lunes, 28 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LETRA Y MÚSICA (Music & Lyrics, 2007) de Marc Lawrence





PURA QUÍMICA




* * *
BUENA



Alex Fletcher, una estrella de pop acabada de los años 80, se ha visto relegado a trabajar en el circuito de la nostalgia, en ferias de pueblo y parques de atracciones. El carismático y talentoso músico tiene la oportunidad de volver a escena cuando la gran diva Cora Corman le invita componer y grabar un dúo con ella, pero hay un problema, Alex no ha escrito ninguna canción desde hace años; jamás ha escrito letras, y tiene tan solo unos días para escribir una canción de éxito.

Allí aparece Sophie Fisher, una mujer seductora y excéntrica que se ocupa de las plantas de Alex y que posee un don de la palabra que llama la atención del compositor. Sophie está de vuelta de una relación que acabó mal, y por tanto tiene reparos a la hora de colaborar con nadie, especialmente con Alex, una persona que tiene pánico a los compromisos. A medida que la química entre ambos se empiece a notar, cuando están juntos al piano o debajo de él, Alex y Sophie tendrán que enfrentarse a sus miedos, y a la música, si quieren encontrar el amor y el éxito que ambos se merecen. 

El atractivo principal de esta película es un enorme comediante como Hugh Grant, mas allá de ser una correcta comedia sin brillos ni lujos, pero acertada. “Desde Cuatro Bodas y un Funeral” hasta la mas reciente “Realmente Amor” que Grant viene luciéndose como un comediante que garantiza la vista de un film, sin olvidar los baches artisticos por los que toda estrella atraviesa. En esta oportunidad y con la premisa clara de entretener, por otra parte, como toda comedia tiene en su objetivo, logra un argumento con diálogos ocurrentes, oportunos y graciosos, mediante personajes que suelen ganarse la simpatía del publico, quienes podrán disfrutar mayormente la franja de audiencia que haya vivido, conocido y disfrutado el ambiente musical de los años ’80.

“Letra y Música” se combina con el espíritu romántico clásico de las comedias que suele tener a Hugh Grant como protagonista y que encuentra en Drew Barrymore una inesperada dupla actoral con la que conjuga timing para el humor y química en pantalla. Así, el film combina la comedia romántica, con la comedia musical. Entre los enredos amorosos típicos en cuanto a situaciones conflictivas de dos opuestos que se atraen y que llevan a un final feliz, el film se adentra en el mundo de la música pop y es allí donde saca su mayor rédito, donde con ironía y un humor inteligente retrata en detalle y con certeza el mundo artístico con interesantes observaciones acerca del destino de compositores olvidados y estrellas fugaces que viven ya sea del recuerdo, o inmersos en un entorno superficial.

Hugh Grant se luce en ese papel que tanto le hemos visto encarnar y sabe de memoria sus tics y gestos, con ese aire de perdedor y seductor innato que trae consigo, además del enorme carisma actoral y de un dote para la comedia que lo hace tan natural. Que pareciera que casi sin esfuerzo consigue hacer reír, un dote indispensable para un buen comediante. Grant está sin duda entre los mejores de su generación y ello a pesar de haber mencionado en mas de una ocasión sus ganas de dejar de actuar, tendencia que lo releva a cada vez mas esporádicas apariciones. Drew Barrymore también repite un papel clásico por su parte, con la frescura y el ingenio que la caracteriza, con ese aspecto de chica frágil y eterna prometida que reitera en su ya dispar trayectoria de quien fuera la infantil protagonista de la recordada “E.T.”, también hoy una consagrada comediante.


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jueves, 24 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LOS PRODUCTORES (The Producers, 2005) de Susan Stroman







CLÁSICO Y MODERNO




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REGULAR



Adaptación del musical de Broadway creado por Mel Brooks que el propio Brooks ya había llevado al cine a finales de los años '60. En la New York de 1959, Max Bialystock fue uno de los reyes de Broadway, pero ahora todos sus shows se cancelan en la noche del estreno. Pero todo cambia cuando recibe la visita del contador Leo Bloom, quien le propone una idea algo neurótica: recolectar el dinero necesario y asegurarse de que el show sea despreciado.

"Los Productores" viene a formar parte del revival del género musical que desde hace algunos años explota Hollywood. Comenzando por "Moulin Rouge", pasando por "Chicago", "De-Lovely" y "El Fantasma de la Opera" son obras que bien reconocidas en ámbitos teatrales hicieron su exitosa transposición a la pantalla grande poniendo nuevamente de moda un genero que se creía acabado. Dentro de "Los Productores" hay una historia interesante dentro de la obra de Mel Brooks: conocida como "Con un Fracaso, Millonarios" en 1968 se produjo la primera adaptación cinematográfica que en 2001 fue llevada a Broadway de la mano de Brooks que este año decidió realizar una nueva adaptación con el mismo elenco protagonista de la obra (Matheew Broderick y Nathan Lane) y con la coordinadora artística teatral en las veces de director, Susan Stroman.

Cabe decir que esta versión de "Los Productores" es un aceptable musical, pero también cabe preguntarse que le faltó para convertirse en un gran musical, cosa que evidentemente no es. En principio hay que contextualizar los fims musicales en su ámbito contemporáneo, es decir, otrora grandes musicales de su época como "Cantando Bajo la Lluvia" o "Amor Sin Barreras" fueron grandes en su tiempo, pero hoy la puesta en escena de los mismos resultaría obsoleta. Y similar sensación produce ver esta película, la ambientación luce un tanto pasada de moda y bien podría haber encajado mejor en el lejano 1968 en que se vio estrenado el film original.

En su reversión hay buenos números musicales, excelentes actuaciones, acertados y muy cómicos gags, pero le falta creatividad visual, imaginación y despliegue, que son los factores primordiales por los cuales se transpone una obra desde el teatro al cine: para recrear visualmente los efectos que en teatro son imposibles y para darle entonces mas imponencia visual, con el objeto de enriquecerla, hacerla más vistosa y disfrutable. Sucede que Stroman paga caro su inexperiencia detrás de las cámaras y la resolución acaba siendo limitada por los parámetros generacionales que evidentemente condicionan al género, si bien la autora respeta la reminiscencia a cierta estética clásica a la que la obra remite.

El elenco esta encabezado por los ya mencionados intérpretes originales de la obra, tanto Lane como Broderick conocen de memoria sus papeles y consiguen sacarle lo mejor gracias al enorme talento interpretativo de ambos, con el timing  y la gracia justos para el gag indicado y el ritmo apropiado para las escenas musicales. Dos fuertes figuras de reparto completan el elenco: Will Ferrell en un papel de comedia a su medida y que por suerte se distancia un poco de sus gastadas últimas performances y Uma Thurman (que reemplazó a la disidente Nicole Kidman) que haciendo gala de su enorme talento muestra esta vez una nueva faceta de su repertorio: su personaje canta, baila, seduce como siempre...y pronuncia su interminable nombre sin equivocarse una sola vez.


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lunes, 21 de abril de 2014

HOLLYWOOD - LA PRUEBA (Proof, 2005) de John Madden








NÚMEROS ROJOS


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REGULAR



En la víspera de su vigésimo séptimo cumpleaños, Catherine, una joven que ha pasado años cuidando a su brillante pero inestable padre, un genio de las matemáticas llamado Robert, no sólo deberá sobrellevar la llegada de una hermana con la que apenas tiene relación, Claire, sino también atender a Hal, un antiguo alumno de su padre, que espera encontrar datos de gran importancia en los 103 cuadernos de trabajo de Robert. Al tiempo que comienza a entablar una profunda amistad con Hal y a hacer frente a los estrictos planes que tiene Claire para su vida, Catherine lucha por resolver una incógnita mucho más desconcertante: ¿Heredará ella la locura –o la genialidad– de su padre?

No cierra el balance general de esta película, parodiando a las matemáticas a las que alude la misma. Los números no dan balance, la cuenta no cierra exacta. Le falta algo de cine, le sobra mucho de teatro. No es la primera vez que el cine explora en los secretos mas recónditos de la mente de un genio ("Una Mente Brillante"), en la búsqueda de la vocación de vida ("Mas allá del Destino"). La conocida obra teatral de David Auburn ganó el Premio Pullitzer, gano el premio Tony y mientras en Londres la mismísima Gwyneth Paltrow interpretó el rol en teatro, mientras que acá en Argentina la pieza fue protagonizada por Gabriela Toscano, Pablo Rago, Osvaldo Santoro y Carola Reyna, vale decir, con destacado éxito de publico y de critica.

Un drama entre psicológico y familiar, con su toque romántico que explora la locura de los genios y el muchas veces fino limite entre la cordura y la locura, Madden hace foco en las tortuosas relaciones entre padres, hijos y hermanas. El film invita a la reflexión sobre estas cuestiones dramáticas, pero la puesta teatral no logra caerle bien al film. Por el contrario, lo limita, lo llena de diálogos, de texto y de pocas emociones, resultando contraproducente respecto a su vuelo fílmico, en una clara demostración de que no siempre son felices las adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, pudiendo éstos convertirse a veces en ámbitos antagónicos. 

En este clima intimista y melancólico no le hace favor alguno tomarse en broma ciertas cuestiones que agregan un humor que no contagia ni empatiza con el tono dramático elegido, aunque la idea de -por momentos- llevar la realidad al terreno onírico o al pasado mediante flashbacks, sugiere cierto interés que se pierde en su inconsistencia. Madden construye un film ciclotímico y eminentemente dramático al que le falta carisma y emoción. En cuya puesta teatral se encuentra contenida y poco arriesgada dado un formato cinematográfico que abarca genio y locura contrapuestos en una historia que como obra de teatro fue sobresaliente y como film, insuficiente. 

Paltrow -una actriz que se había consagrado en su previa colaboración con Madden en "Shakespeare Apasionado"- es una joven y enigmática mujer atrapada entre el pasado de su padre y la sombra de su propio futuro, explorando los vínculos entre la genialidad y la locura, las tiernas relaciones entre padres e hijas y la naturaleza de la verdad y la familia. Con tanto texto y tanta hondura dramática para explorar, Gwyneth Paltrow -que conoce de memoria el papel- logra sacar de este lo mejor y llevarse los aplausos por su lograda interpretación.

Sumado al talento de Anthony Hopkins, Jake Gyllenhal y Hope Davis, quizás -y dado el énfasis de John Madden en la profundidad de los diálogos- este sea un film para lucimiento de su elenco, mas allá de que escaseen otros valores cinematográficos donde el director pueda hacer del mismo una pieza más personal y acabada. 



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domingo, 20 de abril de 2014

CINE EUROPEO - LA CORPORACIÓN (Le Couperet, 2006) de Costa-Gavras





  


COSTA-GAVRAS, COMPROMETIDO COMO SIEMPRE






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MUY BUENA






Bruno Davert es un alto ejecutivo de una fábrica de papel que lleva quince años dedicado a satisfacer las necesidades de los patronos y accionistas de la compañía. Debido a un proceso de reestructuración económica de la empresa, de la noche a la mañana es despedido junto con cientos de sus compañeros. En principio la medida no le preocupa; es joven (tiene cerca de cuarenta años), cuenta con una preparación excelente y cree que no tardará demasiado en encontrar otro puesto de un nivel similar. Tres años después, aún sin trabajo, sólo tiene en mente sobrevivir y preservar su propio bienestar material, y salvaguardar el futuro de su esposa e hijos. Con la ayuda de un arma decidirá pasar a la acción y comenzar a aniquilar a su competencia de una forma ordenada y lógica. Al mismo tiempo prepara el asalto a la Corporación Arcadia, el último obstáculo entre él y el puesto laboral que ansía.

Siempre es bienvenido en la cartelera un film de Costa-Gavras. El realizador griego es un autentico grande de la cinematografía de hoy, garantía asegurada de buen cine y basta revisar algunos títulos destacados de su autoría para encontrar siempre un compromiso intelectual con los temas que aborda. Su cine destila una profundidad y calidad que invita al espectador a compartir la mirada del realizador en la poco frecuente invitación del cine para pensar que por estos días, las obras del mítico autor no abundan como propuesta de los grandes estudios cinematográficos. 

La relevancia de Costa-Gavras como realizador se remonta a fines de los '60 ya que con "Z" inauguro ese subgénero tan abordado por estos días como el thriller político convencional, citando sus bases y estableciendo sus ritmos y estructura que ha permitido a muchos cineastas abordarlo a lo largo de los años. "Desaparecido" fue otra gran obra de Costa-Gavras sobre la dictadura militar en Chile, mientras que "Amén" era su trabajo conocido más reciente sobre la intervención de la Iglesia Católica en la barbarie del genocidio nazi en plena guerra, siendos estos algunos pocos títulos destacados a los que su última creación se une en términos de calidad.

"La Corporación" es una fábula social negra  y cínica, que constantemente se plantea preguntas, la columna vertebral del relato es el interrogante que se plantea sobre si se puede llegar a matar para conseguir un trabajo, para escalar socialmente. Con amargura sin concesiones, humor ácido que borda lo absurdo y cruda violencia es una abierta critica al sistema social de hoy, a sus manejos políticos, a los valores éticos y morales de hoy en día, al capitalismo salvaje y sus ejecutores, a  la globalización y sus consecuencias, temáticas a las que refiere con permanentes apreciaciones o lenguajes visuales que acentúan el carácter de denuncia y critica comprometida de Costa-Gavras. 

Siempre presente la aguda mirada y provocativa visión de Costa-Gavras acerca del mundo, el film muestra a un director por siempre comprometido con las causas sociales y políticas en el mundo que plasma a lo largo de su gran obra. Esta vez, muestra su oficio como narrador para combinar una trama de suspenso y drama familiar con elementos de comedia (si bien a veces resultan desmedidos e incongruentes con el negro panorama del film). Un impecable José García -en gran interpretación dramática para García que se contrapone al talento humorístico que se le había visto recientemente en la comedia "El Restaurante"- absorbe toda la atención del relato y casi no sale de pantalla en todo su metraje. Su composición brillante acompaña el desarrollo del film y ayuda a mostrar el tormento y los temores interiores de un hombre que parece comprometer su ética y su moral a cada paso que da.
 

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CINE DE AUTOR - MEMORIAS DE UNA GEISHA (Memoires of a Geisha, 2005) de Rob Marshall





      
RELATO COSTUMBRISTA CON AIRE DE CULEBRÓN 





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BUENA





La última película de Rob Marshall nos adentra en el universo de las geishas, su cultura tan particular arraigada en sus costumbres y contada a manera de telenovela en cuanto a la disposición narrativa de los elementos que componen la historia. El desarrollo de personajes y la complejidad de situaciones derivan en un film que puede analizarse desde dos vertientes: una película que muestra de manera atrapante los siempre misteriosos y sugerentes secretos de una tradición milenaria y por otro lado una historia de amor básica y previsible en su resolución que encuentran en la primera vertiente una veta dramática siempre interesante de explotar en el ambiente cinematográfico.

Ambientada en un mundo lleno de misterio y exotismo que aún hoy sigue hechizándonos a todos, la historia tiene lugar en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, cuando una niña japonesa es separada de su humilde familia para trabajar como sirvienta en una casa de geishas. A pesar de que se cruza en su camino una rival traicionera, que casi consigue quebrar su entereza, la niña se convierte en la legendaria geisha Sayuri. Hermosa y dotada de un gran talento, Sayuri cautiva a los hombres más poderosos, pero sobre ella se cierne la sombra de un amor secreto, un hombre al que ella no puede aspirar.

"Memorias de una Geisha" es una película con una dirección artística sobresaliente, tiene una de las fotografías más logradas que puedan captarse en este tipo de relatos y el diseño de producción, vestuario y maquillaje tienen una calidad igualmente superior. Para completar las excelencia que caracteriza a los rubros técnicos en los films de Marshall, la musicalización del experimentado John Williams no podría haber sido mejor.

Mas allá de ciertas inconsistencias narrativas (que bien podrían elevar la calidad de un episódico novelesco-televisivo, pero que a un film no le aportan sustancia) hay que considerar el enorme talento de Rob Marshall para -al igual que en musical "Chicago"- hacer gala de su grandilocuencia visual. Sobre las instancias que convierten al film en un culebrón que no eleva su calidad a la categoría de gran película, vale mencionar cierta previsibilidad en esta novela de amor y desencuentros cuyo mayor interés reside en retratar la costumbre de vida de estas geishas inmersas en un contexto socio político convulsionado por la guerra de aquellos años.

El film es una película de capitales hollywoodense con actores orientales, si bien puede criticarse la utilización del idioma inglés para retratar una historia en geografías completamente disímiles (una elección similar a la de la reciente "Frida"). En este misma falta de sintonía, el único factor objetable puede llegar a ser la elección de interpretes chinos que difieren en sus rasgos a las originariamente japonesas geishas. Para cual rol la actriz principal Zhiyi Zhang (protagonista entre otros hitos del cine asiático de "Héroe" y "El Tigre y el Dragón") cumple de manera efectiva un personaje que  puede desarrollar reflejando emociones y sensaciones tan intrínsecas a la idiosincracia y rasgos orienteles, combinándose en pantalla de forma sobresaliente con intérpretes secundarios de primera línea como Michelle Yeoh y Ken Watanabe.


Clip - trailer:




sábado, 12 de abril de 2014

DOCUMENTALES - PJ20 (ídem, 2011) de Cameron Crowe









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MUY BUENO




Documental estadounidense dirigido por Cameron Crowe sobre la banda Pearl Jam, que fuera llevado a cabo para celebrar sus 20 años de carrera. Su estreno fue el 10 de septiembre de 2011 en el Festival de cine de Toronto. El documental consta de más de 1.200 horas de grabación en las que se muestra la más pura esencia de Pearl Jam, este grupo de jóvenes que nacieron con la explosión del grunge y que ha sobrevivido hasta el día de hoy. 

El documental pasa por hechos claves de la banda como por ejemplo su MTV Unplugged, el discurso de los Grammy en 1996 o la tragedia de Roskilde. Desde la óptica de Cameron Crowe -fan de la banda y oriundo de Seattle- su experiencia propia sirve como antecedente para detallar la escena musical de finales de los años 80 en la noroeste de Estados Unidos y explicar el surgimiento de una las bandas más influyentes de los 90. Es en este ambiente que narra la historia de Mother Love Bone y cómo de las cenizas de la banda renació un grupo más fuerte y distinto, pero que no existiría de no ser, en gran medida, por Andy Wood.

La larga travesía en la que nos embarca Crowe dedica gran parte a los años de Pearl Jam alrededor de su álbum debut Ten y la percepción que los fue moldeando durante sus primeros años de carrera hasta la muerte de Kurt Cobain y la decisión de decir ‘no’ al mundo. Son los mismos miembros quienes narran estas primeras experiencias mezclados de cortos de presentaciones, programas de TV, artículos de prensa y demás cuestiones que los fueron llevando a la corriente popular –donde podían haber terminado como Nirvana– y la rectificación de rumbo efectuada hasta llegar a cómo, de cierta manera, se independizaron para hacer lo que consideran lo mejor para el grupo creando la música que quieren y no que la disquera les impone, presentándose donde consideran mejor para sus aficionados, y evitando caer en el agujero negro de la industria, ayudados por  gente como Neil Young.

De forma sucinta, PJ20 toca la segunda mitad de la carrera musical de la banda con una división basada en eventos y no en fechas. Entre el momento de decisión de los miembros sobre si quieren seguir tocando juntos y la tragedia de Rockskilde, el documental toma una pausa para reflexionar lo que esos primero años representaron y dejaron en la banda, el lugar en el que estaban parados y reflexionar sobre el camino a seguir como individuos, por lo distintos que son cada uno de sus miembros. Tras el breve periodo de reflexión, la banda regresa más fuerte que nunca; dispuesta a poner su voz al servicio de las causas que consideran importantes aún cuando sus seguidores no estén de acuerdo; dispuestos a permanecer unidos y accesibles a sus fanáticos, sorprendidos y a la vez agradecidos de seguir juntos, pero, sobre todo, vivos.

PJ Twenty, además de hacernos ver y oler lo que se cocía en Seattle a finales de los 80 y principio de los noventa, donde nació el movimiento al que muchos de los protagonistas renunciaron, nos ofrece imágenes y momentos entrañables. No hace falta ser un gran seguidor del grupo para que el documental te interese. Cameron es un excelente narrador y sabe a los fines cómo contar una historia acerca de auténticos supervivientes del rock and roll, que aún 20 años después mantienen su frescura, principios y apetito grunge dentro de la escena alternativa. 


Con la secreta intención de que ese material de algo serviría 20 años después, Crowe lleva a cabo un exclusivo y pasional acto de fe en su banda, arraigándose en su ciudad, en un movimiento musical incipiente y los sonidos de ésta. Casi profético. Con la ceguera emocional que la pasión otorga y aún superando la muerte de uno de sus miembros. Mantener firme tus convicciones acerca de la independencia de tu arte, luchar por eso, y que miles de personas se identifiquen con ello y acepten tus condiciones para apreciar tu trabajo, es, sin duda, un acto de fe.
 

Pues eso es Pearl Jam, un verdadero acto de fe entre un grupo de personas que supieron depositar sus confianzas en el resto para pavimentar su camino al éxito, al tiempo que persigue su inclaudicable vía de escape a los cánones del mainestream y las reglas del negocio. Y el relato de ese proceso, difícil y a veces hasta doloroso, es PJ20. Otro real acto de fe, de parte de un realizador que se hizo parte de la historia porque los caminos propios y de la banda se unieron indefectiblemente y hoy son parte de la misma historia, surgida en las calles de Seattle.



Link - documental completo:




MINISERIE - COLUMBO (ídem, 1971-1978) de Richard Levinson y William Link








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EXCELENTE



Icónica serie de televisión estadounidense creada por Richard Levinson y William Link, Columbo ha ganado un lugar preponderante en la cultura televisiva norteamericana desde sus emergentes años '70. Tras dos episodios piloto, en 1968 y 1971, en Estados Unidos la serie se emitió regularmente entre 1971 y 1978, y esporádicamente entre 1989 y 2003, hasta un total de 69 episodios y es un caso particular de telenovela, en el sentido de que no hay créditos comunes a todos los episodios. Vale mencionar, el tandem Levinson- Link ha sido uno de los mas fructíferos en guiones televisivos, siendo los responsables de series como Mannix, Ellery Queen y sobre todo Se ha Escrito un Crimen, que junto con Colombo es su serie mas famosa y repetida hasta la saciedad. 

Peter Falk encarna al personaje principal: el del teniente Columbo, un detective de homicidios de la Policía de Los Ángeles. La primera particularidad de esta serie es que se sabe siempre quién es el asesino (lo que se conoce como historia de detectives invertida, en inglés "howcatchem"), ya que, salvo excepciones, el crimen se muestra al principio de cada episodio. Y a pesar de poder observar cómo el asesino -normalmente de la alta sociedad- prepara un crimen en teoría perfecto, se sabe también que el teniente Columbo descubrirá al criminal, gracias a un detalle menor. Una vez que Columbo ha decidido quién es el culpable, no lo dejará ni un segundo, haciéndose pasar por una persona despistada para engañar al sospechoso.

Numerosos actores famosos han encarnado al asesino de turno, entre los que destacan una extensa lista que incluye a: Leonard Nimoy, Robert Culp, Jack Cassidy, Ross Martin, Ed Begley Jr., Tyne Daly, William Shatner, Patrick McGoohan, Robert Vaughn, Laurence Harvey, Ruth Gordon, Janet Leigh, John Cassavetes, Ray Milland, George Wendt, Johnny Cash, Martin Landau, Donald Pleasence, Louis Jourdan, Vera Miles, Roddy McDowall, Faye Dunaway, Fisher Stevens, Rip Torn, Billy Connolly, Ian Buchanan, Dick Van Dyke, José Ferrer, Oskar Werner, Richard Kiley, Robert Conrad, Tom Isbell y Theodore Bikel. 

El teniente Colombo, es uno de los personajes televisivos mas famosos de la historia, su habilidad para resolver los casos mas intrincados y complicados es legendaria, y ha conseguido fascinar a muchas generaciones con su brillante intelecto, escondido detrás de una apariencia desarrapada y poco cuidada, que se ha introducido en nuestra cultura popular.
La elección del  actor para el papel del teniente Colombo, no fue evidente ya que sus primeras opciones como actores no mostraron ningún  interés en el tema, hasta que Peter Falk insistió tanto en hacer en papel, que se lo dieron, en uno de los mejores aciertos de casting de la historia televisiva.

Cuando consiguió el papel colaboró de forma activa con los guionistas en la definición mas detallada de su personaje, como su apariencia y tics, moldeando uno de los mejores caracteres de la historia de la Televisión, que es el mejor elogio que se puede hacer a un actor. Su voz además era muy característica, y por eso les ponemos el siguiente video, para que puedan apreciar en todo su esplendor.
 
Curiosamente, Colombo se emitía dentro de un contenedor  de series de misterio, llamada "La Noche de Películas de Misterio",  donde compartía cartel con otras series famosas como McCloud, El comisario Mc Millan o Banacek que iban rotando cada semana, con lo que su periodicidad era de un capitulo mensual. El éxito de Colombo, se debe a una formula imperturbable y casi inamovible desde el primer episodio, y consistía en hacer dos películas en una. En la primera parte vemos como el criminal de turno planifica y ejecuta un asesinato, movido por una  serie de motivos que se nos explican, que aparentemente parece un crimen perfecto, con coartadas preparadas y sin posibilidad de ser pillado.

En la segunda parte, una vez hemos asistido a la consumación del crimen, llega la policía para investigar el delito, que a veces parece un accidente o un suicidio, al frente de la cual aparece un elemento singular el teniente Colombo. El detective, haciendo gala de grandes dotes de observación, descubre pequeños indicios o leves sospechas de que las cosas no son como parecen ni cuentan los testigos, y empieza a tirar del ovillo de la investigación,  y como una araña  va atrapando cada vez mas  al asesino, en su propia red de mentiras y fallos, hasta conseguir desenmascararlo en una gran escena final, donde revela el momento clave donde desmonta la coartada del criminal. 

Colombo era un personaje muy sagaz pero con un aspecto desarrapado, llevando siempre una gabardina raída (propiedad de Peter Falk), fumando un caliqueño, con un coche casi desvencijado, sin peinar y dando una imagen muy desvaída, en las antípodas de James Bond o Remington Steele, paladines de la elegancia, y haciendo continuas referencias a su mujer, pero que nunca apareció en pantalla.

Como los  asesinatos eran realizados por personajes ricos y de la alta sociedad, suelen creerse  por encima de todos a causa de su gran astucia y estatus social, con ellos, Colombo, juega la carta de la humildad y la veneración de sus sospechosos, para hacerles sentirse mas confiados y provocando incluso que le traten como un pelagatos, aumentando su seguridad y confianza de que semejante inútil nunca  iba a resolver su crimen. La relación del criminal con Colombo, pasaba de una cierta condescendencia inicial, ofreciendo su colaboración total al teniente, desde una posición de total superioridad, hasta la estupefacción final, cuando es  incriminado por Colombo,  al poner en evidencia las lagunas y fallos de su historia, por un ser al que menosprecia por su apariencia y teórico  inferior intelecto.

En una era pretecnologica, Colombo resolvía los crímenes basado en una minuciosa observación del lugar del crimen y aprovechaba cualquier pequeña discrepancia, para meter una cuña y abrir la coraza del asesino, sin ordenadores, ni ADN, ni CODIS que caracterizan a las series policiales modernas. Curiosamente, el misterio no estaba en conocer el asesino, ni como lo hizo, que era siempre desvelado en la primera parte del capitulo, sino en observar como Colombo iba a  cazar a su pieza, en un giro interesante de las series televisivas.

El hecho de su periodicidad mensual, hacía que el nivel de producción fuera altísimo, mas digno de una película que de una serie, y con capítulos largos que oscilaban entre los 75 y los 100 minutos, por lo que  solo había  de seis a ocho capítulos por año, lo que permitió que el personaje no se agotara rápidamente. 

Colombo no solo era una serie magnifica y de un enorme nivel, sino que ha sido escuela de grandes genios, como por ejemplo el primer episodio regular de la serie, que fue escrito por el mítico Steven Bochco (Hill Street Blues, La Ley de los Ángeles) y dirigido nada mas y nada menos, que por  Steven Spielberg, en sus inicios como director. Jonathan Demme, también dirigió algún episodio de la primera temporada y ambos dejaron entrever en sus capítulos destellos  de su posterior carrera cinematográfica.

En el año 1978, Peter Falk decidió colgar la gabardina para dedicarse a otros proyectos, pero volvió a tomar su papel fetiche en 1989, para otra tanda de películas y episodios mucho más esporádicos hasta el año 2003, en que se emitió el último de ellos.
Colombo, es indudablemente, uno de los mitos de la historia televisiva, es una serie que sigue absolutamente vigente como un verdadero clásico que es. Aún en la actualidad, el guión y los giros argumentales, siguen siendo impecables y Peter Falk es un maestro en mostrarse débil frente a su confiado adversario.



Clip - trailer de la serie (primera temporada):



CINE MUDO - UN PERRO ANDALUZ (Un Chien Andalou, 1928) de Luis Buñuel y Salvador Dalì









EL ARTE DE SABER PROVOCAR




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EXCELENTE





Dalí y Buñuel crean esta obra maestra del surrealismo a partir de dos sueños: el primero, de Buñuel, la escena del ojo y la hoja de afeitar; el segundo, de Dalí, las hormigas que surgen del hueco de la mano. A partir de ambos se relatan, de un modo alegórico, los altibajos en la historia de amor de una joven pareja.

En una noche clara, un hombre corta el ojo de una joven mientras una nube pasa delante de la luna. Ocho años después, un ciclista se accidenta en la calle. La misma joven lo socorre y lo besa. En una habitación, el ciclista acosa a la joven. Un incidente callejero los distrae. Un personaje andrógino juega con una mano cortada y es atropellado. El ciclista sigue acosando a la joven. Un “doble” aparece y castiga al ciclista hasta que éste le dispara. Finalmente, la joven sale al mar y se encuentra con otro hombre. En la primavera, los torsos de la joven y de su nuevo acompañante aparecen enterrados en la arena, devorados por los insectos.

"Un perro andaluz" es la primera película de Luis Buñuel y Salvador Dalí realizada en cunjunto, rodada en 1929, en donde un hombre afila una navaja con la cual corta de forma impactante el ojo de una mujer mientras una nube pasa por delante de la luna. Esta escena crea un impactante choque al espectador ante esta visión tenía como objetivo fijar en el horror todo sentimiento de apreciación estética que podía sentir ante tal mutilación. Lo que hace diferente esta película es que Buñuel y Dalí no fueron influidos por la técnica o por los ejercicios de estilo, aunque fueran vanguardistas. Existe un rompimiento con los moldes tradicionales.

La película tuvo como objetivo llevar los sueños que tenían estos artistas a un plano de expresión, por ello las imágenes no tienen mucha conexión en cuanto a historia, pero en cada una de ellas se pueden resaltar los elementos de extrañeza, irracionalidad, elementos de un mundo imaginario donde no hay sentido, pero que refleja un sentimiento muy real, como el deseo sexual, cuando se le agarran los pechos a una mujer, existe la rebeldía de expresar sus creencias.

Su proceso creativo consistió básicamente en trabajar sobre las imágenes que les venían a la mente, sin detenerse a examinarlas o pensarlas, ya que lo único que como creadores rechazaban era que se les pudiera dar a estas imágenes una interpretación racional, psicológica o cultural. La herencia de Buñuel más estudiada sin duda es la de su cine surrealista lo cual se puede apreciar con el cortometraje de un perro andaluz

El rodaje duró quince días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien. Con estos ingredientes y gracias al espíritu vanguardista y polémico de Buñuel, "Un perro andaluz" está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias.

El nombre Un perro andaluz fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel negó dicha alusión, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927. En primer lugar pensó que la película se llamara El marista en la ballesta (según el título que tenía un caligrama de Pepín Bello) y luego Es peligroso asomarse al interior, como inversión del aviso que tenían los trenes franceses: C'est dangereux de se pencher au dehors ('Es peligroso asomarse al exterior').


La extensión de la descripción de los planos de esta película es obligada si se quiere dar cuenta de su carácter de poema en imágenes, cuyos hallazgos visuales proceden en gran medida del poemario homónimo que Luis Buñuel tenía listo para la imprenta en 1927. El mismo Buñuel señalaba la importancia que para él tenían los sueños, las visiones y los delirios en su vida cotidiana, en el grupo surrealista de París y, por tanto, en su cine. Por influencia de las teorías de Sigmund Freud, el surrealismo admitía las imágenes e ideas oníricas dentro de sus postulados. Toda la cinta puede definirse como una sucesión de sueños encadenados. 

Posee una de las secuencias más impactantes de todo el cine: la navaja que secciona un ojo de mujer. Para rodar la secuencia en que el ojo de la mujer es sajado por una navaja de afeitar se utilizó el de una vaca a la que se afeitó el pelo de la piel que lo rodea. En varias imágenes se pueden descubrir las obsesiones recurrentes en Buñuel y Dalí. Así ocurre con la crítica a la educación impartida por la Iglesia, la represión sexual, el «carnuzo» o burro en descomposición, la mano con hormigas o el cuerpo femenino.

Buñuel y Dalí elaboraron el guion en simpatía ideológica y con la máxima de no dejar intervenir ningún atisbo de control racional o asociación de ideas lógica y convencional mientras lo escribían. También rechazaban el menor indicio de simbolismo, motivo o clave que pudiera ser interpretada desde un punto de vista cultural. Por ello no cabe hacer interpretación alguna sobre esta cinta, aunque no han faltado exégesis desde varias afiliaciones, en especial desde las filas del psicoanálisis. Incluso en el momento de su creación, los dos autores habían evitado interpretar su sentido, pues habría supuesto negar la esencia de la propia película.

Muchos de los motivos presentes en el filme eran patrimonio del ambiente creativo común que se daba en la Residencia de Estudiantes, sin poder discriminar su afiliación a uno u otro. En muchos de los casos las ideas partían de Pepín Bello, un residente que no produjo obra creativa alguna. El plano final de la película de los dos amantes enterrados en la arena del desierto está conectado en última instancia con el "Duelo a garrotazos" de Goya y con el "Ángelus" de Millet, y aparece tanto en cuadros de Dalí como en "Viridiana" y "Belle de jour" de Buñuel.

La escena más conocida, la del ojo cortado, parece proceder de Buñuel, como podría concluirse a partir de su presencia inaugural como actor en su única actuación como protagonista. Se trata de un cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior. Esto es lo que promovía el surrealismo, como se puede apreciar en estos versos de su poeta favorito, Benjamin Péret:

    "Si existe un placer
    es el de hacer el amor
    el cuerpo rodeado de cuerdas
    y los ojos cerrados por navajas de afeitar"


El propio Buñuel explica que, para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz. La originalidad radical y su lugar en la historia del cine radica en que la película, de modo premeditado, destroza las convenciones de la narrativa fílmica habitual (lo que se ha denominado «modo de representación institucional» o MRI) buscando liberar de la mímesis aristotélica tradicional a la cinematografía, del modo en que ya había sido hecho en pintura o literatura. 


Es patente el método consciente de ruptura de la continuidad o raccord entre los distintos planos de la película, tanto en el plano del espacio como en el del tiempo, cuyo ejemplo más visible es la ostentosa heterogeneidad de los sucesivos intertítulos: «Érase una vez», «Ocho años después», «Hacia las tres de la mañana», «Dieciséis años antes», «En primavera». Debido a todas estas novedades, la cinta fue aclamada entre las elites culturales parisinas, pues difería grandemente del cine vagamente simbolista de la vanguardia francesa. 

Al cine donde se proyectaba acabó acudiendo el tout Paris: Pablo Picasso, Le Corbusier, Jean Cocteau, Max Ernst, Man Ray, René Magritte, René Char, Ives Tanguy, Jean Arp, Pierre Unik, Louis Aragon, Paul Éluard, Tristan Tzara y en general, todo el grupo de artistas liderado por André Breton. Este, rechazó el carácter pretendidamente surrealista de otras obras como La coquille et le clergyman, de Germaine Dulac y consideró Un perro andaluz como el ejemplo perfecto de surrealismo cinematográfico, que les valió a Buñuel y Dalí ser acogidos de pleno derecho en este grupo.

 Aunque simpatizaba con las extravagancias de los surrealistas, Buñuel no se había integrado aún al grupo cuando filmó Un perro andaluz. Una vez terminada la película, un amigo común lo presentó con el fotógrafo Man Ray, quien sí pertenecía al movimiento. Ray acababa de filmar un documental sobre la mansión de los vizcondes de Noailles y andaba buscando un complemento para el programa de exhibición. Al ver la cinta, Ray le recomendó a Buñuel que la exhibiera cuanto antes y lo presentó formalmente ante el grupo. 

Aceptado por los surrealistas como uno de los suyos, Buñuel estrenó Un perro andaluz en 1928, ante un público que se deshacía en aplausos. De esta manera, Un Perro Andaluz iniciaba la larga carrera del genial director aragonés. De esta manera, artesanal, pero muy innovadora e inquietante en la época de su primera proyección, se da el inicio cinematográfico de dos de las carreras artísticas más significativas de todo el surrealismo mundial.



 Clip - cortometraje completo:





CINE ARGENTINO - OPERACIÓN MASACRE (1972) de Jorge Cedrón













SOBREVIVIENDO LOS AÑOS DE PLOMO



* * * * 
MUY BUENA







Operación Masacre es una película argentina  filmada en la clandestinidad durante la dictadura de Alejandro Agustín Lanusse en 1972, y estrenada comercialmente el 27 de septiembre de 1973. El argumento se basó en el libro homónimo escrito por Rodolfo Walsh. Fue dirigida por Jorge Cedrón y sus protagonistas fueron Norma Aleandro, Carlos Carella, Víctor Laplace, Ana María Picchio, Walter Vidarte, Miguel Narciso Bruse y Julio Troxler.

En 1956 un golpe civico militar contra la autodenominada Revolución Libertadora fracasa, y en un terreno descampado de José León Suárez, provincia de Buenos Aires, Argentina, son asesinados varios civiles sumariamente sospechados de formar parte del alzamiento. Sin embargo siete personas logran sobrevir a la matanza y contar la historia. "Operación Masacre" (1957) de Rodolfo Walsh es el nombre de la primera obra de "ficción periodística" o novela testimonio, el relato novelado de un hecho real. Se adelantó nueve años a A sangre fría (In Cold Blood) de Truman Capote, el libro a menudo citado como iniciador de este género. 


La novela desnuda la trama oculta de lo sucedido en los llamados "fusilamientos de José León Suárez": en 1956 un contra-golpe militar a la dictadura de la llamada Revolución Libertadora fracasa, y en un terreno descampado de José León Suárez,Provincia de Buenos Aires, Argentina, son fusilados varios civiles sumariamente sospechados de estar de parte del alzamiento. A casi seis meses del hecho, alguien le cuenta a Rodolfo Walsh que hay un fusilado que vive. En el curso de los meses siguientes descubre que hay más de uno: hay siete sobrevivientes de esa matanza. Y va contactándolos uno a uno, mientras recopila los hechos y continúa acumulando -en forma clandestina- la categórica evidencia que se convertirá en Operación Masacre. 

El film estructurado en parte documental y parte ficción, se reconstruye a medida que se nos narra lo sucedido en la trágica noche del 9 de Junio de 1956. Los autores aprovechan para poner en la voz y pensamiento de uno de los sobrevivientes un mensaje sobre la revolución que se intentó llevar a cabo esa noche, una reflexión sobre el movimiento peronista y la lucha de clases que significo el peronismo en la década del ’50. Aunque el mismo mensaje está orientado para la época en la que se estreno el film (a comienzos de 1973), el final de la película tiene más sentido si lo vemos orientado a dejar un mensaje para aquellos años donde se vivía más que nunca la lucha entre clases como los nombra el mismo. 

Inserto dentro de este mensaje revolucionario tenemos el relato de lo que sucedió aquella noche, desde el momento que un grupo de amigos espera noticias del levantamiento contra el gobierno de Aramburu hasta el fusilamiento que sucedería en los basurales de José León Juárez. El acertado relato histórico apoyado en una narración vigorosa se ayuda del suspenso para narrar lo sucedido y dejarnos expectantes de lo que va a suceder. Como contrapeso, la parte documental funciona de dos maneras: la primera es ambientarnos en la época donde se ubica la historia (el golpe de Estado a Perón y la eliminación del peronismo en la política y de la sociedad) y la segunda es el mensaje revolucionario que los autores quieren trasmitir a los espectadores mediante una breve explicación de la gesta inconclusa, un trunco manifiesto revolucionario para una generación fracturada.

Con la publicación del libro en 1957, Walsh no dio por terminada la investigación. En las sucesivas ediciones fue incorporando nuevos elementos y variando su reflexión final sobre los hechos, amedida que variaba su concepción sobre el sistema que regía a la Argentina. Los fusilamientos quedaron impunes; Operación Masacre como film, sin embargo, cumple su cometido histórico: pulveriza la versión oficial de los hechos y ofrece para el futuro un valorable ejemplo histórico, cultural y social.



Link - película completa:




ARTÍCULOS DE CINE N° 28 - EN EL REINO DE LAS SOMBRAS (1896) de Máximo Gorki










 
En julio de 1896, el escritor ruso Máximo Gorki (1868-1936) descubre la invención de los hermanos Lumière en la feria de Nijni-Novgorod y consagra dos artículos al Cinematógrafo, muy próximos uno de otro. El primero, firmado por I.M.Pacatus, parece ser el relato de un descenso al “reino de las sombras”.

"Ayer estuve en el reino de las sombras. Si supierais hasta que punto es aterrador…Allí no existe ni el sonido ni el color: todo, la tierra, los árboles, los hombres, el agua y el aire, todo tiene allí un color gris uniforme. En el cielo gris, rayos de sol grises; en los rostros grises, ojos grises. Y hasta las hojas de los árboles son grises como la ceniza: no es la vida, sino una sombra de vida. No es el movimiento, sino una sombra de movimiento, desprovista de sonido.

Me explicaré, so pena de que se me tache de simbolista o de loco. Estaba en  el recinto de Aumont y asistía a una sesión del Cinematógrafo Lumière (las fotografías animadas) La impresión que producen es tan poco común, tan original y compleja que me resulta difícil transmitir todos sus matices. Intentaré de cualquier modo expresar lo esencial.

Cuando la luz se apaga en la sala donde se presenta la invención de los Lumière, aparece en la pantalla un gran cuadro gris, una “Calle de París” que tiene la textura de un grabado de mala calidad. Contemplándolo, se observa gente inmóvil en actitudes diversas, coches, casas, todo gris, hasta el cielo es gris. No es de esperar nada original de una vista tan tópica, pues cuántas veces hemos visto imágenes de calles de Paris como ésta…

Pero de repente, un extraño temblor invade la pantalla y el cuadro cobra vida. Más tarde, la perspectiva, los coches que vienen directos hacia mí, hundiéndose en la oscuridad en la que nos hallamos sumidos, la gente que aparece a lo lejos y aumenta de tamaño a medida que se aproxima. En el primer plano, unos niños juegan con un perro, unos ciclistas pedalean a toda velocidad, los peatones cruzan la calle: todo se mueve, vive, bulle, se dirige hacia el primer plano del cuadro para desaparecer en alguna parte del más allá.

Y todo sucede sin ruido, en silencio: es tan extraño… No se escuchan ni las ruedas contra la calzada, ni el murmullo de los pasos, ni las conversaciones, nada, ni una sola nota de esta compleja sinfonía que siempre acompaña el movimiento de los hombres. Sin ruido, el follaje gris ceniza de los árboles se agita al viento y las siluetas grises de los hombres, como si fueran sombras, se deslizan en silencio sobre la superficie del suelo gris, alcanzadas por un maleficio y cruelmente condenadas al silencio, privadas de todos los matices, de todo el colorido de la vida.

Sus sonrisas están muertas, aunque sus movimientos estén llenos de una energía viva, de una inalcanzable velocidad; su risa es silenciosa aunque podamos ver cómo se contraen los músculos sobre los rostros grises. Una vida que bulle ante los ojos, a quien han despojado de palabra y a la que han quitado el ornamento del color: una vida gris, silenciosa, abatida, lamentable, como desposeída de todo.

Asusta verla, con su movimiento de sombras y sólo sombras. Hace pensar en los fantasmas, en los crueles y malditos hechiceros que sumergen en el sueño a ciudades enteras, tanto que creeríamos estar presenciando una broma pesada de Merlín: él es quien ha embrujado una calle entera de París, encogiendo los altos edificios desde la base hasta el tejado en la medida de una archina[1], ha reducido a los hombres, les ha privado de palabra, ha recogido todos los colores del cielo y de la tierra y los ha convertido en esa tinta gris uniforme, y bajo esa forma, ha colocado la broma en el nicho de una sala oscura de restaurante. Pero de repente, se oye un crujido. Todo desaparece y en la pantalla aparece un ferrocarril. Se lanza hacia usted como una flecha, ¡cuidado! Parece que va a precipitarse sobre la oscuridad y nos convertirá en un saco de piel despedazada, repleto de carne magullada y de huesos triturados, se diría que va a destruir , a reducir a polvo esta sala, este establecimiento lleno de vino, mujeres, música y vicio.

Pero también no es más que un tren de sombras.

Silenciosamente, la locomotora desaparece más allá del marco de la pantalla. El tren se detiene, siluetas grises descienden de los vagones sin hacer ruido, se saludan en silencio, ríen, corren, se agitan, se emocionan sin emitir un sonido… antes de desaparecer. Y he aquí un nuevo cuadro: tres hombres, sentados en torno a una mesa, juegan a las cartas. Los rostros tensos, los movimientos de manos que reparten las cartas son rápidos, la avidez de los jugadores se lee en sus dedos temblorosos, en los músculos de sus rostros. El juego… los tres se echan a reir, y el camarero que les ha servido una cerveza, se ha quedado de pie cerca de la mesa, también ríe. Parece que van a reventar de la risa pero no se escucha un sonido. Se diría que esos hombres están muertos y sus sombras han sido condenadas a jugar a las cartas en silencio hasta la eternidad.

(…)

Esta vida gris y silenciosa termina por trastornarnos y oprimirnos; se tiene la impresión de que contiene una advertencia cuyo significado se nos escapa, pero es lúgubre y la angustia oprime al corazón. Poco a poco uno olvida quien es, extrañas imágenes aparecen en la mente, la conciencia se nubla, se perturba…

Pero de repente se escucha alrededor una provocadora risa femenina, voces burlonas … y de repente uno recuerda que está en el lugar de Aumont, de Charles Aumont.

Pero, ¿por qué ha encontrado asilo precisamente aquí esta extraña invención de los Lumière? Una vez más, aporta la prueba de la energía y de la curiosidad del espíritu humano que eternamente busca saber todo, comprender todo. Y en el paso, ¿qué traerá el éxito de Aumont mientras el invento se encamina al descubrimiento de los misterios de la vida?

No percibo la importancia científica del invento de los Lumière, pero sin duda existe y podrá contribuir al fin último de la ciencia, mejorar la vida del hombre  y desarrollar su espíritu. No es el caso de Aumont, donde sólo se anima y se prodiga el vicio. ¿Por qué en ese lugar , entre las “víctimas del temperamento de la sociedad” y los juerguistas, que han venido a comprar besos? ¿Por qué se muestra aquí el último descubrimiento de la ciencia? Pronto se perfeccionará el invento de los Lumière, pero será siguiendo el carácter de Aumont, Toulon y compañía.

Hasta el momento, además de las vistas mencionadas, también se ha mostrado el “desayuno en familia”, una escena idílica de tres personajes: una pareja joven y su primer bebé desayunan juntos. Ellos están tan enamorados, tan encantadores, alegres, felices, y su bebé es tan divertido… El cuadro transmite una impresión muy hermosa. Pero ¿hay sitio para esta escena en el negocio de Aumont?

Y otra: mujeres trabajadoras, en una multitud alegre y sonriente, salen de una fábrica. Tampoco hay sitio para esta escena en Aumont ¿Por qué recordar aquí que una vida pura, laboriosa, es posible? Es inútil. En el mejor de los casos, este cuadro lo único que conseguirá es herir a la mujer que vende sus besos, eso es todo.

Estoy convencido que pronto esos cuadros serán reemplazados por otros cuyo género estará en consonancia con el tono general del café concierto. Por ejemplo, veremos “Madame se desnuda”, “Akoulina saliendo del baño”, “Madame se pone las medias”. Asimismo, se podrá fotografiar una bronca entre un marido y su mujer en Kanavino[2] y presentarlo al público con el título “Placeres de la vida conyugal”

Sí, eso es lo que pasará. Lo bucólico y lo idílico no tienen lugar en esta gran feria rusa que sólo sueña con la indecencia y la extravagancia. Aún podría proponer algunos temas para ayudar al Cinematógrafo, con el fin de distraer al público de la feria: por ejemplo, someter a uno de esos dandis a un empalamiento a la turca, y una vez fotografiado, hacer la presentación".



[1] Antigua medida rusa de longitud equivalente a 71 cm aproximadamente.

[2] Barrio de Nijni-Novgorod donde todos los años tenía lugar la feria.

Texto: Fragmento de Au Royaume des Ombres... 1896 de Máximo Gorki

Publicación: Le cinéma: naissance d’un art (1895-1920), de Daniel Banda y José Moure. Editions Flammarion