Mostrando entradas con la etiqueta Cine Argentino. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Cine Argentino. Mostrar todas las entradas

sábado, 12 de abril de 2014

CINE ARGENTINO - OPERACIÓN MASACRE (1972) de Jorge Cedrón













SOBREVIVIENDO LOS AÑOS DE PLOMO



* * * * 
MUY BUENA







Operación Masacre es una película argentina  filmada en la clandestinidad durante la dictadura de Alejandro Agustín Lanusse en 1972, y estrenada comercialmente el 27 de septiembre de 1973. El argumento se basó en el libro homónimo escrito por Rodolfo Walsh. Fue dirigida por Jorge Cedrón y sus protagonistas fueron Norma Aleandro, Carlos Carella, Víctor Laplace, Ana María Picchio, Walter Vidarte, Miguel Narciso Bruse y Julio Troxler.

En 1956 un golpe civico militar contra la autodenominada Revolución Libertadora fracasa, y en un terreno descampado de José León Suárez, provincia de Buenos Aires, Argentina, son asesinados varios civiles sumariamente sospechados de formar parte del alzamiento. Sin embargo siete personas logran sobrevir a la matanza y contar la historia. "Operación Masacre" (1957) de Rodolfo Walsh es el nombre de la primera obra de "ficción periodística" o novela testimonio, el relato novelado de un hecho real. Se adelantó nueve años a A sangre fría (In Cold Blood) de Truman Capote, el libro a menudo citado como iniciador de este género. 


La novela desnuda la trama oculta de lo sucedido en los llamados "fusilamientos de José León Suárez": en 1956 un contra-golpe militar a la dictadura de la llamada Revolución Libertadora fracasa, y en un terreno descampado de José León Suárez,Provincia de Buenos Aires, Argentina, son fusilados varios civiles sumariamente sospechados de estar de parte del alzamiento. A casi seis meses del hecho, alguien le cuenta a Rodolfo Walsh que hay un fusilado que vive. En el curso de los meses siguientes descubre que hay más de uno: hay siete sobrevivientes de esa matanza. Y va contactándolos uno a uno, mientras recopila los hechos y continúa acumulando -en forma clandestina- la categórica evidencia que se convertirá en Operación Masacre. 

El film estructurado en parte documental y parte ficción, se reconstruye a medida que se nos narra lo sucedido en la trágica noche del 9 de Junio de 1956. Los autores aprovechan para poner en la voz y pensamiento de uno de los sobrevivientes un mensaje sobre la revolución que se intentó llevar a cabo esa noche, una reflexión sobre el movimiento peronista y la lucha de clases que significo el peronismo en la década del ’50. Aunque el mismo mensaje está orientado para la época en la que se estreno el film (a comienzos de 1973), el final de la película tiene más sentido si lo vemos orientado a dejar un mensaje para aquellos años donde se vivía más que nunca la lucha entre clases como los nombra el mismo. 

Inserto dentro de este mensaje revolucionario tenemos el relato de lo que sucedió aquella noche, desde el momento que un grupo de amigos espera noticias del levantamiento contra el gobierno de Aramburu hasta el fusilamiento que sucedería en los basurales de José León Juárez. El acertado relato histórico apoyado en una narración vigorosa se ayuda del suspenso para narrar lo sucedido y dejarnos expectantes de lo que va a suceder. Como contrapeso, la parte documental funciona de dos maneras: la primera es ambientarnos en la época donde se ubica la historia (el golpe de Estado a Perón y la eliminación del peronismo en la política y de la sociedad) y la segunda es el mensaje revolucionario que los autores quieren trasmitir a los espectadores mediante una breve explicación de la gesta inconclusa, un trunco manifiesto revolucionario para una generación fracturada.

Con la publicación del libro en 1957, Walsh no dio por terminada la investigación. En las sucesivas ediciones fue incorporando nuevos elementos y variando su reflexión final sobre los hechos, amedida que variaba su concepción sobre el sistema que regía a la Argentina. Los fusilamientos quedaron impunes; Operación Masacre como film, sin embargo, cumple su cometido histórico: pulveriza la versión oficial de los hechos y ofrece para el futuro un valorable ejemplo histórico, cultural y social.



Link - película completa:




lunes, 20 de enero de 2014

CINE ARGENTINO - LA SUERTE ESTÁ ECHADA (2005) de Sebastián Borenzstein









LA SUERTE DISPAR


* *
REGULAR




Para su desgracia, Felipe empieza ser considerado como un actor mufa y no hay nada que pueda hacer al respecto, tanto es así que hasta él mismo se convence de su desgracia cuando le resultan infructuosos los intentos por abandonar su mala suerte. Paralelamente, su medio hermano Guillermo, es despedido de su empleo y es abandonado por su novia, mientras que su padre, Víctor, es anoticiado de un tumor cerebral que acabará en pocos días con su vida. La enfermedad del padre reune nuevamente a los hermanos al convocarlos para cumplir un particular último deseo. Para Felipe y Guillermo el pedido los obliga a enfrentarse con sus propias realidades y a definir si realmente la suerte que los acompaña, está echada.


El cine es otra cosa y bien lo sabe Sebastián Borensztein, quien luego de una extensa y valorada trayectoria en TV (unitarios como los brillantes "El Garante" y  "Tiempo Final" entre otros títulos) decide dar el gran salto a la pantalla grande. Siguiendo el camino que hace un par de años inició Damián Szifron, el debut de Borensztrin podría calificarse igualmente de promisorio y si bien muestra una labor todavía en ciernes, no podemos negar que el hijo del gran Tato posee un talento muy especial a la hora de encarar sus proyectos.


La trama le elude a los lugares comunes y a los atajos previsibles y, si bien la concepción de la puesta en escena no es del todo ordenada, (quizás un poco condicionado con lo limitado de su transitado ámbito televisivo) se puede denotar cierta carencia de timing a la hora de la resolución cómica. A su costado humorístico le sigue una veta dramática, donde se puede vislumbrar un estilo cómico que va acorde con el tono de la película y con la simpatía que transmiten sus personajes, en donde las figuras de Marcelo Mazzarelo y Gastón Pauls parecen ideales para resolver con oficio los siempre presentes gags que condimentan y que, gracias a la acertada labor de Borenszetin, no inundan al film. 

No corren igual suerte los personajes femeninos de la historia, quienes un tanto unidimensionales vienen a ser algo así como una parodia contrapuesta de la existencia de estos dos medio hermanos, su padre y las mujeres que influenciaron a estos tres a lo largo de sus vidas. Por eso quizás los personajes de Leticia Bredice, de Paola Krum y de Julieta Cardinali pasen un tanto desapercibidos y su participación se limite a cierta mirada poco contemplativa. 


La película se propone explorar el tema consabido de la mala suerte (la mufa, como leyenda urbana aceptada y condenatoria) aunque en el devenir de la historia la estructura dramática abarcara distintos temas como la vocación, la búsqueda de la identidad en el pasado, la relación padre e hijo, la fraternidad y el amor esquivo. Aunque a veces con personajes secundarios de limitado aporte que aparecen inconexos o de poca trascendencia y que podrían haber aportado mas riqueza y encanto a la historia, la misma parece no agotar todo su potencial previo. 

Sin embargo, "La Suerte esta Echada" cumple su objetivo de entretener y no se propone moralejas ni reflexiones profundas. Como opera prima es la carta de presentación de Sebastián Borensztein en un hábitat que le fue ajeno hasta esta presente incursión, con la cual el realizador se revela como un director nóvel y talentoso, pero que deberá adaptarse a un medio que no hace sencilla -salvo excepcionales casos- la transición desde la TV.



Clip - trailer:




lunes, 6 de enero de 2014

CINE ARGENTINO - DE QUIÉN ES EL PORTALIGAS? (2007) de Fito Páez








EL MUNDO CABE EN UNA PELÍCULA



**
REGULAR



Tres deliciosas mujeres y amigas viven el frenesí de los 80’ en Rosario. Se enredan en devaneos amorosos y ponen a prueba la amistad que las une. Veinte años pasan y ellas conversan sobre lo que les pasó durante aquellas semanas inolvidables en las cuales se preguntaron "¿De quién es el portaligas?". Escrita y dirigida por Fito Páez e inspirada en una anécdota que él mismo vivió hace muchísimo años, esta obra llena de música y energía nos da una mirada desdramatizada sobre la lógica femenina y las pasiones de la vida, desde el absurdo y el caos del florecimiento de la democracia en la movida rosarina de los ochenta.

A destiempo, inconclusa y fallida había resultado la opera prima de Fito Páez “Vidas Privadas”. Con menos rigidez y solemnidad y bastante más soltura y desparpajo, Páez asume su segunda emprendida como realizador con “¿De Quién es el Portaligas?”. Una película caótica por sus caprichos, excesiva en sus desenfrenos y con desniveles narrativos propios de un cineasta que juega sin red ni cálculos. El autor se arroja desbocado sin inhibiciones a una puesta en escena lúdica, que se ríe de si misma y que a pesar de perder rigor dramático al tomarse a si misma en serio, no puede negársele una grata nostalgia al evocar la época de los ’80, con sus costumbres nocturnas y populares, en una Rosario más que reconocible.

El film -no es novedad apuntarlo- se parece bastante a las primeras películas de Pedro Almodóvar, en términos estéticos principalmente, si bien también hay una búsqueda veloz y desenfrenada por equiparar dichos registros dramáticos del gran cineasta ibérico de la primera época. Se encuentra más de una reminiscencia notoria a ese universo tan particular, aunque el espíritu, el carisma y el talento de Almodóvar, no sea fácil de alcanzar. Más allá de las citas cinéfilas con las que se lo homenajea, Páez por momentos se regodea en demasía en el humor satírico y escatológico. Con mayor sustento y a fines artísticos más potables, tanto la banda sonora (que rescata el mejor rock de aquellos años) como la movediza cámara de Fito (planos secuencia o escenas casi sacadas de un documental casero) dan muestra de un realizador con nociones bien aplicadas.

El elenco lo integran tres autenticas musas inspiradoras de Fito; tres grandes y bellas actrices: Romina Ricci, Julieta Cardinali y Leonora Balcarce. Perdido en medio de este trío femenino intenta encontrar su lugar en la desprolija historia Gonzalo Aloras (una suerte de alter ego auto concebido de Páez) así como un caricaturizado Diulio Marzio y una Verónica Llinas desaprovechada. Secundan de forma acertada Cristina Banegas, Lito Cruz, Darío Grandinetti y una autentica revelación: Fenna Della Maggiora, desopilante e irreconocible en su papel. 

Además, una serie de cameos de figuras notorias que incrementan los créditos finales, da un aire pintoresco al film. Páez construye una fantasía modernista que se aleja de la realidad y su divismo puede lo suficiente como para dedicarse a si mismo la canción de cierre del film de su autoría, donde todo parece valer. Con alma rockera y auto testimonial, este híbrido irregular y desparejo a los ojos críticos, resulta inevitablemente tentador al espectador.



Clip - trailer:



jueves, 7 de noviembre de 2013

CINE ARGENTINO - DERECHO DE FAMILIA (2006) de Daniel Burman



 
  

BURMAN COMPLETA SU TRILOGÌA 


* * * *
MUY BUENA



Perelman hijo es un joven abogado que no quiere parecerse más a su padre, que también es un abogado muy respetado. No desea seguir sus pasos, pero cuanto más trata de diferenciarse, más se parece a su padre. En una forma de encontrarse a sí mismo busca la manera de descubrir esas cosas que más lo representan, esas diferencias que finalmente podrán separarlo de la imagen paterna. Si bien el camino no es fácil, él está seguro de enfrentarlo. Ahora que ya es un adulto, la vida se le presenta como en permanente transformación para poder descubrir quién es realmente.

Podría decirse que "Derecho de Familia" completa la trilogía que Daniel Burman comenzara con "Esperando al Mesías" (2000) y continuara con "El Abrazo Partido" (2004). Porque en esto de revisionar las relaciones de familia en un ambiente judío Burman ya estableció su sello y su capacidad para no reiterarse y cada vez que lo aborda tocar teclas distintas que despierten en el espectador diferentes sensaciones. 

Se nota la evolución de un cineasta joven como Burman, ya paso casi una década desde su estreno como director en "Un Crisantemo Estalla en Cinco Esquinas" (1997), para luego sorprender con "Todas las Azafatas van al Cielo" (1999) y después ponerse bastante mas profundo y personal con la trilogía mencionada que puede decirse que en calidad, va de menor a mayor llegando a la cumbre de su capacidad con una película simpática y emotiva a la vez.

El film resulta entrañable, divertido, inteligente y sincero. Es notable la madurez artística que Burman logra alcanzar pese a su corta edad para entregar un producto armónico y sólido que maneja con acierto un acentuado humor, algunos tonos melancólicos de valida emoción y unas observaciones muy puntillosas sobre las relaciones de familia y la búsqueda de la identidad. En este aspecto Burman deja bien claro su noción de la familia como núcleo social, las relaciones entre padre e hijo, que el hijo solo alcanza a comprender una vez que se convierte en padre.
 
Del elenco nada que objetar. Daniel Hendler a estas alturas el alter ego de Burman en pantalla conoce de memoria su papel y nos presenta una evolución de lo entregado hasta entonces, con el sello que el actor uruguayo sabe proporcionar a sus papeles en ese típico anti-héroe en busca de su identidad. Julieta Diaz es un aporte valido al reparto y logra complementarse muy bien con Hendler tanto en los tonos dramáticos como de comicidad. Arturo Goetz y Adriana Aizenmberg por su parte completan un reparto si figuras. Goetz en un rol demandante que exige una construcción dedicada y que logra componerlo sin estereotipos, pero muy disfrutable de ver. Aizenmberg por su parte, se encuentra esta vez relegada en comparación con el papel en el anterior film de Burman, pero sin dudas consigue hacerse un lugar para dejar notar su notable talento.
 
Burman le saca el jugo a este tipo de connotaciones para con ironía y espontaneidad hacer desarrollar la trama gracias a su enorme poder de observación y su mirada aguda acerca de la búsqueda de la identidad misma, por medio nuestra vocación y sueños propios.


Clip - trailer:


 

miércoles, 30 de octubre de 2013

CINE ARGENTINO - TIEMPO DE VALIENTES (2005) de Damiàn Szifròn






BUDDY-MOVIE PORTEÑA


* * * *
MUY BUENA



Mariano Silverstein, es un psicoanalista que a raíz de un accidente de tránsito se ve involucrado en un juicio penal. Aconsejado por su abogado solicita al juez una probation, figura legal por la que un juicio se suspende y el acusado debe realizar tareas comunitarias dentro de su actividad, en lugar de recibir una condena. La tarea que el juez le asigna a Silverstein no es otra que la de atender a Alfredo Díaz, un inspector de la Policía Federal anímicamente devastado por una severa crisis matrimonial.


El segundo largometraje de Damián Szifron confirma su gran talento como realizador. Una buena transición desde su exitosa incursión televisiva hasta su debut en la pantalla grande con "El Fondo del Mar" que en su nueva película nos muestra un director que evoluciona y que fiel a sus principios se muestra audaz, dinámico y provocador. Lejos de las obsesiones psicológicas y las profundidades dramáticas de su primer film, Szifron nos propone disfrutar con un film argentino comercial mas que digno. 

Su caràcter lùdico nos muestra a un director -que es una realidad mas que una promesa- y deja en claro una veta del cine industrial nacional con terreno para progresar, en una apuesta al entretenimiento y a la diversión, sin por eso dejar de ser un producto de calidad y elaborado con cuidado e inteligencia. De esta forma, Tiempo de Valientes se convierte en una de las pocas películas rescatables de una temporada de cine nacional 2005 mas bien desértica y aciaga, donde apenas un par de títulos le escapan a la mediocridad. 

Es difícil enmarcar al film en un genero de los clásicos. Podría decirse que es una comedia de acción al estilo de la buddy-movie clásica hollywodense con dos personajes apuestos que se atraen y comparten protagonismo al estilo de la saga "Arma Mortal" en un contexto inconfundiblemente porteño. En ese fèrtil terreno al que Szifron admira y rinde reconocimiento, podría decirse también que se desarrolla un western urbano en donde el autor también se encarga de homenajear a Sergio Leone y sus spaghetti western con una música que remite sin dudas a las nostálgicas melodías que para los citados western componía el inolvidable Ennio Morricone. 

Lo cierto es que la gran virtud de este film radica en su capacidad para desestructurarse y no amoldarse a una técnica única, por el contrario, encuentra el ritmo justo y medido para variar sus tonos desde la acción, la comedia y el thriller. Se nota la mano de Szifron en cada aspecto del film, desde la delineación de sus personajes que se amoldan al slogan del film que dice que "al igual que los tiempos, los héroes cambian" y estos improbables héroes se convierten en tales a pesar de sus vidas personales que transitan rumbos de fracaso. 

Es por ello que la presentación de los mismos como su evolucionar en la historia sin caer en lo reiterativo es vital. Igual resultado se percibe con el devenir del relato, plagado de sorpresas -en general acertadas, desopilantes e hilarantes- si bien la premisa inicial de un cine para disfrutar mucho y pensar poco la hace caer en ciertas improbabilidades que la ingeniosa puesta en escena, muchas veces lindante con la parodia, hace disimular muy bien tal despropósito. Y si bien el tono serio de la trama de corrupción y crimen da paso a momentos logrados de comedia, es de rescatar que en dicha combinación el film no busca actitudes políticamente correctas en cuanto al realismo con el que muestra ciertas instituciones o entidades pùblicas que se verà reflejado en su identidad para nada hipòcrita ni demagògica. 

Queda bien en claro que Luis Luque y Diego Peretti son dos polos opuestos que como tales, se atraen. Uno un policía antihéroe, perdedor, el otro un psicoanalista seguro de si mismo y controlador de situaciones, aunque el destino los hará intercambiar roles. El talento interpretativo de ambos ya sea de manera individual o conjunta es fantástico en su funcionamiento, se complementan muy bien y dan a la perfección con el pysique du rol de cada personaje. 

A medida que el personaje de Luque cede protagonismo, Peretti se hace cargo de la acción y se pone a sus espaldas el destino del film, con una interpretación que vale en cada gesto para demostrar que Peretti es un actor ideal a la hora de la comedia y demostrando una vez mas porque es uno de los actores mas dúctiles y talentosos del momento. Oscar Ferreiro, como de costumbre se luce como el malo de la película en su regreso al cine luego de casi dos décadas. Un guiño para los fanáticos de Szifron y seguidores de "Los Simuladores": inconfundible resulta el homenaje a sì mismo que hace el director en al desenlace, con el personaje final del agente recluta que interpreta en tono similar a la serie televisiva Alejandro Awada.


Clip - trailer:



domingo, 29 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - CAMA ADENTRO (2004) de Jorge Gaggero







REALISTA, PERO CONSERVADORA



* * * 
BUENA




Beba es una mujer de la clase media alta argentina que ve venirse a menos su status con la cada vez más tremenda hecatombe financiera de su país. A partir de allí, todo cambia en su vida, principalmente su relación con su mucama de toda la vida, Dora, testigo silente de los últimos y tambaleantes bastiones económicos de su patrona, quien hace seis meses que no puede pagarle el sueldo. 

Es difícil hacer cine en Argentina, mas que nada para los realizadores jóvenes y debutantes, que no cuentan con todo el apoyo de la publicidad, factor imprescindible a la hora de promocionar un film y de así decidir su suerte en la taquilla.

Por estas geografías esta todo mal distribuido y toda la publicidad va a parar a los tanques nacionales, por lo cual las pequeñas producciones independientes prefieren estrenar el film en festivales del exterior para luego desembarcar en el país con las espaldas un poco mas resguardadas. Esta elección tomó Jorge Gaggero para su opera prima "Cama Adentro" que profundiza sobre la relación de dos mujeres de clases sociales opuestas quienes sobrellevan sus conflictos personales y su vinculo entre ambas en medio de la debacle social, económica y política de Argentina a fines de 2001.

El guión de la película parece haberse cuidado en los detalles más mínimos -lo veremos en guiños constantes- para retratar la crisis que vivió Argentina dejando al desnudo el desamparo político, la convulsión social y el descalabro económico de aquellos cercanos años donde la clase alta se mostraba distante e hipócrita, donde la clase media perdía terreno irremediablemente y donde la clase baja hacia malabares para sobrevivir. Para mostrar esta realidad no se cae en estereotipos argumentativos, lo cual es valido, sumado a que desde un comienzo se vislumbra un duelo interesante que van a desarrollar sus dos personajes centrales que más allá del caos de sus vidas se tienen la una a la otra, en un evidente lazo afectivo marcado por una relación de amor-odio. 

El film, en un paralelo valido con otros similares, se suma a otros que trataron conflictos humanos conmovedores y su impacto en determinados sectores sociales argentinos como fueron "Un Año sin Amor" y "Hermanas", recientes proyectos también en manos de directores debutantes que no corrieron buena suerte ya sea por su falta de promoción publicitaria o por sus intermitencias producto quizás de la inexperiencia de sus realizadores.

La temática gira en torno al mencionado conflicto social y se suma a la fallida intención de "Buena Vida Delivery" (2001) o a la también insuficiente "Whisky" (2002) que, si bien fueron premiadas en varios festivales del exterior, no tuvieron demasiado éxito en la cartelera local. La explicación probablemente sea el punto de vista derrotista y poco esperanzado que toman de la crisis con un aire gris que puebla por completo a la película impidiendo cualquier otra óptica posible, sin permitirle despegarse de este animo entre melancólico y pesimista de esta parte de Sudamérica tan golpeada. 

Este sea quizás el error en el que se vuelve a incurrir en "Cama Adentro", al punto de tornarse reiterativa en sus conflictos y lenta en su resolución dejando cierta sensación de insatisfacción en la relación de ambas mujeres, cuyo vinculo parece estático e inmaduro a pesar de haber transcurrido la quimera de treinta años de convivencia. A pesar de un final que no convence por sus limitaciones, de un humor pícaro que alternaba con la tragedia relatada y que se diluye por completo para dejar paso al desamparo absoluto, el film es válido en cuanto a la manera en la que muestra un conflicto social de las dimensiones marcadas. Teniendo en cuenta que la relación entre los dos personajes principales podría haber evolucionado bastante mas, no por eso el relato insinúa perder el espíritu documentalista que se pretende imponer.


El elenco lo encabeza la siempre eficiente Norma Aleandro, que sabe bien como dotar a su personaje de las emociones y los matices adecuados y hacerlo encajar perfecto en medio de la crisis personal que vive. Norma Argentina -en el rol de mucama- es un auténtica revelación y para componer su personaje no hace mas que calcar la profesión que llevo a cabo durante toda su vida. Al igual que Enrique Piñeyro se interpretara a si mismo en el rol de piloto para "W-R-Z" (2003), parece en este rubro imponerse la no tan ideal tendencia de imitación mas que de actuación. Marcos Mundstock, Monica Gonzaga, Claudia Lapaco y Susana Lanteri completan un sólido elenco para un film que fue de mayor a menor, pero que en balance redondea se positivamente, aún a pesar de no deslumbrar.


Clip - trailer:




viernes, 27 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - EL AMOR Y LA CIUDAD (2007) de Teresa Constantini







EL CORAZÒN TIENE RAZONES...


* *
REGULAR



Cuenta la historia de tres personajes que viven en un mismo edificio. Por un lado una pareja algo dispar: ella, una refinada decoradora de más de cuarenta y cinco años y él un joven de treinta y pico, con un futuro incierto. Por otro lado, una joven artista plástica desocupada y algo desquiciada, que retrata a sus vecinos, a los que espía y dibuja a su manera. El punto de encuentro de los tres personajes es un bar vecino, haciendo de este modo al dueño, testigo involuntario del triángulo, en cuyo armado mucho tendrá que ver un famoso personaje que vive en París.

Llega el segundo largometraje de Teresa Costantini y esta vez, Buenos Aires y París, serán los escenarios elegidos para rodar “El Amor y la Ciudad”, dos urbes eminentemente cinematográficas en la fotogenia  y en la tradición que representan. Hablada mitad en castellano y mitad en francés, un bienvenido film nacional con aire afrancesado que cuenta con ese pintoresco matiz que le otorga ese mundo de bohemia y excentricismo de artistas y ese submundo tan particular en el que se mueven. 

Costantini, nuevamente en el rol protagónico como en la coral “Acrobacias del Corazón” cumple una buena labor tanto delante como detrás de cámaras, aunque ciertas desprolijidades narrativas conspiran contra lo que podría haber sido un gran film. Una actriz y realizadora que ha demostrado en sus largometrajes establecer un lenguaje propio, con tiempos secuenciales y movimientos de cámara registrados, aquí también deja su marca autoral, valiéndose de un reparto de lujo (con intervenciones de reparto de la talla de Jean Pierre Noher y Claudia Lapacò) cuyos personajes tienen historias interesantes para contar, funcionales al relato.

Entre el personaje de Jean Pierre Bauchau y el de Teresa Costantini se plantea una relación de padre e hija y como influirà en la identidad de ambos, el ocultamiento de dicha relación, el paso de los años, el abandono y el emotivo reencuentro final. A partir de entonces el rodaje se traslada a Francia donde no podrán faltar las imágenes de los típicos y bellos rincones parisinos. En realidad nada habrá de novedoso ni de interesante cuando la historia comienza a revelarnos el porque del conflicto entre un padre intelectual histriónico y una hija abandonica que no logra definirse en su relación de pareja, cuando los sentimientos se confunden. 

La reconciliación y la comprensión de ese pasado se irán desarrollando de forma esperada y previsible, pero correcta. Si bien abrupta en su desenlace, lo que deja un sinsabor y cierta sensaciòn de incongruencia respecto a esos ricos diálogos que los personajes entablaban, dotando de interés la historia. Las tramas paralelas que quedan en Buenos Aires, también tendrán componentes un tanto inconclusos. 

Los personajes que no logran relacionarse afectivamente bien ni se logran definir en su indecisión abarcan a la relación entre el personaje de Navarro (en otra convincente interpretación) y la brillante joven Vera Carnevale, quien es una autentica revelación que desenvuelve toda su potencia actoral  interpretando a una chica solitaria, depresiva y ciclotímica que pinta retratos de sus vecinos mientras su vida no encuentra un rumbo demasiado defiido. Ambos establecen una relación plagada de erotismo, soledades, años perdidos y sueños frustrados. El desenlace del film resulta un tanto arbitrario y destinado a la imaginación del espectador en como se prolongarà dicho triangulo amoroso, mientras cada uno intentarà encontrar su mosaico dentro de esta coral historia.


Clip - trailer:




jueves, 26 de septiembre de 2013

CINE ARGENTINO - EL SALTO DE CHRISTIAN (2006) de Eduardo Calcagno




SALTO AL VACÍO




* * 
REGULAR


Esta es la historia de Lucía, una muchacha de unos 30 años, vital, atractiva y exitosa que trabaja en una peluquería de señoras de la calle Santa Fe. Ella vive intensamente todos sus días a pesar de tener un pasado no muy feliz. Una mañana, en medio de un día de mucho trabajo, recibe una misteriosa carta. Atenta a lo recibido y fiel a su carácter y a sus deseos, piensa que ha llegado el momento de partir e iniciar la búsqueda fundamental de su vida. 
La carta conduce a Lucía a Claromecó, un pueblo de pescadores en el cual está instalada la leyenda de Christian Madsen, eje espiritual del relato. A partir de ese momento, se suman a la historia diversos personajes, los cuales, formaran parte del enigma que Lucia intenta dilucidar. En esta búsqueda, Lucía tendrá enriquecedoras vivencias, descubrirá nuevos caminos, y encontrará el amor. Su inquietante presencia provocará desequilibrios e interrogantes en un pueblo estático. Encontrará aliados y enemigos, ya que la verdad de esta historia complicará a mas de uno.

"El Salto de Christian" es el regreso a la pantalla grande de Eduardo Calcagno, cineasta de trayectoria y realizador de películas como “Los Enemigos” (1983), “Te Amo” (1986), “El Censor” (1995) y “Yepeto” (1999). El film aborda una temática dramática donde la protagonista del film busca su identidad enfrentándose a su pasado en pos de conocer la verdad del mismo y así encontrar un rumbo. Para este fin se vale de ciertos elementos trillados y previsibles, donde los típicos paradigmas del costumbrismo pueblerino son puestos al servicio de la crítica hacia el conservadurismo hacia alguien foráneo del pueblo y la hipocresía de este mismo que se conjuga para ocultar un secreto sobre un misterio inquietante.
Si bien el relato logra climas prometedores, estos se diluyen al desdibujarse en una veta romántica que aporta poco a la historia, y que a su vez, por el tratamiento de situaciones y personajes, parece retroceder en el tiempo y devolvernos al mediocre cine nacional de los ’80.,Ese mismo que se estaba reacomodando al desbarajuste que había provocado -también en este terreno- la dictadura militar. Lejos de la evolución que cierta corriente del cine argentino planteó en este último tiempo, Calcagno parece varado en un pasado artístico que no lleva a buen puerto su film.


Éste da la sensación de estar atrapado en la contradicción que representa por un lado la ya mencionada búsqueda de un cine con otros horizontes, y por otro lado las inevitables limitaciones que acontecen cuando se recurre a resolver una trama por medio de golpes de efecto sobrecargados de contenidos explícitos que redondean de forma poco sutil una trama que resulta forzada en su desarrollo. Fragmentado en su planteo y desaprovechada en los buenos matices narrativos que la primera media hora de relato ofrece, "El Salto de Christian", es uno de los tantos intentos del cine independiente local que naufraga en sus inconstancias.

Moro Anghileri, una de las jóvenes actrices con más proyección y talento dentro del panorama del cine independiente local funciona como el centro del relato, intrigante, sensual e impulsiva, dibuja con magnetismo un personaje difuso que carga sobre sus hombros todo el peso del relato. El film integra un elenco de actores reconocidos entre los que se destacan Gastón Pauls, Nicolás Pauls, Alicia Zanka y Patricio Contreras, quienes con mayor o menor frecuencia, injerencia y acierto van transitando el devenir de un relato desaprovechado y con un potencial fílmico pobremente explotado y que no supo aprovecharse.


Clip - trailer:





lunes, 8 de julio de 2013

CINE ARGENTINO- ILUMINADOS POR EL FUEGO (2005) de Tristàn Bauer





MEMORIA Y DOLOR


* * *
BUENA


Un estreno polémico que permite el debate, "Iluminados por el Fuego" representa un hito en el cine argentino. Dejemos de lado el valor cinematográfico de la película, que sin dudas lo tiene sin ser sobresaliente. Dejemos de lado la critica sobre el guión, la dirección y el elenco. Tomemos como referencia que el film es la primera incursión seria y acabada del cine argentino en el genero bélico y este parámetro ubicara a la película como referente en lo que de acá en mas decida explorar el cine nacional en dicho terreno. Tomemos como segunda referencia el hecho de que el tema en cuestión es nada menos que la Guerra de Malvinas y las heridas sin cerrar que este conflicto acarrea luego de 30 años en la piel de cada argentino y que lo vincula con un negro periodo político y social que muchos quieren olvidar mientras que otros persisten en mantener vivo el recuerdo. 

Por estos dos motivos es que "Iluminados por el Fuego" es una película imprescindible de ver: por la evolución cinematográfica que representa en su incursión al genero bélico y emocionalmente por lo que contribuye al corazón de cada argentino y a su compromiso con una guerra sin motivos que nos cambio radicalmente la existencia.

El guión de "Iluminados por el Fuego" esta basado en la novela de Edgardo Esteban quien a manera de contar sus experiencias personales en la guerra construye un personaje ficticio para contar una historia verídica. A partir del intento de suicidio de uno de sus ex compañeros, Esteban se sumerge en los recuerdos de esa guerra que compartió con otros dos jóvenes conscriptos; Vargas, el suicida y Juan, muerto en combate. Allí aparecen, no sólo los horrores propios de la guerra, el padecimiento del frío, del hambre y el maltrato de los propios mandos militares sino también las historias de amistad y compañerismo.


Cuando hablamos de Guerra de Malvinas nos retrotraemos a un periodo nefasto, donde un personaje repudiable y deleznable como Galtieri en su afán de postergarse en el poder llevò a miles de chicos a una guerra desigual, donde miles de argentinos todavía no pueden explicar el porque de apoyar esa locura llenando la Plaza de Mayo y vivando al despreciable dictador. La guerra fue el ultimo hito nefasto de la dictadura que luego de 7 años en el poder había destruido el tejido social de los argentinos con sus crímenes, sus secuestros, sus torturas, sus persecuciones y sus desaparecidos, acabo guardando en el olvido a los sobrevivientes que volvían al continente, sumiéndolos en el anonimato. Y luego vino la afortunada democracia, si bien el gobierno de turno también tapò el tema de la guerra e hizo oídos sordos a los reclamos de los ex combatientes que nunca fueron reivindicados y nunca pudieron tener dignidad.

Ideológicamente se puede considerar al film como "políticamente correcto" en ciertos aspectos que denota la elección del paneo inicial sobre una marcha piquetera para demostrar vaya a saber que, si tenemos en cuenta que lo debilitada  o mal entendida que esta la noción democrática por estos días (noción democrática inexistente en aquellos días de guerra), con una protesta social sin limites que muchas veces se excede y cuyos reclamos quedan en el olvido. 

Da también para pensar el odio, el rigor, la incomprensión y el desprecio con el que se reviste a los generales de guerra en contrapunto con el general que hace su aparición en el final en una enternecida composición de su protagonista. Cuesta encontrar el ritmo de la escena y nos sentirse un tanto incomodo ante la melodía de violines que retrata una caza de ovejas en el frente de combate casi como contrapartida humorística a aquel paisaje desolador, en una escena descolocada con el contexto dramático del film. 

Mas allá de estas pequeñas (y no tanto) incongruencias el film encuentra su valor mas radical en centrar la imagen en el personaje principal y sus vivencias en medio del caos de una guerra que mando a la muerte a chicos menores de 21 años que vieron sus vidas destrozadas y cambiadas para siempre y el hecho de construir la historia a base de flashbacks y con relato en off le da al film un realismo en la reconstrucción de los hechos que gracias a la acertada labor de Bauer y sus impecables rubros técnicos a la hora de filmar transmiten el clima opresivo, tensionante y angustioso de la guerra en cualquiera de sus instancias: en el hospital de heridos, en el frente de batalla, cuando no hay para comer, cuando hace frió, desde el momento en que se embarcan hasta cuando se retiran del combate.

Gastón Pauls se pone al frente del elenco en una labor consagratoria. Con un gran compromiso dramático construye a medida a su personaje en las distintas etapas dramáticas que transita y que como punto culmine tiene en la escena final una imagen emotiva en el monumento a los caídos y en el territorio de guerra en la actualidad, con lo cual el desenlace toma de por si un tono mas documental que de película de genero. Es destacable el enorme aporte actoral a la veta dramática que propone el personaje secundario de Virginia Inoccenti, una actriz tan dúctil como efectiva. 

"Iluminados..." es un film polémico, que invita a la autocrítica y a muchas preguntas que como argentinos quizás no podamos respondernos o que quizás tengan como respuesta que como sociedad, como pueblo, les fallamos a nuestros héroes de Malvinas y nos seguimos equivocando a la hora de votar y a la hora de elegir que camino queremos seguir. Tenemos ilusiones de crecer como nación y de ser lo algún día fuimos, pero no podemos mirar el futuro si no entendemos nuestro pasado, si no sabemos como llegamos hasta acá, hay demasiadas heridas sin cerrar que ojala el tiempo se encargue de curarlas. En el sentido de reflejar tal sentimiento, la película es sumamente positiva y valedera como homenaje a nuestros héroes cuyas imperfecciones no empaña. Es nada mas que un ladrillo en la pared, pero por algo se empieza


Clip - trailer:

viernes, 3 de mayo de 2013

CINE ARGENTINO - ELSA Y FRED (2005) de Marcos Carnevale



 

 DE LA TERCERA EDAD,CON ESPIRÌTU JÒVEN


* * * 
BUENA



La ultima película de Marcos Carnevale tiene un toque personal tan nostálgico que toma forma de cuenta pendiente para el director. Cuenta la historia que el realizador argentino quiso a fines de los '80 cumplir su sueño de conocer a su admirado Federico Fellini. Carta va, carta viene, pudo Carnevale establecer un contacto vía correo y profesarle toda su admiración. El encuentro en persona, sin embargo, nunca se dio. Por eso es, que mucho de Fellini tiene esta película en sus citas y a manera de homenaje mas de un paralelismo se traza entre esta historia y la celebre película de Federico "La Dolce Vitta", sobre sus protagonistas y sus escenarios.

Elsa tiene 82 años, 60 de los cuales vivió soñando un momento que ya había sido soñado por Fellini: la escena de "La Dolce Vita" en la Fontana di Trevi. Alfredo es un poco más joven y siempre fue un hombre de bien que cumplió con su deber. Al quedar viudo, desconcertado y angustiado por la ausencia de su mujer, su hija le insta a mudarse a un apartamento más pequeño, donde conoce a Elsa. A partir de este momento, todo se transforma. Elsa irrumpe en su vida como un torbellino dispuesta a demostrarle que el tiempo que le queda de vida es precioso y puede disfrutarlo como le plazca.

Como apuntado, la película cuenta una historia de amor en la tercera edad. Una aventura habla de volver a empezar, de volver a creer, a soñar, a ilusionarse, de esas ganas de vivir que a veces a cierta edad se pierden, y la película al respecto es un canto de esperanza. Sucede que el film se torna por momentos reiterativo en estas idas y venidas de esta historia de amor despareja que se vuelve de golpe pareja gracias a ciertos pretensionismos que hacen olvidar "porque si" algo de lo relatado hasta entonces como excusa para ciertas vueltas de tuerca caprichosas. 

Las mismas tienen destino de final feliz y reconciliación para una historia romántica que emociona sanamente, que se permite ciertas reflexiones y pensamientos sobre la vida y su sentido y que a pesar de sus limitaciones argumentativas se las arregla -gracias al oficio indiscutido de un director de trayectoria como Carnevale- para vislumbrar y explotar la química en pantalla de la pareja protagonista.
El elenco lo encabezan Manuel Alexandre y China Zorrilla. Lo de China es fabuloso, basta con echarle un vistazo a su vasta filmografía para encontrar papeles importantes a lo largo de su trayectoria. Pero luego de "Conversaciones con Mama", Zorrilla nos vuelve a sorprender con una actuación tan conmovedora como hilarante por momentos, como solo ella sabe dotar a sus personajes: con esa mezcla única de ternura y picardía que su incorregible Elsa necesita. Es el redescubrimiento de una actriz en la tercera edad de su vida, también. El elenco lo completan Roberto Carnaghi y Federico Luppi en breves, pero interesantes apariciones.

En su incursiòn romàntica, Carnevale traslada al film a escenarios tan bellos de ser fotografiados como Roma y la Fontana Di Trevi, al tiempo que nos trae en el recuerdo un fragmento inolvidable del film citado de Fellini, que aporta magia y nostalgia. Claramente, Elsa y Fred apostó a la formula probada que con justeza garantiza ser efectiva para el drama romántico, aunque esto no suponga que sea sobresaliente.


Clip - trailer: