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jueves, 15 de mayo de 2014

HOLLYWOOD - EL DIABLO SE VISTE A LA MODA (Devil Wears Prada, 2006) de David Frankel


 





UN DIABLO DE ALTA COSTURA




* * * 
BUENA






La insistente voz de Miranda Priestly persigue a Andrea hasta en sueños. ¿Es este el trabajo con el que soñaba al salir de la universidad? ¿Es este el trabajo por el cual tiene que estar agradecida y sentirse tan afortunada? Sí, es la nueva asistente personal de Miranda, la legendaria editora de la revista femenina más glamourosa de Nueva York. Ella dicta la moda en el mundo entero, millones de lectoras siguen sus recomendaciones. Sus empleados y colaboradores la consideran un genio. Los grandes creadores la temen. Todos, sin excepción, la veneran. Todos, menos Andrea, que no se deja engañar por este escaparate de diseño y frivolidad tras el que se agazapa un diablo que viste un traje de chaqueta de Prada (exclusivo, por supuesto), calza unos Manolo Blahnik y siempre luce un pañuelo blanco de Hermès.

Heredera de la serie “Sex & The City” en cuanto a una potencial historia de mujeres solteras y glamorosas que perdidas en la ciudad tratan de equilibrar sus intereses profesionales con su vida amorosa y amistades, “El Diablo Viste a la Moda” añade a la trama el negocio de la moda que incluye la exhibición ilimitada de ropa, carteras, zapatos, accesorios y más. Dirigida por David Frankel quien se formo como realizador en la nombrada serie televisiva, la película aborda las desventuras de una joven estudiante de periodismo quien confronta con las más ridículas e improbables tareas que le impone su nueva jefa, a la vez que confronta su vocación en su deseo de realización personal con sus conflictivas situaciones con los hombres.

El argumento mantiene un doble discurso a lo largo de su desarrollo: por un lado una insinuación políticamente correcto, formula implícitamente una crítica bastante imaginativa de la obsesión por la imagen en cuanto al culto por la delgadez, de la obsecuencia y la hipocresía en el trabajo como factor no excluyente del mundo de la moda en esa vorágine de trabajo que se materializa en la competencia cualesquiera que sean las consecuencias mediante líneas de dialogo realmente originales e hilarantes y muchas de ellas a cargo de dos interpretes secundarios de lujo como la sorprendente Emily Blunt y el siempre digno de ver Stanley Tucci. Por otro lado, explícitamente el objetivo del film se convierte en endiosar la proliferación de los productos de diseñadores y marcas de alta costura dirigidos a un público masivo, una proliferación si se quiere globalizada que muestra la cara mas frívola y superficial de la historia, pero también una cuota innegable de realidad que no opaca el brillo del film mismo.

Joven actriz surgida las raíces de Disney  para sus dos ultimas producciones de “El Diario de la Princesa”, Anne Hathaway sorprendió a la critica con su gran interpretación en “Secreto en la Montaña”. Jaca, es una especie de heroína que algún desacertado critico intentaría comparar (en eso de que son odiosas las comparaciones) con las comedias musicales donde la inigualable Audrey Hepburn innovaba vestuarios e iluminaba la pantalla con su presencia, tampoco seria mas conveniente verla como una versión más aggiornada de Sarah Jessica Parker en la citada serie televisiva, sin embargo gracias a su personalidad la joven actriz sale airosa de dicho papel y no desentona para nada cuando esta en pantalla con la imponente Meryl Streep y resuelve con soltura las alternativas de su personaje.

Por el lado de Streep -y junto con su brillante intervención en “Secretos de Divan”-, es su regreso a la comedia desde “La Muerte le Sienta Bien” y una prueba sobrada de sus dotes actorales para la comedia. Streep se vale de todo su repertorio gestual para intercalar miradas y silencios con frases letales dotadas de un timing cómico admirable para componer con acidez y humor negro a una de las villanas de comedia mas recordadas de los últimos tiempos, con el sello de las mas grande actriz del ultimo cuarto de siglo.



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miércoles, 14 de mayo de 2014

HOLLYWOOD - DICEN POR AHÌ (Rumor Has It..., 2005) de Rob Reiner






    
TODO QUEDA EN FAMILIA 



* * * 
BUENA



 Una joven a punto de casarse, regresa a su ciudad natal, Pasadena, California, para esclarecer la verdad sobre el gran secreto de su familia: la posibilidad que la película "El Graduado" estuviese basada en su familia, habiendo sido su abuela la inspiración para la señora Robinson, y su madre el fruto de una relación como la que retrataba el clásico de Mike Nichols. Daly es el prometido de Aniston; Richelieu es una amiga de la familia que le dará información importante; y Burroughs un multimillonario de la ciudad que también tiene datos relevantes sobre sus abuelos.

Que hubiera sido de esta película sin Rob Reiner, un director que le cayo en suerte cuando el proyecto estaba al borde del naufragio. Y que mejor que Reiner, un experto en comedias, basta recordar "Cuando Harry conoció a Sally", para hacerse cargo del film y hacer que un elenco multiestelar cuente una historia muy particular que toma la premisa del famoso film "El Graduado" para convertirlo en un rumor que cobra cada vez mas fuerza de verdad. Y como es costumbre para el realizador de "Mi Querido Presidente" y "Cuenta Conmigo" el film lleva su sello en una acertada combinación de comedia, romance y drama que si bien esta por debajo de los mencionados films, representa un repunte en su carrera luego de unos últimos años en franco declive.

Y el film, de manera light, descontracturada y -sobre todo- eficiente en cuanto al entretenimiento y distracción, se mueve como dicho anteriormente entre la comedia, el drama y el romance con una buena sucesión de situaciones tragicómicas que mas allá de la poca credibilidad del relato se ganan la simpatía del publico a base de momentos distendidos y con buen humor. No es cuestión de buscar demasiadas profundidades temáticas, o de apegarse al manual de la verosimilitud, es que sin dudas el buen trazo de Reiner para un genero que le sienta perfecto, ayuda al buen desarrollo de la historia y con un espíritu nostálgico es un buen homenaje a aquel gran film de los '60 que fue la versión de "El Graduado" que protagonizaran Dustin Hoffman y la inolvidable Anne Bancroft.

Del elenco vale mencionar a sus tres interpretes principales y el fundamental aporte de estos: Jennifer Aniston esta espléndida y muy cómica en un rol que sabe hacer a la perfección, dotándola de los tiempos entre humorísticos y dramáticos exactos para mostrar a esta mujer perdida en medio de su tragicómica vida, que recuerda mucho a la Rachel de "Friends" y que confirma una vez mas sus dotes como comediante. Kevin Costner por su parte, muestra un rol mas maduro y relajado de lo contenido que se lo había visto en pantalla últimamente, demostrando que a su edad, un buen actor y galán puede encontrar en este tipo de comedias una veta favorable para su carrera.

Otro acierto de casting, y quizás el mas logrado, es la excepcional Shirley MacLaine que levanta el nivel de la película con cada aparición, con cada frase, con cada mirada, justificando por si sola el precio de la entrada se roba la película con su personalidad tan avasallante y su humor contagioso. Ella si que es una leyenda viva del cine, nada de rumores al respecto.

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lunes, 28 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LETRA Y MÚSICA (Music & Lyrics, 2007) de Marc Lawrence





PURA QUÍMICA




* * *
BUENA



Alex Fletcher, una estrella de pop acabada de los años 80, se ha visto relegado a trabajar en el circuito de la nostalgia, en ferias de pueblo y parques de atracciones. El carismático y talentoso músico tiene la oportunidad de volver a escena cuando la gran diva Cora Corman le invita componer y grabar un dúo con ella, pero hay un problema, Alex no ha escrito ninguna canción desde hace años; jamás ha escrito letras, y tiene tan solo unos días para escribir una canción de éxito.

Allí aparece Sophie Fisher, una mujer seductora y excéntrica que se ocupa de las plantas de Alex y que posee un don de la palabra que llama la atención del compositor. Sophie está de vuelta de una relación que acabó mal, y por tanto tiene reparos a la hora de colaborar con nadie, especialmente con Alex, una persona que tiene pánico a los compromisos. A medida que la química entre ambos se empiece a notar, cuando están juntos al piano o debajo de él, Alex y Sophie tendrán que enfrentarse a sus miedos, y a la música, si quieren encontrar el amor y el éxito que ambos se merecen. 

El atractivo principal de esta película es un enorme comediante como Hugh Grant, mas allá de ser una correcta comedia sin brillos ni lujos, pero acertada. “Desde Cuatro Bodas y un Funeral” hasta la mas reciente “Realmente Amor” que Grant viene luciéndose como un comediante que garantiza la vista de un film, sin olvidar los baches artisticos por los que toda estrella atraviesa. En esta oportunidad y con la premisa clara de entretener, por otra parte, como toda comedia tiene en su objetivo, logra un argumento con diálogos ocurrentes, oportunos y graciosos, mediante personajes que suelen ganarse la simpatía del publico, quienes podrán disfrutar mayormente la franja de audiencia que haya vivido, conocido y disfrutado el ambiente musical de los años ’80.

“Letra y Música” se combina con el espíritu romántico clásico de las comedias que suele tener a Hugh Grant como protagonista y que encuentra en Drew Barrymore una inesperada dupla actoral con la que conjuga timing para el humor y química en pantalla. Así, el film combina la comedia romántica, con la comedia musical. Entre los enredos amorosos típicos en cuanto a situaciones conflictivas de dos opuestos que se atraen y que llevan a un final feliz, el film se adentra en el mundo de la música pop y es allí donde saca su mayor rédito, donde con ironía y un humor inteligente retrata en detalle y con certeza el mundo artístico con interesantes observaciones acerca del destino de compositores olvidados y estrellas fugaces que viven ya sea del recuerdo, o inmersos en un entorno superficial.

Hugh Grant se luce en ese papel que tanto le hemos visto encarnar y sabe de memoria sus tics y gestos, con ese aire de perdedor y seductor innato que trae consigo, además del enorme carisma actoral y de un dote para la comedia que lo hace tan natural. Que pareciera que casi sin esfuerzo consigue hacer reír, un dote indispensable para un buen comediante. Grant está sin duda entre los mejores de su generación y ello a pesar de haber mencionado en mas de una ocasión sus ganas de dejar de actuar, tendencia que lo releva a cada vez mas esporádicas apariciones. Drew Barrymore también repite un papel clásico por su parte, con la frescura y el ingenio que la caracteriza, con ese aspecto de chica frágil y eterna prometida que reitera en su ya dispar trayectoria de quien fuera la infantil protagonista de la recordada “E.T.”, también hoy una consagrada comediante.


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jueves, 24 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LOS PRODUCTORES (The Producers, 2005) de Susan Stroman







CLÁSICO Y MODERNO




* *
REGULAR



Adaptación del musical de Broadway creado por Mel Brooks que el propio Brooks ya había llevado al cine a finales de los años '60. En la New York de 1959, Max Bialystock fue uno de los reyes de Broadway, pero ahora todos sus shows se cancelan en la noche del estreno. Pero todo cambia cuando recibe la visita del contador Leo Bloom, quien le propone una idea algo neurótica: recolectar el dinero necesario y asegurarse de que el show sea despreciado.

"Los Productores" viene a formar parte del revival del género musical que desde hace algunos años explota Hollywood. Comenzando por "Moulin Rouge", pasando por "Chicago", "De-Lovely" y "El Fantasma de la Opera" son obras que bien reconocidas en ámbitos teatrales hicieron su exitosa transposición a la pantalla grande poniendo nuevamente de moda un genero que se creía acabado. Dentro de "Los Productores" hay una historia interesante dentro de la obra de Mel Brooks: conocida como "Con un Fracaso, Millonarios" en 1968 se produjo la primera adaptación cinematográfica que en 2001 fue llevada a Broadway de la mano de Brooks que este año decidió realizar una nueva adaptación con el mismo elenco protagonista de la obra (Matheew Broderick y Nathan Lane) y con la coordinadora artística teatral en las veces de director, Susan Stroman.

Cabe decir que esta versión de "Los Productores" es un aceptable musical, pero también cabe preguntarse que le faltó para convertirse en un gran musical, cosa que evidentemente no es. En principio hay que contextualizar los fims musicales en su ámbito contemporáneo, es decir, otrora grandes musicales de su época como "Cantando Bajo la Lluvia" o "Amor Sin Barreras" fueron grandes en su tiempo, pero hoy la puesta en escena de los mismos resultaría obsoleta. Y similar sensación produce ver esta película, la ambientación luce un tanto pasada de moda y bien podría haber encajado mejor en el lejano 1968 en que se vio estrenado el film original.

En su reversión hay buenos números musicales, excelentes actuaciones, acertados y muy cómicos gags, pero le falta creatividad visual, imaginación y despliegue, que son los factores primordiales por los cuales se transpone una obra desde el teatro al cine: para recrear visualmente los efectos que en teatro son imposibles y para darle entonces mas imponencia visual, con el objeto de enriquecerla, hacerla más vistosa y disfrutable. Sucede que Stroman paga caro su inexperiencia detrás de las cámaras y la resolución acaba siendo limitada por los parámetros generacionales que evidentemente condicionan al género, si bien la autora respeta la reminiscencia a cierta estética clásica a la que la obra remite.

El elenco esta encabezado por los ya mencionados intérpretes originales de la obra, tanto Lane como Broderick conocen de memoria sus papeles y consiguen sacarle lo mejor gracias al enorme talento interpretativo de ambos, con el timing  y la gracia justos para el gag indicado y el ritmo apropiado para las escenas musicales. Dos fuertes figuras de reparto completan el elenco: Will Ferrell en un papel de comedia a su medida y que por suerte se distancia un poco de sus gastadas últimas performances y Uma Thurman (que reemplazó a la disidente Nicole Kidman) que haciendo gala de su enorme talento muestra esta vez una nueva faceta de su repertorio: su personaje canta, baila, seduce como siempre...y pronuncia su interminable nombre sin equivocarse una sola vez.


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lunes, 21 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LA PRUEBA (Proof, 2005) de John Madden








NÚMEROS ROJOS


* *
REGULAR



En la víspera de su vigésimo séptimo cumpleaños, Catherine, una joven que ha pasado años cuidando a su brillante pero inestable padre, un genio de las matemáticas llamado Robert, no sólo deberá sobrellevar la llegada de una hermana con la que apenas tiene relación, Claire, sino también atender a Hal, un antiguo alumno de su padre, que espera encontrar datos de gran importancia en los 103 cuadernos de trabajo de Robert. Al tiempo que comienza a entablar una profunda amistad con Hal y a hacer frente a los estrictos planes que tiene Claire para su vida, Catherine lucha por resolver una incógnita mucho más desconcertante: ¿Heredará ella la locura –o la genialidad– de su padre?

No cierra el balance general de esta película, parodiando a las matemáticas a las que alude la misma. Los números no dan balance, la cuenta no cierra exacta. Le falta algo de cine, le sobra mucho de teatro. No es la primera vez que el cine explora en los secretos mas recónditos de la mente de un genio ("Una Mente Brillante"), en la búsqueda de la vocación de vida ("Mas allá del Destino"). La conocida obra teatral de David Auburn ganó el Premio Pullitzer, gano el premio Tony y mientras en Londres la mismísima Gwyneth Paltrow interpretó el rol en teatro, mientras que acá en Argentina la pieza fue protagonizada por Gabriela Toscano, Pablo Rago, Osvaldo Santoro y Carola Reyna, vale decir, con destacado éxito de publico y de critica.

Un drama entre psicológico y familiar, con su toque romántico que explora la locura de los genios y el muchas veces fino limite entre la cordura y la locura, Madden hace foco en las tortuosas relaciones entre padres, hijos y hermanas. El film invita a la reflexión sobre estas cuestiones dramáticas, pero la puesta teatral no logra caerle bien al film. Por el contrario, lo limita, lo llena de diálogos, de texto y de pocas emociones, resultando contraproducente respecto a su vuelo fílmico, en una clara demostración de que no siempre son felices las adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, pudiendo éstos convertirse a veces en ámbitos antagónicos. 

En este clima intimista y melancólico no le hace favor alguno tomarse en broma ciertas cuestiones que agregan un humor que no contagia ni empatiza con el tono dramático elegido, aunque la idea de -por momentos- llevar la realidad al terreno onírico o al pasado mediante flashbacks, sugiere cierto interés que se pierde en su inconsistencia. Madden construye un film ciclotímico y eminentemente dramático al que le falta carisma y emoción. En cuya puesta teatral se encuentra contenida y poco arriesgada dado un formato cinematográfico que abarca genio y locura contrapuestos en una historia que como obra de teatro fue sobresaliente y como film, insuficiente. 

Paltrow -una actriz que se había consagrado en su previa colaboración con Madden en "Shakespeare Apasionado"- es una joven y enigmática mujer atrapada entre el pasado de su padre y la sombra de su propio futuro, explorando los vínculos entre la genialidad y la locura, las tiernas relaciones entre padres e hijas y la naturaleza de la verdad y la familia. Con tanto texto y tanta hondura dramática para explorar, Gwyneth Paltrow -que conoce de memoria el papel- logra sacar de este lo mejor y llevarse los aplausos por su lograda interpretación.

Sumado al talento de Anthony Hopkins, Jake Gyllenhal y Hope Davis, quizás -y dado el énfasis de John Madden en la profundidad de los diálogos- este sea un film para lucimiento de su elenco, mas allá de que escaseen otros valores cinematográficos donde el director pueda hacer del mismo una pieza más personal y acabada. 



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martes, 25 de marzo de 2014

HOLLWOOD - SUEÑOS DE GLORIA (The World's Fastest Indian, 2005) de Roger Donaldson








LA VIDA ES SUEÑO



* * *
BUENA



"Sueños de Gloria" se basa en la historia real de Burt Munro , un neozelandés que nunca dejó que se desvanecieran sus sueños de juventud. Después de pasarse toda la vida perfeccionando su moto Indian de 1920, Burt Munro se desplazó desde Nueva Zelanda hasta Bonneville Salt Flats, en Utah, Estados Unidos, donde batió el récord mundial de velocidad en 1967. Nadie ha superado todavía ese récord, y su leyenda sigue viva.

Un sueño de gloria personal como una carrera al tiempo es el que realiza el personaje de Burt Munro, también una carrera contra el tiempo la de Roger Donaldson, quien en 971 dirigió un documental sobre este excéntrico personaje y que mas de tres décadas después recién logra concretar su proyecto personal de filmar un largometraje a manera de biopic. Un sueño de gloria personal persigue el personaje que magistralmente compone el inoxidable Anthony Hopkins, en otra muestra de su inagotable talento. Un film que habla sobre la realización personal, la tenaz perseverancia y el esfuerzo felizmente coronados por el éxito y la conquista de la meta perseguida mas allá de los obstáculos que se presenten en el camino. 

Ni fama, ni rédito económico, solo el hecho de superación personal, de motivación constante que reviste al personaje de Anthony Hopkins y que hacen de el la moraleja edificante sin sentimentalismos etéreos ni discursos vagos, por el contrario, un personaje querible y entrañable que sortea dificultades, que el paso del tiempo no merma sus voluntades y que a cada pasaje parecer dejar una lección de vida con líneas de dialogo tan disfrutables como entrañables.

Parte del valor del film reside en su capacidad de conmover, sanamente pero con los estereotipos clásicos de este tipo de biopics. Lo interesante en cuanto a la densitud dramática del relato es la relación  que entre la moto Indian y Burt Munro establecen, el hombre que la prepara y conduce hasta transformarla en la moto más rápida del mundo, es el factor humano por sobre la perfección técnica. Roger Donaldson, un versátil director que sabe moverse tanto en el thriller de espionaje (“Sin Salida”) como en la ficción de terror (“Especies”) o la aventura catástrofe (“Furia en la Montaña”) se muestra convincente en su primera labor como guionista al plasmar este drama de vida con simpleza.

En esta travesía que persigue un objeto personal se establecerán vínculos humanos con el mundo exterior, ya sea a trabes de una carretera desértica, en el océano durante su viaje o en su Nueva Zelanda natal, sin mensajes ni simbolismos mas que una cámara libre que remite al cine clásico, donde la economía de recursos consta en una austeridad emotiva, alejada de las convenciones visuales contemporáneas y de los caminos estéticos que podrían haberla llevado a la mediocridad.

Munro es un personaje que no se destaca por la moral pequeño burguesa que parece caracterizar a su entorno, sin vivir esto como una provocación, incluso cuando un clima hostil se le presenta una vez que llega a Estados Unidos y donde se le hace notar (quizás un poco mas de la cuenta de lo verosímil) la intolerancia extranjera, que luego se convertirá en camaradería y simpatía ganada a fuerza del carisma de este personaje quien finalmente lograra convertir su sueño en realidad. Anthony Hopkins refleja el mundo de Munro como un lugar autosuficiente, apasionado, tolerante y solidario y una personalidad transparente e incansable se dejan ver la franqueza, el respeto, el humor, el afecto y la emoción que despierta el gran Anthony Hopkins en cada gesto, con cada mirada, con cada palabra justa puesta a tiempo.

El film a lo largo de todo el relato establece un paralelo interesante, que es oportuno analizar: ese factor desconocido que siempre resulta la muerte, en el film es parte de la vida. Así como el tiempo pasa mientras el estado de los cuerpos envejecen y las personas se pierden, el sentido de las cosas se modifica, existe una relación entre la muerte y el personaje, quien desafía sus propios limites constantemente, inclusive poniendo en riesgo su vida. Lejos de la inercia que podría caracterizar a un septuagenario, este gran hombre no carece de deseo y le debe su existencia al sueño que prolongo por los últimos 25 años y que se materializa en su preciada moto de competencia, a quien esta dispuesto a sacrificar su existencia. Desafiando los límites físicos -para vivir y morir mejor- probándose a si mismo y a su criatura Indian en pos de alcanzar un record que va mas allá de romper relojes o desafiar a los reyes de la velocidad. Más aún, es una historia de vida  y de superación personal.


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viernes, 7 de marzo de 2014

HOLLYWOOD - CRIMEN PERFECTO (Fracture, 2007) de Gregory Hobblit







 LA LETRA CHICA DE LA LEY


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BUENA



 Tenemos a dos hombres con muy pocas cosas en común: Willy Beachum, un joven y ambicioso fiscal cuya carrera está empezando a despegar, y Ted Crawford, un ingeniero de mediana edad que acaba de disparar a su mujer a sangre fría. Sin embargo, ambos hombres se encuentran cara a cara en un camino directo al desastre. Crawford resulta ser tan complejo e impredecible como el crimen que ha cometido y, mientras el caso perfecto de Willy comienza a desmoronarse, el futuro del joven fiscal parece destruirse con él.

Gregory Hoblit es un claro exponente de la línea de los realizadores que surgen en series de TV (en su caso las policiales "El Precio del Deber", "L.A. Law" y "Policías de Nueva York") para abrirse paso en el espectro de Hollywood y consolidarse en géneros de entretenimiento clase b como la acción y el thriller, destinados al publico medio y poco demandantes en lo meramente artístico. El entorno del ambiente judicial de “La Verdad Desnuda” le cayò perfecto para mostrarlo como un hábil narrador que, además, resucitò a Richard Gere y promovió al genial Edward Norton a los primeros planos. Luego vinieron “Poseídos”, “Desafió al Tiempo”, un conjugo de géneros que siempre dejo bien parado al director, con películas disfrutables y de calidad. La primera hora de este film remite en su exploración a los dilemas éticos y morales de la abogacía y sus vericuetos, sumado a un análisis descarnado de las luchas de poder en las altas esferas de la sociedad a su mentado debut cinematográfico.

Con “Crimen Perfecto” entonces, Hoblit vuelve a reflejar todas sus virtudes como realizador que en sus ambiciones, también encuentra limitaciones y defectos, propias de lo que ofrece el genero por estos días. Es interesante a nivel actoral el duelo de inteligencias que implica el desarrollo de la trama y que enfrenta a sus protagonistas y como cada uno se replantea cada paso que da. Anthony Hopkins elabora cada gesto y su lenguaje corporal denota el oficio de un actor que compuso nada menos que al villano mas famoso de todos los tiempos (Hannibal Lector, y en tres ocasiones) y que a los casi 70 años, sigue asustando, sigue apoderándose de la pantalla y convenciendo de que ningún protagónico le queda grande. Ryan Gosling por su parte, remite a un Tom Cruise novato, quien mas a base de carisma que de talento se abre paso, aunque sin dudas, es una joven promesa por pulir.

El film, en términos narrativos desaprovecha ciertos personajes que podrían haber hecho mas rica la historia, al tiempo que una vuelta de tuerca de más, con pretensión de resultar astuta nos deja con un sinsabor. El famoso “double jeoppardy” para la justicia norteamericana (por el cual un criminal no puede ser juzgado dos veces por el mismo crimen), que utilizara el igualmente acertado film “Doble Riesgo” hace algunos años, es una vía de escape para el film y sus necesidades dramáticas, una salida inteligente que se anticipa con mas de un anuncio. 

Tales desequilibrios, Hobblit los compensa con una habilidad narrativa cuyo estilo es inusual para el cine comercial de Hollywood, al tiempo que su ensamble de los rubros técnicos del film que crean constantemente un clima más el manejo acertado de la cámara lo convierten en un artesano de este tipo de películas. En el relato no decae el ritmo y fluye una pulsion de suspenso increscendo y que remite de forma familiar a las novelas policiales de John Grisham que se desarrollan en tribunales y que tan buena fama y suerte en su adaptación tuvieron en el cine.


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jueves, 23 de enero de 2014

HOLLYWOOD - DIAMANTE DE SANGRE (Blood Diamond, 2006) de Edgard Zwick





 EL REVERSO DE LA MORAL



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MUY BUENA






Con el caos y la guerra civil que en los años '0 envolvió Sierra Leona como telón de fondo, "Diamante de Sangre" es la historia de Danny Archer, un ex mercenario sudafricano, y Solomon Vandy, un pescador de Mende. Ambos hombres son africanos, pero sus historias y sus circunstancias son completamente diferentes. Sus destinos se unen en la búsqueda conjunta para recuperar un diamante rosa, poco común, que puede transformar sus vidas. 

Mientras se halla en prisión por contrabando, Archer se entera de que Solomon, quien fue separado de su familia y obligado a trabajar en las minas de diamantes, ha encontrado y escondido la extraordinaria piedra sin pulir. Con la ayuda de Maddy Bowen, una periodista americana cuyo idealismo se ve atenuado por una profunda relación con Archer, los dos hombres emprenden un viaje por territorio rebelde. La travesía, más que una búsqueda del valioso diamante, podría salvar a la familia de Solomon y dar a Archer la segunda oportunidad que creía que nunca tendría.


El film dirigido por Edward Zwick es parte de la reciente moda de adaptar historias que transcurren en el corazón de la cuna del mundo, el siempre misterioso y cautivante continente negro. Zwick demuestra un cabal conocimiento del tema que trata y dando sus hábiles dotes como narrador el realizador de films como  “Tiempos de Gloria”, “Valor Bajo Fuego” y “El Ultimo Samurai” sabe de lo que habla y le dedica un tratamiento serio a esta ficción que se desarrolla durante la guerra civil de Sierra Leona, que de forma tan cruda transcurro a fines de la década del ´90. 

La historia hace hincapié en el tráfico de diamantes y los entrenamientos de niños soldados para las milicias que buscan derrocar el poder gobernante, factor ideológico que sobrecarga la trama del film y que reitera en mas de una oportunidad -quizás en exceso- para una edición que lleva varios minutos de mas de metraje. A lo largo de su recorrido retrata un hecho ocurrido en ese continente, donde se mezclan, sin ningún tipo de escrúpulos intereses comerciales con fines políticos. 

La violencia es un punto fuerte del film, que el director sabe combinar sin sutilezas a la hora de mostrar el lado mas crudo y las miserias humanas mas degradantes con el factor de entrenimiento que otorga una cinta de aventuras, apoyada en una brillante fotografía que enmarca los colores y climas que caracterizan este tipo de relatos, conformando rubros técnios impecables. No es en vano destacar el lado oscuro de la historia: esa brutalidad casi primitiva en esa odisea que viven los protagonistas. Uno un nativo que busca recuperar a su familia, otro, un mercenario de moral dudosa y conductas ambiguas dispuesto a matar o morir por su causa.

Los tres protagonistas principales de la historia son un trío actoral de lujo: Leonardo Di Caprio,  Djimon Hounsou y Jennifer Connelly están impecables en sus roles. Para Di Caprio es otra consabida muestra de sus dotes camelonicos, agregándole a cada personaje que interpreta, mas allá de la distinción física, el notable acento que logra para hacer creíble a la procedencia anglo africana de su personaje, tal como lo hiciera para la interpretación de un policía bostoniano en “Los Infiltrados”. Djimon Hounsou enciende la pantalla cada vez que aparece en escena, con su notable porte físico y personalidad, es el interprete adecuado para el rol, mientras que Jennifer Connelly  es la cuota femenina que aporta belleza y su talento muchas veces menospreciado.


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martes, 17 de diciembre de 2013

HOLLYWOOD - EL SOSPECHOSO (Rendition, 2005) de Gavin Hood




 

DEMOCRACIA, LADO B

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MUY BUENA

Película para nada políticamente correcta, “El Sospechoso” es otro intento de Hollywood por desnudar incómodas verdades del manejo gubernamental de los Estados Unidos en el post 11/9 y su maniobrar internacional, temáticas mas que abordadas por estos tiempos. De tinte político, este thriller se asemeja a la reciente “Michael Clayton” o y mas aún a la no muy lejana “Syriana”. 
Isabella (Witherspoon) es la esposa de un ingeniero químico egipcio (Omar Metwalley), cuya familia emigró a Estados Unidos a mediados de los años 80. Tras ser detenido como sospechoso de terrorismo, es trasladado a unas instalaciones secretas fuera de los Estados Unidos, donde un agente de la CIA (Jake Gyllenhaal) lo interroga utilizando métodos poco ortodoxos. Mientras tanto, su mujer hará todo lo posible para localizarlo.
El director sudafricano Gavin Hood debuta en Hollywood luego de ganar un Oscar por “Tsotsi”. La trama entremezcla varias historias se cruzan dentro de un relato central, que apunta sin concesiones contra la política de seguridad nacional en los Estados Unidos y sus métodos para conseguir información que ayude a prevenir supuestos atentados.

La acertada narración que propone Hood (donde el punto de vista del espectador está de forma permanente a la para en que se cuentan los sucesos) resulta efectiva, punzante, plena de tensiones y variables contínuas, no da respiro como buen estandarte del genero del thriller y a la hora de sorprender y resignificar su trama, realiza un interesante desdoblaje de los eventos que ayudan a poner las piezas en su lugar mediante un efectivo uso del flashback/flashforward como recurso cinematográfico que genera aún mas desconcierto y sorpresa.
Estados Unidos como nación y como potencia se muestra tan susceptible de su vulnerabilidad como amoral y poco ética, cuyo aparato de inteligencia (la CIA) se ensucia las manos con frecuencia, victimizando a islámicos inocentes a merced de religiosos suicidas. En este aparato sistemático e impiadoso que el film expone, también muestra el costado humano de los indefensos de este ejercicio de poder, así como también el sufrimiento, los móviles y las drásticas consecuencias del accionar terrorista.
El film reúne un sólido elenco donde se destacan la siempre genial Meryl Streep (como una malvada interventora de la CIA), Reese Whiterspoon (en una prueba mas de que sabe actuar además de hacer comedias comerciales), Jake Gyllenhall (en otra acertada labor), y un intérprete secundario de lujo como Alan Arkin (el veterano actor, en la piel de un corrupto senador) entre otras caras conocidas de reparto. 
El film denuncia de forma directa (con explícita violencia, crudeza y sin rodeos) las contradicciones de un sistema donde el cinismo le gana terreno al sentido común y donde los abusos de poder convierten a una democracia en una dictadora de la tortura que defiende su postura de forma mas que cuestionable atenta y necesitada de un espectador pensante e inteligente.

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lunes, 16 de diciembre de 2013

HOLLYWOOD - LA INTÉRPRETE (The Interpreter, 2005) de Sydney Pollack







INTRIGA INTERNACIONAL

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BUENA


Todo empieza cuando Silvia Broome, una intérprete nacida en África que trabaja en la ONU, oye una conversación en una lengua africana poco conocida en la que queda clara la intención de asesinar a un jefe de Estado del continente negro. En cuanto oye y entiende las palabras "El maestro no saldrá de la sala vivo", la vida de Silvia cambia totalmente de rumbo y se convierte en el blanco de los asesinos. Cuando le asignan al agente federal Tobin Keller para protegerla, su mundo se convierte en una verdadera pesadilla. 
Según Keller indaga en el pasado de la testigo y en sus contactos secretos, aumentan sus sospechas de que ella también es parte de la conspiración. Cada nuevo descubrimiento hace que desconfíe aún más de ella. Dependen el uno del otro, pero no podrían ser más opuestos. La fuerza de Silvia se basa en las palabras, en la diplomacia y en la sutileza; Tobin Keller cree en el instinto, en la acción y en los comportamientos básicos. Mientras se acerca el peligro de un grave asesinato político en EE.UU., Silvia y Tobin juegan al gato y al ratón mientras intentan detener la terrible crisis mundial que se aproxima. 
Sydney Pollack vuelve a sus fuentes con el genero del thriller político que ya había experimentado con buena suerte en "Los Tres Días del Cóndor" y en "Fachada". Siguiendo la línea de la reciente "El Embajador del Miedo" y en similitud con films como "En la línea del Fuego" y "Poder Absoluto" -si bien en menor medida-, el centro de la atención es un mandatario político en riesgo de muerte y una sociedad en vilo pendiente de una sociedad convulsionada y paranoica.
La trama se desata cuando la protagonista del film advierte sobre un posible complot de estado para asesinar a un dictador africano, de ahí en mas todos los disparadores clásicos del cine político se van desatando y a medida de rompecabezas van armando una temática complicada con matices muy bien llevados que sin dejarse traicionar por el cine de acción crece en misterio, intensidad e interés. 
A esta trama inicial se le suman dos personajes centrales torturados por su presente: los protagonistas de la historia por uno u otro motivo -que no conviene adelantar- viven experiencias conflictivas. Esto los acerca afectivamente y los condiciona con respecto al rumbo que toma el film, elemento que no favorece demasiado el buen clima creado hasta el momento y que puede llegar a confundir. Sucede que mas allá de una resolución a la altura de las circunstancias en su desarrollo narrativo, el film sufre las consecuencias de un guión compartido entre tres autores en simultáneo.
La dirección de Pollack es acertada y -si bien no innovadora- se basa en sus probados recursos en incursiones anteriores al género para atrapar al espectador construyendo buenos climas de suspenso donde la sospecha y la intriga no dan respiro logrando combinar con astucia momentos claves de la trama con hechos puntuales que acontecen a su alrededor. La ambientación lograda ayuda favorablemente a la historia, más todavía si se tiene en cuenta que la acción se desarrolla en plena Nueva York y dentro mismo de la O.N.U., -situación por primera vez permitida para el rodaje de una película- si bien quizás por propia culpa el film padece de su falta de certeza al no poder disimular, por momentos, algunas fallas de guión.
El elenco cuenta nada menos que con la dupla de Sean Penn y Nicole Kidman, quizás dos de los actores mas talentosos de su generación. Penn gracias a otra actuación de carácter se luce componiendo a un hombre atormentado por su presente, mientras que Kidman se vale de su aire frío y distante para retratar a una mujer que bien podría ser victima o victimaria; una implacable asesina sospechosa o una frágil y vulnerable denunciante, duda que se mantiene abierta hasta el final. 
Dejando el talento de ambos al margen, "La Intérprete" logra una interesante combinación entre sus personajes, no pensada para una mutua atracción y entendimiento desde el comienzo, sino valiéndose de ciertas dicotomías. Este juego de desencuentros, donde la falta de confianza y las dudas puestas en el otro predominan, ayudan a resultar creíble en el contexto de un film donde el contínuo desengaño y la conspiración política son su marca inconfundible.

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jueves, 12 de diciembre de 2013

HOLLYWOOD - AL OTRO LADO DEL MUNDO (The Painted Veil, 2006) de John Curran






LATITUD DE VIDAS PARALELAS



* * *
BUENA



"Al Otro Lado del Mundo" es una historia de amor ambientada en los años '20 que cuenta la historia de Walter, un médico de clase media, y Kitty, una joven de clase alta. Una pareja de ingleses que deciden casarse por motivos equivocados y se establecen en Shanghai. En esta exótica ciudad, Kitty se enamorará de otro hombre. Cuando Walter descubre la infidelidad de su esposa, acepta en venganza un trabajo en un remoto pueblo de China azotado por una epidemia mortífera. A su pesar, Kitty se ve obligada a acompañarle. Ambos emprenden entonces un viaje que dará sentido a sus vidas, en uno de los lugares más remotos y bellos de la tierra.
 
Pueden establecerse ciertas similitudes entre este film y la recordada pieza clásica de mediados de los ’80 que dirigiera Sydney Pollack: “África Mía”. La premisa partía de una mujer establecida en una gran urbe danesa que viajaba al continente negro para establecerse debido a los negocios de su marido. Aquí el periplo va desde Londres a China por similares motivos. Es igualmente notorio y para destacar el notable contraste en las vidas de estas mujeres protagonistas, presas de un ámbito remoto y añorando un pasado donde dejaron sus sueños y verdaderas pasiones, convirtiéndolas en seres vacíos e infelices. 

La historia es una nueva adaptación de la novela "The Painted Veil" de W. Somerset Maughan que ya fuera llevada al cine en la piel de Greta Garbo en 1934 y luego con Eleonor Parker como protagonista del rol que hoy día hereda la interprete australiana Naomi Watts (y también productora junto a Edward Norton de la película). Como puede apuntarse, Naomi Watts y Edward Norton son los encargados de encarnar a dos personajes que a lo largo del desarrollo de la historia van cambiando y evolucionando a la par que la trama. 

Vale decir que Naomi Watts saca mejor rédito de su papel gracias a una composición conmovedora, mientras que Edward Norton este más contenido que de costumbre y no descolla como en otras ocasiones. Toby Jones por su parte -el reciente Capote en “Infame”- es un digno aporte secundario a quien se suma el también eficiente Liev Schreiber. Esta épica romántica que combina historia política (aquí tratado con bastante ligereza) y tradiciones culturales se ata a los estereotipos del gènero de un cine de época que conserva su calidad gracias a su prolijidad para la puesta en escena que combina lo pintoresco, lo exótico y también los conceptos dramáticos mas adaptables y comunes a la hora de concebir este tipo de historias.

La reconstrucción de época  que realiza John Curran es brillante, y nada tiene que envidiarle a un experto del tema como James Ivory. Son destacables otros rubros técnicos como la banda de sonido y la impecable fotografía que colaboran a ambientar y dotar de vida al relato. De todas maneras bien vale decir que esa prolijidad buscada en los estereotipos narrativos a los que se recurre (en la previsibilidad de ciertas situaciones) no hacen mas que distanciar a la historia de la tragedia y la pasión necesarias hasta sus momentos culminantes. 

No se trata de un film aburrido ni apático, pero por momentos resulta exigua la dosis de intimismo con la que debería de haber contado la historia tratándose de dos personajes en interno y problemático conflicto: ambos buscan redimirse, confrontarse y finalmente perdonarse. Trazando paralelismos metafóricos tanto con la distancia, la indiferencia, el rechazo y la soledad que hay entre sus mundos, sus historias confrontan proyectos y realidades tan opuestas, como con ese destino una vez soñado y que en el confín del mundo parece tan lejano de alcanzar.


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