejor, si bien es acertado decir que carece de identidad y por lo tanto de sustento como film.  

El guión tiene suficientes elementos que sustentan el thriller psicológico y el nuevo cine de terror. La historia, relatada de forma poco ortodoxa, llega a tener una lógica propia dentro de sus excesos, aunque -como en estos casos- quedan varias preguntas sin responder. Dicha carencia se atenúa con un buen clima de misterio,  si bienel problema resulta que el desenlace se alarga por demasiado tiempo, y esto hace que ciertas situaciones se prolonguen de manera ridícula o concluyan de forma no muy convincente.

Al ser un filme de bajo presupuesto, los rubros técnicos no sobresalen, conspirando en contra de una película que aspira a mas de lo que sus limites estéticos le permiten. La dirección de James Wan es voluntariosa, aunque inconsistente, propia de un novel director, y nada que el propio Wan no pueda suplir en futuras incursiones en el género. Por momentos el estilo rememora a las escenas más truculentas de la impecable "Pecados Capitales", mientras que en otros la edición le juega visiblemente en contra, y la estética elegida para el montaje sumado a la ensordecedora banda de sonido (destinada mas a un clip de video de trash-metal-rock que a un producto del genero del terror) sobrecargan demasiado la puesta. 

Entre aciertos y desajustes, el director consigue sacar lo mejor de sus personajes y de los acontecimientos relatados en los momentos de màs tensión. A propòsito de esta virtud, hay una gran capacidad del realizador para transmitir los climas de angustia, desesperación y locura que la trama recorre. Una faceta que explotaría en la menos explícita "Death Sentence" (2007) para luego centrarse exclusivamente en el cine de terror y construir una obra autoral con rasgos bien definidos en Dead Silence (2009), Insidous (2011) y El Conjuro (2013). 

El elenco responde de manera favorable y a pesar de que por momentos tienen que lidiar con situaciones poco elaboradas de guión o ser presos de los artesanales recursos del director, no se puede negar el buen clima de suspenso que mantiene la tensión a lo largo de toda la duración de la película. Clímax logrado aprovechado al máximo por un grupo de jóvenes e ignotos actores que se encuentra respaldado por los correctos aportes de Danny Glover y Mònica Potter.


Clip - trailer:


lunes, 9 de diciembre de 2013

HOLLYWOOD - EL EXORCISMO DE EMILY ROSE (The Exorcism of Emily Rose, 2005) de Scott Derrickson



   



CREER O NO CREER, ESA ES LA CUESTIÒN


* * * 
BUENA



Emily Rose deja el protegido ambiente de su hogar rural para ir a la universidad sin la menor sospecha de lo que le espera. Una noche, sola en su dormitorio, sufre la primera "alucinación" y pérdida de conocimiento aterradoras. Puesto que los ataques son cada vez más frecuentes e intensos, Emily, católica devota, decide someterse a un exorcismo dirigido por el cura de su parroquia, el padre Richard Moore. Al morir la joven durante el aterrador exorcismo, acusan al sacerdote de homicidio negligente. 

Erin Bruner, una sobresaliente abogada defensora, acepta de mala gana representar al Padre Moore a cambio de la seguridad de un contrato de sociedad con su bufete de abogados. A medida que el juicio avanza, el cinismo y ateísmo de Erin se tambalean debido a la fe inquebrantable del Padre Moore y a los hechos, espeluznantes e inexplicables, que rodean el caso.

Con semejante titulo, por demás sugestivo, no es muy difícil que venga a la mente la brillante "El Exorcista" de William Friedkin, con su terror desmedido y macabro. Es que aquel film ìcono del gènero a comienzo de los '70 marcò una etapa y casi condenò al fracaso a todas las obras posteriores que quisieron imitarla o continuarla. Pero la comparación en este caso no vale, porque lo que veremos es un drama judicial con elementos de terror mas contenidos en el haber imaginario que en la realidad. 

Mas allá de cierta confusión de gènero y gustos, es probable que el rumbo del film desencante un tanto a la franja de adolescentes consumidores de este tipo de espectáculos, pero ciertamente -razones de taquilla aparte- nos encontramos frente a una película atrapante e inteligente en su planteo de confrontar la religión versus la ciencia. El guión, que adapta libremente un caso de exorcismo ocurrido en un pueblo alemán en 1974 transpone a la pantalla el conflicto de intersecciones entre lo factico de la ciencia y la fe de la religión y su confrontación en admitir o no como legitima la pràctica de experiencias rituales para contrarrestar las posesiones de la protagonista.

Scott Derrickson se encarga de revivir dichas posesiones diabòlicas mediante flashbacks, mientras el juicio por negligencia se desarrolla en un interesante juego que combina el drama judicial y el terror de corte religioso. Si bien los limites entre fe y ciencia miden sus fuerzas en medio del juicio, los elementos de terror incluidos en el film -que vale decir aportan algo de originalidad y no se reiteran en lo ya visto- pueden llegar a por momentos empañar el panorama del relato. Por lo cual se piensa que un guión dramático tan potente como este sumado a su carga violenta de horror hubiera corrido mejor destino en otras manos que no sean las del inexperto realizador que no consigue unir las piezas de estos interrogantes a lo largo de todo el film de manera màs uniforme. 

En cambio resulta una destacable virtud la notable estilización visual para mediante la fotografía y el montaje manejar símbolos bíblicos y aspectos dogmàticos apreciables al lenguaje del gènero y que logra atrapar tanto en la corte como fuera de ella. Sin embargo los efectos especiales muchas veces no son ni demasiados artificiosos ni espectaculares en detrimento del terror provocado. 

Sin embargo, buena parte de la suerte del film reside en el valor actoral de sus intèrpretes, en quienes reside muchas veces el vaivén emocional de la historia o el empuje dramático necesario en momentos claves. Para esto, un trío de protagonistas brillantes encabezan el reparto: Tom Wilkinson como el sacerdote acusado luce muy sólido en una personificación acertada de su papel, Laura Linney logra hacer lucir todo su despliegue histriónico para dar vida a una abogada agnóstica y ambiciosa, mientras que Campbell Scott retratara con firmeza a un duro y hostil fiscal. Jennifer Carpenter se convierte en una autentica revelación como la joven poseída en un rol del que sale airosa con una actuación arriesgada y desenvuelta. 

"El Exorcismo de Emily Rose" se rodea de un gran elenco para un film interesante de ser pensado desde su punto de vista reflexivo que le escapa al común de películas de terror que sin pena ni gloria pasan por la cartelera. Sin ser una gran obra del gènero, y con el peso de "El Exorcista" sobre sus espaldas, consigue diferenciarse del resto de un gènero ultratransitado.


Clip - trailer:

 

 

jueves, 14 de noviembre de 2013

HOLLYWOOD - TIRADOR (Shooter, 2007) de Antoine Fuqua








LA ENÉSIMA TEORÍA CONSPIRATIVA

 




* * * 
BUENA



 Bob Lee Swagger es un ex-francotirador de los marines que creía haber dejado atrás su antigua profesión después de haber sido testigo de una terrible traición. A pesar de haberse recluido en un lejano escondite en las montañas, el coronel Isaac Johnson, un oficial retirado, consigue encontrarle y le convence de que su país le necesita. Según Johnson, alguien planea asesinar al presidente de Estados Unidos y él es el único que puede impedirlo. El ex tirador acepta a regañadientes volver a servir a su país una vez más. De pronto, descubre que aparece en todos los titulares acusado de haber intentado cometer ese asesinato. Con la única ayuda de una mujer desconcertada a la que acaba de conocer y de un joven agente del FBI, Swagger libra una batalla desesperada por demostrar su inocencia y sacar a la luz a los verdaderos culpables.



La historia del héroe que se ve traicionado y obligado a la fuga para hacer justicia por mano propia es un argumento remanido y exprimido hasta el cansancio en la pantalla grande. Desde “El Fugitivo”, pasando por “Los Tres Días del Cóndor” y hasta llegar a la cercana “Los Federales”. Si sumamos a la trama un atentado presidencial, encontraremos otro disparador argumental hiper conocido y por citar algunos ejemplos vale nombrar “El Embajador del Miedo”, “Entrega Mortal” y la más reciente y fallida “El Centinela”. Para Antoine Fuqua, este film es la reivindicación y su vuelta al buen nivel que mostrara en “La Carnada”, “Día de Entrenamiento” y “Asesinos Sustitutos”. 

Sin embargo la carrera de Fuqua decayó en nivel gracias a consecutivos desaciertos a la hora de incursionar en géneros que no le eran familiares. así, entrego la mediocre “Lagrimas del Sol” y la mas que irregular adaptación de “Rey Arturo”. En esta ocasión, Fuqua ha sabido congeniar diversos exponentes de un cine policial que con estéticas bien distintas supo mostrar a un director con las ideas claras a la hora de narrar un thriller o una película de acción, pero con mas contenido y profundidad que los meros productos de entretenimiento suelen entregar. Fuqua tiene en claro su rol y lo desenvuelve sin fisuras, haciendo un uso impecable de los recursos técnicos a su alcance para brindar escenas de calidad a la hora de tiroteos y persecuciones, como también detalle y nervio para ambientarnos en ciudades populosas, montes nevados o bosques impenetrables, ejes del desarrollo de la acción.



En “Tirador”, retoma como lema argumental el factor de honor y justicia emparentados con el patriotismo y el deber moral. Lo opuesto al mensaje demagogo y barato que había vendido en Lagrimas del Sol para apoyar el conflicto bélico que por entonces mantenían las tropas norteamericanas. Acá en el guión hay un patrón marcadamente de tono liberal, siendo el gobierno estadounidense un nido de corrupción que contamina a todas las instituciones y ministerios de seguridad de la que dependen conformando una sucia y desleal red de interés económico donde los valores morales y éticos brillan por su ausencia. 

Este factor, hace profunda la trama, en cuanto a los numerosos vueltas de tuerca que presenta el guión transformando a héroes en villanos y viceversa y donde el blanco a seguir es un hombre al que no le queda nada mas que salvar que su propio honor y que fiel a su profesionalismo, sigue sus principios y se vale de códigos de conducta prototipos del genero western en un entorno urbano, en pos de desmantelar un complot de escalas mundiales. 

En cuanto a los papeles protagónicos vale la pena destacar tres de ellos: Mark Wahlberg, que viene de trabajar a las ordenes de otro destacado director afroamericano como John Singleton en la fallida “Cuatro Hermanos”, aquí entrega otra sólida actuación que respalda su reciente nominación al Oscar y que lo muestra como un interprete efectivo para el genero y aquí, especialmente, bastante acertado. Por otro lado, es grato ver a Danny Glover en un papel clave para el desarrollo del film y a Michael Peña en otro papel de reparto que luego de las consecutivas “Las Torres Gemelas” y “Crash” remarca su buen momento actoral.


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viernes, 11 de octubre de 2013

HOLLYWOOD - ENREDOS DEL CORAZÒN (The Upside of Anger, 2005) de Mike Binder






NUNCA ES TARDE PARA DESCUBRIRSE



* * *
BUENA



Terry Wolfmeyer es una madre y esposa cuya vida sufre un vuelco cuando su marido desparece repentinamente. Luchando para afrontar su ausencia, Terry se encuentra cada vez más enfrentada con sus cuatro hijas y recurre al alcohol para evadirse hasta que empieza una relación con su vecino Denny. Anteriormente una gran estrella del béisbol y actualmente presentador de radio, Denny acompaña a Terry cuando se emborracha y poco a poco se convierte en una fuente de apoyo, además de sustituto de padre para sus hijas. Pero las cosas se complican cuando también las chicas empiezan a tener dilemas románticos.

Una comedia familiar y a la vez un drama romántico "Enredos del Corazòn" reúne a dos grandes de la pantalla como Kevin Costner y Joan Allen. El film transita un ácido y reflexivo enfoque sobre las familias disfuncionales, sobre abandonos sentimentales, sobre empezar de nuevo, sobre frustraciones que complican el volver a empezar, esas temáticas toca el film, a modo del que lo hicieran similares suyos como "Belleza Americana", "Quédate a mi Lado" y "Recuerdos de Hollywood". Aunque claro està, son films que marcaron en mayor o menor medida un impacto considerable en comparación al film en cuestión cuyo titulo original ("El Lado Opuesto del Enojo") sugiere mucho mas al contenido que se desarrolla que la mala elección de subtitulos que confirma una mala costumbre, por enèsima vez. 

Mezcla de comedia romántica con drama de tintes ácidos, "Enredos del Corazòn" ofrece lìneas de dialogo muy jugosas, gracias al peso de sus personajes y a la buena mano del director para crear situaciones incòmodas para que  el film gane la fuerza necesaria como para despertar interés en el espectador. Incluso los giros finales del argumento no trastocan la historia, solo le dan un nuevo matiz y no parecen decisiones desesperadas por encaminar la historia. Por el contrario, Mike Binder parece saber a todo momento donde quiere ir. 

Esto no impide que haya algún que otro exceso propio de los clisès del gènero y se puede decir que el film acude a casi todos los enredos típicos y tópicos en común de las comedias de esposas incomprendidas, hombres maduros frustrados y adolescentes rebeldes, pero no se conformaría con solo eso. Su permanente fluctuaciòn entre el drama y la comedia sin necesidad de ser polìticamente correcta -sin moralinas, ni golpes bajos- y dejando a sus personajes desenvolverse, convierte a cada situación disfrutable y otorga al film rasgos de un cine fresco, joven y original.

Joan Allen realiza una interpretación sublime, radiante, intensa e inspirada. Su rol le permite lucirse tanto en la faceta dramática como en la cómica. La química en pantalla con Kevin Costner es evidente, y el caso del maduro galàn es digno de destacar. A sus 50 años, de un tiempo a esta parte comenzó a encontrar papeles que le caen a su medida, donde su figura de seductor maduro y simpàtico saca a relucir su enorme oficio para el gènero. Costner fue estrella indiscutida desde mediados de los '80 hasta fines de los '90 y como todo actor, su estrella comenzó a decaer. Pero ha sabido recuperarse notablemente, y así lo evidencian sus últimos films.


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jueves, 10 de octubre de 2013

HOLLYWOOD - KINSEY, EL CIENTÌFICO DEL SEXO (Kinsey, 2004) de Bill Condon






UN HOMBRE PASIONAL




* * * * 
MUY BUENA





En 1948, Kinsey cambió de manera irrevocable la cultura norteamericana con su libro `El Comportamiento Sexual en el Macho Humano`. Al entrevistar a miles de personas acerca de los aspectos más íntimos de sus vidas, Kinsey liberó del peso del secreto y la pena a una sociedad para la cual sus prácticas sexuales eran cosa mayormente desconocida. Su trabajo dio inicio a uno de los debates culturales más intensos del pasado siglo. 

La prensa equiparó su impacto con aquel de la bomba atómica. Pero mientras el país entró en la Guerra Fría en la década de 1950 el subsiguiente estudio de Kinsey relativo a las Hembras, es visto como un ataque dirigido a los más básicos valores norteamericanos. El escándalo subsecuente y la ira pública, provocó que los benefactores de Kinsey lo abandonasen, justo en el momento en que empieza a deteriorarse su salud.

  "El tiempo le dio la razón" podría perfectamente titularse el epilogo de esta película. Un nuevo biopic se suma a la moda de Hollywood para retratar la vida del científico Alfred Kinsey, un hombre muy resistido en su época que convulsiono a la sociedad norteamericana con sus informes sobre la sexualidad masculina y femenina, en sendos libros publicados en 1948 y 1953, y que en definitiva hoy -medio siglo después- sigue vigente y polémico, aunque con justicia reivindicado.


Es interesante la manera en que se plantea y posteriormente se desarrolla la historia. Kinsey fue un hombre obsesivo con su trabajo, con su investigación y con su obra, relegando a un segundo plano su vida personal y familiar. Esta obsesión parte de una infancia reprimida, de un padre ultra conservador y las fantasías no exploradas en la niñez. Esta etapa de la vida del científico se muestra con una gran solidez narrativa que nos permite entender la mente de este adelantado que decidió ir mas allá, romper los moldes de una sociedad rígida y pacata y se desafió a si mismo enfrentando sus propios miedos y limites.

Pasada la primera hora del film, el mismo se asienta como un melodrama biográfico de un hombre enfrentado entre sus principios morales y su ética profesional y, es cierto, se torna un poco previsible, alargado y reiterativo de todas maneras sin perder el foco de su protagonista al que retrata con objetividad y sin prejuicios, aunque esta distancia pueda perjudicarle.


La dirección de Bill Condon -un abonado al gènero de biopics luego de su exquisita "Dioses y Monstruos") es sobresaliente en varios puntos. El film tiene un estilo visual clásico, con la utilización de primeros planos de sus actores, un arte ya casi perdido en Hollywood, reposando en ellos y sus expresiones el gran peso dramático del relato. Otro acierto resulta la manera en la que contextualiza la historia, que abarca mas de medio cuarto de siglo y que tiene para esto un logrado trabajo de ambientación, fotografía, vestuario y maquillaje. 

Pero mas allá de los sobrados recursos técnicos del realizador, lo mas destacado es el tratamiento del tema; una película que no le tiene miedo a hablar de sexo despojado de tabùes. Sin eufemismos, pero sin la necesidad de regodearse en el lado morboso, sabe como retratar a un personaje polémico en medio de una sociedad hipócrita, ignorante y prejuiciosa dejando bien en claro aspectos humanos, científicos y psicológicos.


El elenco es otro punto fuerte del film: Liam Neeson en el papel de Kinsey y Laura Linney en el papel de su esposa, consiguen interpretaciones tan convincentes como expresivas en sus aspectos emocionales, evolucionan a la manera que lo hacen sus personajes, dotando a èstos de una gran cuota de humanismo, compromiso y sensibilidad. El elenco secundario esta encabezado por figuras sólidas como Timothy Hutton, Peter Sarsgaard, Chris O'Donnell y Oliver Platt, mientras que John Lithgow en la piel del padre recto, retrògado y severo vuelve al cine en su mejor forma interpretativa.


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jueves, 19 de septiembre de 2013

HOLLYWOOD - LA NIEBLA (The Mist, 2007) de Frank Darabont





REVISITANDO UN CLÀSICO DE KING    



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BUENA

 


En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces aparece una espesa niebla que va entrando y atrapando a la gente en sus hogares, supermercados y va matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.


Si nombramos a Stephen King, su nombre en el terreno de la cinematografía está firmemente unido a su estirpe de novelista elite de ciencia ficción. Desde su brillante adaptación de “El Resplandor” por parte de Stanley Kubrick solo apenas un puñado de películas de la incontable cantidad de adaptadas han logrado perdurar en el tiempo. O bien sus novelas han caído en manos de directores novatos o, en el menor de los casos, en manos de directores de renombre y con acierto para saber encaminar sus proyectos para lograr hacer una adaptación digna. 

El propio Frank Darabont, como el versátil Rob Reiner han sido dos directores ejemplares que han sabido adaptar a la pantalla con éxito las consagradas novelas de King: “Misery”, “Cuenta Conmigo”, “Sueños de Libertad” y “Milagros Inesperados” fueron grandes películas ejemplos validos para corroborar esta tendencia de saber aprovechar el rico material con el que se cuenta para desenvolverse en un medio tan decadente como resulta hoy en día el cine de ficción o terror. Así como también el maestro del terror "clase b" John Carpenter podría agregarse a dicha lista con su notable adaptación de la perturbadora “Christine”.


El mismo, que se nutre de productos puramente comerciales repletos de secuelas o versiones remake hollywoodenses del terror oriental y es abonado a las historias más elementales y al publico menos entendido, no en vano “Imágenes del Mas Allá”, “El Descenso”, “Apariciones”, “El Juego del Miedo” entre otras, encuentran cómodamente un lugar en la pantalla. ”La Niebla” film adaptado de la homónima novela de Stephen King es en conjunto una buena historia con un conflicto como núcleo bien desarrollado, mezcla de tensión, suspenso y violencia sin recaer en esta por exceso ni regodearse en el efecto visual para causar impacto.  Aunque por momentos este como el uso del maquillaje podría haberse depurado mas para su provecho. 

Su matiz como film es más perturbador pasa por lo psicológico  el punto más alto será la conclusión final, en un desenlace que dejara paso a la polémica, que no respeta a la novela original de King pero q a fin de cuentas es un paso arriesgado. Sin tener en cuenta este punto, la adaptación de Darabont no dista en absoluto de la creación de King. Otro factor que hace que el film salga de la monotonía que ofrece el género es el hecho de contar con De un casting que rara vez se ve en este tipo de producciones, el film se permite reunir  caras conocidas como Marcia Gay Harden, Toby Jones, Andre Braugher y Thomas Jane. 

Darabont, con suficiente inventiva y acierto, pone al servicio de su elenco un manejo de cámara más que interesante. Para beneficio del film utiliza mucha cámara en mano que complementa con un ajustado uso de los efectos especiales. La marca registrada del abundante primer plano y algo de panorámica, que sirven para acrecentar el terror, la tensión de los protagonistas y lo desolador de un ambiente hostil y apocalíptico.



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miércoles, 4 de septiembre de 2013

HOLLYWOOD - UNA GUERRA DE PELÌCULA (Tropic Thunder, 2008) de Ben Stiller






LA INDUSTRIA EN PIE DE GUERRA







* * * *
MUY BUENA




En la selva del sureste de Asia se rueda una superproducción sobre la guerra de Vietnam con varias estrellas: Kirk Lazarus, un intenso actor tres veces ganador del Oscar; Jeff Portnoy, estrella de una popular y grosera saga de películas, Alpa Chino estrella del hip-hop metido a actor, y el novato Kevin Sandusky. Pero, a medida que transcurre el rodaje, todo lo que podría ir mal, va mal. Todos se quejan por las condiciones de trabajo. 

La situación va de mal en peor, sobre todo para el director de la cinta, Damien. Tanto es así, que su reparto de estrellas acaba abandonado en mitad de la jungla. Ellos creen que Damien los seguirá filmando con cámaras ocultas, pero lo cierto es que en la selva se desarrolla una auténtica guerra. Así pues, los protagonistas deberán hacer todo aquello que harían sus personajes, y sobre todo, comportarse como auténticos soldados si quieren salir con vida de ese infierno.

El cine bélico ha tenido a lo largo de su desarrollo històrico un par de parodias de la guerra realmente memorables. Quizás una de las más recordadas y más logradas sea “M.A.S.H.” de Robert Altman. Aquí nos encontramos frente a otra película de parodias, donde el ridículo escapa el encasillamiento. No solo es mèrito el acierto de los personajes para llevar adelante una trama tan alocada y bizarra, sino que la realización es algo fuera de lo común. 

En la silla de director esta nada menos que Ben Stiller: el de la muy lograda “Generación X”, el de la irreverente “El Insoportable”, el de la excéntrica “Zoolander”. Ahí está Ben Stiller haciendo gala de todo su arsenal como realizador, comenzando el film con una serie de cortos muy logrados y cómicos y continuando con una simulación de filmación de escena bélica digna de una gran realización del género. Cine dentro del cine -o meta relato como lo llama la Semiologìa- Stiller aplica su inagotable inventiva a un relato sin fisuras.

Ese terreno que tan bien supo manejar el recordado y mencionado Robert Altman, Stiller conoce las internas de Hollywood como la palma de su mano, y se despacha a gusto con acidez e ironía. Audaz y sin temor de decir lo que piensa hace funcionar su juego políticamente incorrecto sobre los más poderosos de Hollywood. Haciendo lucir a sus protagonistas y planeando escenas que son homenaje a films célebres del género, también dispara munición gruesa sobre la Academia y sus cuestionables parámetros para considerar un film 'oscarizable'. No es descabellado decir que “Una Guerra de Película” es una de las mejores comedias que brindó Hollywood en mucho tiempo, por esto Ben Stiller explora campos conocidos y donde sabe moverse, sin temores a equivocarse. 

El 'cómo' funciona la industria del cine en los Estados Unidos y el género bélico parodiado hasta el extremo son los puntos más destacables de esta farsa bèlica, sátira plena de humor negro. Con realismo, Stiller acierta al desnudar las grandes y escondidas miserias de la industria de Hollywood, ese universo vanidoso y ostentoso que por conveniencias muestra su lado aparente y diplomático y que resulta hipócrita y cínico a la hora de adentrarse en la salvaje competencia. Una moraleja asoma impiadosa, en la ley de la selva, sea por ocupar el trono del productor más poderoso que exista, no importa que reglas morales haya que romper.

Despiadado en sus retratos humanos, muestra su espíritu desprejuiciado al jugar con sus personajes entre el extremo de lo real y lo actuado. El propio y multifacético Ben Stiller, el gran Tom Cruise -irreconocible-, un enfocado Nick Nolte, un recuperado Robert Downey Jr. y el siempre desinhibido Jack Black brindan papeles para el aplauso continuo, la risa incontenible y el recuerdo permanente. 

Así, la pirotecnia irreverente (que tendrá sus desniveles y auto referencias innecesarias) se burla de las estrellas y los falsos héroes, de la raza negra y la raza asiática, de los engaños propios de un sistema que se sustenta de ellos y no es infalible. El film ataca sin medias tintas de los estereotipos que inundan la industria del séptimo arte y la controversia de la política exterior estadounidense. 

No es poco para tiempos cinematográficos donde son los menos quienes se atreven a desmitificar estos intocables. Es una apuesta más que válida para revivir la carrera de un Ben Stiller cuyos recientes y continuados fracasos no hacían justicia con su enorme talento como comediante y con lo que su rica filmografía como actor, director, productor y guionista respalda.


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viernes, 30 de agosto de 2013

HOLLYWOOD - LA ISLA (The Island, 2005) de Michael Bay





¿SOS VOS O SOY YO?


* * *
BUENA




Lincoln Eco-Seis y Jordan Delta-Dos se encuentran entre los cientos de residentes de un complejo cerrado a mediados del siglo XXI. Al igual que todos los habitantes de este entorno cuidadosamente controlado, todo en sus vidas cotidianas está controlado, aparentemente por su propio bien. La única salida –y la esperanza que todos comparten– es ser elegido para ir a "La Isla", el último rincón sin contaminar del mundo tras un desastre ecológico que, según se dice, se cobró las vidas de todos los habitantes del planeta… excepto las de ellos. Lincoln, que últimamente se ve acosado por pesadillas inexplicables, está inquieto y se cuestiona cada vez más las restricciones que le han impuesto a su vida. 

Michael Bay, un nombre muy asociado a Jerry Bruckheimer (pionero de los productores del cine de acción de Hollywood), ya sea en su labor como director o productor resulta siempre muy acertado en sus proyectos: películas que garantizan acción y adrenalina pura, entretenimiento asegurado para los amantes del genero de acción y la ficción. El realizador de "La Roca", "Armaggedon" y "Pearl Harbor" esta vez nos ofrece una buena historia de ciencia ficción con un trasfondo bien polémico como la clonación humana y una trama muy turbia, enredada y con mas de una sospecha sobre sì que el espectador deberá dilucidar.

Por suerte para los cinéfilos del genero de ficción, èste es uno que siempre se las arregla para reinventarse, año a año nos sorprende con buenas películas y “La Isla” en este caso no es la excepción. Según Spielberg (quien ha contribuido notoriamente al gènero con films como "A.I.: Inteligencia Artificial", "Minority Report: Sentencia Previa" o "Guerra de los Mundos") el sci-fi es un terreno que le permite al director desarrollar toda su capacidad creativa y -presupuesto mediante- poner al servicio todos los avances tecnológicos para imaginar un futuro. 

Esta máxima parece haber adoptado Michael Bay, quien no ahorra despliegue y espectacularidad visual para montar una historia con sustento y a la vez plagada de adrenalina, tensión y acción. Siguiendo la línea de films recientes como "El Pago" y "Yo, Robot", "La Isla" propone un mundo futuro cercano donde tras una devastación mundial los seres humanos sobrevivientes son recluidos en una base y solo unos pocos podrán emigrar a una isla para procrear la especie. En realidad la trama se complica bastante mas y esto resulta lo interesante: en su tono oscuro, polémico y maléfico, el director pone el acento y su ojo en un experimentó horripilante que quizás en un tiempo no muy lejano poco tenga de ficción. 

El elenco central en la dupla que componen Ewan McGregor y Scarlett Johansson cumple con solidez, desenvoltura y espontaneidad. A Sean Bean y a Djimon Hounsou les toca, como de costumbre, ser los malos de la película, mientras que Michael Clarke Duncan y Steve Buscemi completan un elenco heterogéneo. Estéticamente, la puesta en escena sobresale por su originalidad y dedicación a los detalles que nutren la historia, destacan los efectos visuales y sonoros, asi como la fotografía resalta colores claros (en acertada metáfora a los aspectos de la trama), aspectos fundamentales en este tipo de films. 

Una vez ambientada la historia, mostrados los personajes y descripto el mundo ficticio en la que estos están inmersos, narrativamente en su estructura el film da un giro de 180 grados. Todo lo que era especulación y misterio comienza a resultar anticipable, la acción se adueña de la pantalla y sin tregua, entre persecuciones, tiroteos, explosiones y derrumbes mantienen al espectador en vilo para la ùltima hora y media de película en una continuación de escenas electrizantes donde se resuelve la trama.

Con menos inventiva que en su planteo inicial y donde las traiciones y las redes de corrupciones decantaràn un final que desenvuelva el misterio, el film se resuelve con mas de alguna obviedad incluso en la conducta de sus personajes, extraños a un mundo desconocido, pero pleno de sobresaltos.  Al tomar el film un aspecto mas real y humano (terrenal, por decirlo de alguna manera) se pierde cierta sutileza construida hasta el momento cayendo en la recurrente, por estos tiempos, mala costumbre de usar películas para hacer propaganda gratuita. Así veremos rastreadores MSN, publicidades de Calvin Klein e indumentaria Puma. No sòlo la clonaciòn es el debate futurista excluyente, parece que tambièn la globalizaciòn, las sociedades de consumo y la oferta visual permanente seràn temas recurrentes en el mundo del mañana.


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jueves, 29 de agosto de 2013

HOLLYWOOD - LA CIUDAD DEL PECADO (Sin City, 2005) de Robert Rodrìguez y otros


   



EL INFIERNO ESTA ENCANTADOR



*  *  *  *
MUY BUENA




La historia central se centra en Marv, un matón callejero de toda la vida. Cuando Marv acoge en su casa a una diosa de la belleza llamada Goldie, sólo para conservar su cadáver en la cama, acecha la ciudad para vengarse de la pérdida del único amor que había sentido en su corazón. Otra de las historias es la de Dwight, un investigador privado que se empeña una y otra vez en dejar atrás los problemas a pesar de que no consigue deshacerse de ellos. 

Después de que muera un policía en el casco antiguo de la ciudad, Dwight no se detiene ante nada para proteger a sus amigos entre las damas de la noche. Y finalmente, está la historia de John Hartigan, el último policía honrado de Sin City. Su vida profesional está a punto de terminar. En su último caso trata de salvar a una niña de 11 años de las manos del sádico hijo de un senador.

Esta nueva película de Robert Rodriguez està basado un la novela que desde 1991 tiene formato de comic y autoría de Frank Miller, y su gran salto a la pantalla grande representa un gran esfuerzo personal de la dupla autoral para respetar la fidelidad de la obra. El incomparable aporte de Quentin Tarantino -de quien en el film se notaràn sus influencias- mas un elenco super estelar que hace destacar a varias figuras de primer nivel, son los ingredientes màs valorables del film. 
Sin City versiòn film es un comic, y esta narrado como tal, compuesta de diferentes episodios que tienen a un personaje especifico en el centro del relato. Los hechos criminales se van sucediendo y encuentran conexión en algún punto de esta ciudad del pecado donde -parece- suceden cientos de historias y esta es al menos una màs en donde se cruzan policías y ladrones, prostitutas, políticos corruptos, crímenes, vendettas y traiciones. 

La mixtura parece ser una combinación perfecta, y si bien tiene sus declives narrativos a veces anticipables -otras veces un tanto excesivo o arbitrarios en cuanto a su desarrollo- hay que saber valorar dos aspectos: su adaptación cinematográfica respeta casi la totalidad de los diálogos de la historieta, con lo cual la transición que Rodriguez hizo al cine es destacable; y segundo, es un producto con mejor calidad y cantidad de contenido que lo que el mundo del comic esta acostumbrado a darle al cine, con lo cual es de esperar que el presente film siente las bases para adaptaciones posteriores. La película rescata el verdadero espíritu del pulp fiction y abundara la violencia y el sadismo hasta un punto tal en el que algunos la tildaron de misógina, pero no puede negarse que de parte de Frank Miller hay una profunda admiración y continuación de las grandes obras policiales de los años '40.

Robert Rodriguez comparte la labor de dirección junto a Frank Miller, el autor del comic, y  visualmente el film nos presenta una estética de puro comic, sumamente depurada y estilizada a la manera de Robert Rodriguez, quien controla ciento por ciento los efectos visuales de sus films, es por esto que la puesta en escena es mas que personal y hasta caprichosa en extremo. Veremos entonces como tonos oscuros hacen resaltar el color de la sangre, por ejemplo, haciendo notar seres humanos encarnados en un mundo de fábula que con un aire noir del típico policial negro dan vida a las calles de una ciudad más oscura y tenebrosa que la mismísima ciudad Gótica. 

Aunque el arte de ambos directores no se limita a la fotografía, veremos también una gran apuesta  al maquillaje, al vestuario y a la música. Como director invitado, cabe resaltar, se encuentra nada menos que Quentin Tarantino, socio y amigo de Rodriguez, que se encarga de rodar la escena que Benicio del Toro y Clive Owen comparten dentro de un auto, mientras que el propio Frank Miller protagoniza la escena que junto con Mickey Rourke se rueda en un confesionario.

Por elenco desfilan mas de una docena de intèrpretes de primer nivel: Bruce Willis confirma una vez mas su buen momento actoral con un papel de detective hecho a su medida: sufrido, pasional y heroico. Clive Owen y Benicio del Toro apuestan toda su expresividad y porte físico para sus roles secundarios, mientras se suman al elenco estelar Michael Clark Duncan, Michael Madsen, Carla Gugino, Josh Hartnett, Rosario Dawson, Jessica Alba, Rutger Hauer, Elijah Wood y Mickey Rourke, actor del que vale la pena hacer una mención aparte: últimamente olvidado este resultò casi de forma providencial un rol determinante para resurgir su carrera que llevaba casi una década de ostracismo. 

El intento de Rodriguez de devolverle a Rourke el prestigio perdido y recuerda a su compañero de aventuras Tarantino que se encargara de reencauzar carreras perdidas, como lo hizo con John Travolta para "Tiempos Violentos" y con David Carradine y Daryll Hannah para "Kill Bill".


 Clip - trailer:




sábado, 24 de agosto de 2013

HOLLYWOOD - SOY LEYENDA (I Am Legend, 2007) de Francis Lawrence


 

 
 
LA ÚLTIMA RESISTENCIA

 

* * 
REGULAR

 
Robert Neville es un brillante científico, pero a pesar de esto no ha podido impedir la expansión de un terrible virus imparable, incurable y creado por el hombre. Neville, de algún modo inmune a este virus, es ahora el último superviviente humano que queda en la ciudad de Nueva York y quizás en el mundo. Durante tres años, Neville ha enviado todos los días mensajes por radio para encontrar otros supervivientes. Pero no está solo. Víctimas mutantes de la plaga –los infectados– merodean en las sombras, vigilando cada uno de los movimientos de Neville, esperando que éste cometa un error fatal. Neville se ve impulsado hacia la única misión que le queda: encontrar la forma de dar marcha atrás a los efectos del virus utilizando su propia sangre inmune. Pero sabe que está en condiciones de inferioridad y que se le acaba el tiempo.
 
Las historias de zombies dentro del enorme abanico que ofrece el cine de terror son un plato más que fuerte a la hora de acaparar audiencias jóvenes. En “Soy Leyenda” estos seres se presentan como la gran amenaza en medio de una humanidad al borde de la extinción. Como punto de partida para una trama, es un panorama convocante y aterrador que en el cada vez mas recurrente cine de ciencia ficción.  Resulta así una propuesta mas cercana a una moda de repetición, y que mejor que Will Smith en el papel de héroe, aquel mismo que salvó al mundo en “Día de la Independencia”, en “Yo Robot” o en “Hombres de Negro”.
 
“Soy Leyenda” tiene su origen en la novela homónima de Richard Matheson un clásico de la literatura de ciencia ficción. No es la primera vez que esta historia es transpuesta a pantalla: fue adaptada al cine en “The Last Man on Heart”, que protagonizó Vincent Price en 1964 y “The Omega Men” de 1971 interpretada por Charlton Heston. Si bien quien haya leído la novela notará que la amenaza eran en ese entonces vampiros, el tópico de los muertos vivos resulta a fines de los ’60 más que paradigmático. No olvidemos que George A. Romero con su “Noche de los Muertos Vivos” fue precursor de este luego transitado sub género, aunque es innegable que el hecho de que los zombies cinematográficos de “Soy Leyenda” presentan una raíz muy fuerte en su origen vampiro, a partir de no poder ver la luz.
 
El nuevo trabajo del director Francis Lawrence, de fallida labor en “Constantine”, retrata a la perfección lo desolador y terrorífico  de una ciudad devastada por un virus que dejó a la humanidad al borde de la extinción. Una Nueva York reconocible en su esencia, pero destruida y post apocalíptica es captada a la perfección mediante una fotografía lúgubre que remite a “Exterminio” de Danny Boyle y que dicha ambientación, sumado a los efectos especiales utilizados es el punto mas sobresaliente de un film que no sabe aprovechar un a priori buen sustento temático.
Correcta en su vigor dramático, el film durante su primera mitad explora espacios narrativos, con un suspenso bien dosificado y un sobrio acercamiento a lo íntimo de su personaje principal, a través del cual conocemos las verdaderas dimensiones de la catástrofe y lo que poco a poco nos va acercando a la tragedia de este hombre solo. Es una lástima que la segunda mitad del film se haya volcado a las conveniencias comerciales de los estudios. Finalmente resulta ser un mero producto de ficción mas, donde lo marco por la obviedad desdibuja artísticamente un interesante acercamiento a lo apocalíptico en función a sus constantes referencias al mundo actual o cercano en lo real.
 
El film se permite mediante la caracterización de su personaje principal, un homenaje a Bob Marley y varias citas cinéfilas entre las que se destaca una edición de colección de “Buenos Muchachos” (Martin Scorsese, 1990) que Robert Neville guarda en su ropero. Aunque en el film existe mas de una auto parodia que tiene mas que ver con esas intervenciones poco acertadas que con el acierto…es un tanto exagerada las referencias a tanques contemporáneos de Hollywood que dan al film un aire mas comercial y marketinero que post-apocalíptico, propio de los tiempos superficiales en que vivimos.
Will Smith, por su parte, se las ingenia para llevar adelante con su solvencia característica a su personaje, un papel muy cargado psicológicamente por las eventualidades que le toca vivir, poniendo el acento el director (mediante primeros planos en el expresivo rostro de Smith) en las reacciones que tiene producto de las vivencias extremas que atraviesa y en las cuales consigue transmitir toda la carga dramática de un film poco homogéneo en cuanto a la tensión que transmite. Aquella que se ve diluida en sus climas por intervenciones que intentan ser graciosas y acaban por ser poco simpáticas.

Volviendo a Smith y su exigente labor personal, el film esta narrado casi como un unipersonal donde el actor no sale de pantalla y puede decirse que lo poco de virtuoso que logra la película es apoyarse en su talento dramático, en el cual reside casi la totalidad del interés que genera en el publico este hombre solitario con la pulsión innata de supervivencia en medio de un panorama tan desesperanzador como cercano en el tiempo.


Clip - tráiler:

 

 

HOLLYWOOD - YO, ROBOT (I, Robot, 2004) de Alex Proyas

 


 
 
 
LA REBELIÓN DE LAS MÁQUINAS
 
* * * *
MUY BUENA


 
Corre el año 2035. Vivimos en completa armonía con robots inteligentes. Cocinan para nosotros, conducen nuestros aviones, cuidan de nuestros hijos y confiamos plenamente en ellos debido a que se rigen por las Tres Leyes de la Robótica que nos protegen de cualquier daño. Inesperadamente un robot se ve implicado en el crimen de un brillante científico y el detective Del Spooner queda a cargo de la investicación, ayudado por la psicologa de robots, Dra. Susan Calvin y un robot programado para tener sentimientos, Sonny. Este trio se verá inmerso en una impactante carrera contra el tiempo, llena de desagradables imprevistos. Su único objetivo será evitar que se lleve a cabo un complot donde los robots dominarán la raza humana.
Alex Proyas ("El Cuervo") concibe con esta película, una de las mejores producciones de ciencia ficción de los últimos tiempos, producciones que se ven favorecidas gracias al avanza contundente de los efectos especiales, pero que rara vez encuentran al guionista indicado, por su creatividad y originalidad para adaptar o crear alguna vieja o nueva historia. De esas historias que tanto abundan "Yo, Robot" es la adaptación de un cuento de Issac Asimov y que es en menor medida lo mejor que ha dado el género desde "Blade Runner" ( adaptación de Philip Dick ) y se convierte junto a "Sentencia Previa" en su indiscutible heredera.
La película sitúa la historia en la ciudad de Chicago en el año 2035 en un mundo donde los humanos dejan a cargo de los robots las tareas cotidianas y mas domesticas, así como también los trabajos mas forzados y la seguridad misma de los humanos. Este circuito perfecto que aparentemente no puede fallar, se ve doblegado al ocurrir un asesinato, nada menos que del creador de este sistema de robots, el caso quedara a cargo de un particular detective de homicidios que descubrirá detrás del aparente asesinato (¿o suicidio?) una trama aun mas profunda y controvertida.
La dirección de la película encuentra su mejor trabajo en la adaptación en pantalla que hace del mencionado cuento, sacando de éste lo mejor. La duración así como la acción, ambientación y movilidad que presenta el film es acertada ya que la atención del espectador se mantiene en todo momento. Para ello, el director respeta el orden de los hechos y es coherente con sus ritmos, poniendo mucho cuidado y atención en una notable fotografía, vestuario, maquillaje, montaje y unos no menos destacables efectos visuales y de sonido dignos de una gran superproducción del género.

El relato es entretenido, contando la historia por momentos en tono de thriller  y por momentos en tono de comic. De esta forma, la adaptación del cuento de ficción en guión cinematográfico narrado presenta una interesante transferencia de expresiones del mundo futurista y ciertos signos vitales del mundo de hoy, todavía vigente en aquellos futuros años, y si bien el relato gira en función a su actor principal, son los robots quienes cobran gran protagonismo. El mundo que se crea alrededor de un nuevo estilo de vida y se proyecta hasta el detalle, cobra una perfecta realización futurista. 
 
El elenco lo encabeza Will Smith, una especie de héroe de ciencia ficción destinado a salvar al mundo del dominio de los robots, brinda una interpretación dramática, creíble y profunda, aunque se permite ciertos pases de comedia, fiel a su estilo. Ausente de un villano genuino -como si lo tuvo "Blade Runner"- el resto del elenco queda a las sombras de los robots, quienes absorben el resto del protagonismo, en un guiño a "2001...", la magnifica obra de Kubrick.
 
 
Clip - tráiler: