miércoles, 31 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - SECRETOS ÌNTIMOS (Little Children, 2006) de Todd Field





LAS APARIENCIAS QUE ENGAÑAN


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MUY BUENA



Historia de un grupo de personas cuyas vidas se entrecruzan de forma sorprendente y posiblemente peligrosa en parques, piscinas y calles de su pequeña comunidad. Una madre aburrida se hace amigo de Brad, un padre que se queda en su casa mientras la mujer de éste está fuera trabajando. Por otro lado un amigo de Brad, Larry, comienza a inquietarse por la presencia de un pedófilo recién salido de la cárcel.

“Secretos Íntimos” es un film de corte independiente cuya compleja y sórdida trama se centra en tres personajes principales abordando sus frustraciones que a su vez se prolongan en los personajes secundarios que intervienen en el film, mostrando el tormento y la insatisfacción interior de ellos y en cuyos vínculos que establecen por necesidades incumplidas aparece la figura de un niño como disparador dramático o el comportamiento adulto como tal de capricho, obstinación e incomprensión que remite al titulo original. 

Son entonces los niños, como factor conflictivo desencadenante o la actitud infantil y arrojada de los protagonistas, las que entrelazan estas historias donde el deseo puede mas que la razón en algunos casos y en otros, como en la impactante secuencia de desenlace, la culpa y el perdón termina redimiendo a mas de un personaje secundario trazado de forma lineal con rasgos estereotipados durante el relato. Allì, en el seno del relato deambulan el policía facista, la madre protectora y el marido perverso, quizás el único punto previsible de este intenso drama familiar.

Así la trama desnuda las inseguridades, deseos y valores corrompidos de una ama de casa de clase alta infeliz en su matrimonio y que encuentra una segunda oportunidad con una relación prohibida (una suerte de Madame Bovary moderna), un pedòfilo dejado en libertad que amenaza la aparente tranquilidad de una comunidad burguesa que le mira con malos ojos y que esta pendiente de cada movimiento y juzga sin piedad detrás de su màscara de apariencia, y por ùltimo, un hombre insatisfecho sentimentalmente, nulo profesionalmente y perdido en las frustraciones de sus sueños de juventud. 

De climas asfixiantes, una pintura de la sociedad de clase alta y sus hipócritas miradas hacia el mundo exterior, de tonos cercanos a “Belleza Americana”, el prometedor director Todd Field repite su buena labor de “En el Dormitorio”, otro drama familiar densamente cargado.

Mas allá de cierta disparidad a la hora de encauzar ciertas subtramas secundarias, es indudable el talento de Field para sacar lo mejor de un guión rico en ambigüedades, provocativo desde lo moral e impecable en el trabajo actoral de sus cuatro interpretes principales. Kate Winslet en su rol de adultera y desdichada demuesta una vez más su enorme versatilidad como actriz para afearse y convertirse en un ser sin rumbo y descontento con su vida. 

Patrick Wilson como una joven promesa actoral insatisfecho laboralmente, culpògeno por su aventura adultera y en un rol de padre conflictuado y sin resolver. Jennifer Connelly como una fría y distante mujer de negocios que deja a su marido el cuidado de sus hijos y que parece tener en control el orden de su familia hasta que una cena familiar descubre el engaño y gracias a un manejo de cámaras y de tiempo impecable le vasta una sola mirada, un solo gesto, a la gran intèrprete de “Una Mente Brillante” para ver desmoronar su mundo. 

Por ultimo, vale una mención a la gran y sorprendente labor de Jackie Earl Haley en el papel de un pervertido sexual sin limites ni resentimiento alguno por sus actos cuyo tormento interior es tan grande como la catarsis autodestructiva que, de forma impactante y con un juego de montaje de escenas perfecto, es el desencadenante final de un drama que pese a sus excesos sorprende a cada minuto.


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lunes, 29 de julio de 2013

CINE EUROPEO - Mrs. HERNDERSON PRESENTA (Mrs. Henderson Presents, 2005) de Stephen Frears





UN SINCERO HOMENAJE AL MUNDO DEL TEATRO


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BUENA




Londres, 1937. Laura Henderson, una mujer adinerada y con contactos, acaba de enterrar a su amado marido. Y ahora, de repente, se aburre. A sus 69 años, tiene demasiada energía y vitalidad para disiparse como una amable viuda. Lo que necesita, dice su amiga Lady Conway, es un hobby. ¿Coleccionar diamantes, hacer obras de caridad, quizás? Pero, para disgusto de sus amigos, en vez de esto decide comprar un teatro, el Windmill, en el corazón del Soho. No tiene ni idea de cómo llevar un teatro, así que contrata a Vivian Van Damm, un experto del negocio del espectáculo que también se ve sorprendido por la señora Henderson y sus maneras excéntricas, provocativas y maleducadas también. Van Damm le prohíbe asistir a los ensayos por sus continuas interferencias, así que ella se disfraza varias veces para poder espiarle. Su relación de amorodio producirá una renovación histórica en el teatro británico. 

"Mrs. Hernderon Presenta" resulta un film un tanto impersonal para lo que estamos acostumbrados a ver de Stephen Frears: desde "Ropa Limpia, Negocios Sucios" hasta "Dirty Pretty Things" donde Frears se mostraba como un cineasta con estilo y lenguaje propios y siempre provocador e incisivo. Acá, en este relato, da paso a ciertos formalismos y previsibilidades en una historia que esta contada en medio del horror de la Segunda Guerra Mundial y que toma el ámbito del teatro como inagotable fuente de expresión artística para, a medida que lucha contra la censura, llevar un poco de alegría y de vida a tal desolador panorama.

Frears, gracias a una notable recreación de época que se apoya en rubros técnicos perfectos para darle al film una dimensión apropiada, trabaja tonos que van desde lo agridulce a lo nostálgico y desde lo sentimental a lo cálido para mostrar la Londres azotada por la guerra, pero haciendo mas hincapié y prestándole mas atención al mundo femenino y sus limitaciones y los preconceptos de los cuales era objeto por aquellos años, cuando la censura, por ejemplo, prohibía los desnudos en escena o limitaba otro tipo de expresiones artísticas como las revistas musicales y los vodevill. 

Así el film oscila entre ser un drama de guerra y una comedia dramática sobre el mundo del espectáculo, mas precisamente sobre el teatro y el amor y la dedicación a este, un espacio tan hecho a pulmón y a esfuerzo y tan necesitado del aporte humano. Judi Dench se luce con un papel y una película hecha a su medida, domina con su presencia de dama inglesa del mundo del teatro. La por entonces reciente nominada al Oscar por este rol comparte cartel con el igualmente experimentado Bob Hoskins que sabe dotar a su personaje de las gestualidades y el carácter clásico que le vemos al actor impostar en cada interpretación. 

Pero, al fin, en una película sin demasiadas sorpresas y con una construcción que pendula entre el musical, el drama y la comedia, tanto Dench como Hoskins saben hacer lo mejor les sale, y aprovechan estos personajes antagónicos para adueñarse del relato y otorgarle al film un aire de diversión, revisión histórica y emoción en una película que se ataña a sus moldes para resultar correcta y vàlida de ver.


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jueves, 25 de julio de 2013

CINE EUROPEO - NATHALIE X (Nathalie..., 2003) de Anne Fontaine



    

PELIGROSO JUEGO DE TRES




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BUENA



Una ginecóloga descubre que su marido la engaña regularmente con otras mujeres. Su insólita reacción es contratar a una prostituta para que seduzca a su esposo y luego le revele los detalles íntimos que con los años ella y él han perdido en el ámbito matrimonial.

 

Anne Fontaine ya había incursionado en lo más recóndito de la psiquis humana y su comportamiento en "Como Mate a mi Padre". Esta vez se adentra en explorar las conductas femeninas al exponerlas al espectador de manera extrema, sin tapujos ni rodeos. El film, como dicho, es la historia de una mujer que sospecha que su marido la engaña con lo cual contrata a una prostituta para corroborar su intuición. Este peligroso juego va mas allá cuando la prostituta se vincula sentimentalmente con el marido, en un triangulo peligroso que deja al descubierto los intereses de cada uno y desde donde los tres buscaran sacar partida.



La dirección de Fontaine se preocupa en focalizar el hilo conductor del film así como sus ritmos y momentos a las sensaciones y conductas de sus protagonistas en un perverso juego que descubre lo mas profundo e inquietante de sus pensamientos, premisa que solo en el final, quizás, no conciba en una resolución tan perfecta y totalmente fiel a lo esperado. El ritmo del relato es lento, pero coherente y determinante para su desenlace respetando en reflejar de manera permanente el punto de vista de su autora, directo pero no implacable, sino sujeto a diferentes interpretaciones. 

La ambientación, con una adecuada puesta en escena y una magnifica fotografía y música incidental, sustentan una historia tan provocadora como instigante, digna de cuestionamientos éticos y morales al respecto. No puede negársele que va por buen camino en desnudar la psquisis de la mujer típica de la burguesía francesa y da su contrincante, certera y punzante al bucear en aspectos ideológicos que en cierta manera también aspiran a adentrarse a ese circulo burgués impenetrable, dotarlo de dualidades y adueñarse (aunque sea en sueños y por momentos) de su vida aparentemente intachable. 

En la construcción de ideas de Fontaine al abordaje que hace a los hechos mediante y las formas que utiliza para comunicar dichas ideas da la sensación que peca de cautelosa y podría haberse adentrado y arriesgado más aún en la resolución del conflicto. Por otra parte, la sesgada complejidad de los personajes es un aditamento a los componentes narrativos, que solo en su desenlace puede cuestionársele cierta manera abrupta y previsible de reformular el curso personal que toma cada personaje (y por ende la historia), sin anular de todas formas lo contado hasta aquí. 

Como hilo conductor omnipresente de la trama, un factor tan indispensable como prohibido en el argumento es el erotismo, que sin necesidad de desnudos y escenas de sexo ostentosas, consigue exponer sin maquillaje las más morbosas y promiscuas fantasías sexuales de sus protagonistas mujeres. A este duelo interpretativo lo interpretan dos soberbias actrices como son Fanny Ardant -en una suerte de reaparición a los primeros planos- componiendo un personaje atormentado con enorme talento y Emmanuelle Beart que dueña de una belleza y una sensualidad únicas explora las perversiones y manipulaciones que había mostrado en su personaje en "8 Mujeres". 

Mas allá del duelo actoral entre ambas actrices, el peso específico del film radica en su poder dramático al desnudar un juego donde dos antagonistas comparten fantasías y demas perversiones mientras disputan sus propios destinos. 
 

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lunes, 22 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - IRREVERSIBLE (IЯЯƎVƎЯSIBLƎ , 2002) de Gaspar Noé







RECUERDOS QUE NUNCA SE OLVIDAN



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BUENA



Porque el tiempo lo destruye todo. Porque algunos actos son irreparables. Porque el hombre es un animal. Porque el mundo está contaminado. Porque el deseo de venganza es un impulso natural. Porque la mayoría de los crímenes quedan sin castigo. Porque la pérdida del amado destruye como un rayo. Porque el amor es el origen de la vida. Porque toda la historia se escribe con esperma y sangre.  Porque las premoniciones no modifican el curso de los acontecimientos. Porque el tiempo lo revela todo. Lo mejor y lo peor.


Irreversible, del realizador argentino radicado en Francia Gaspar Noé, encuentra originalidad y polémica en altas dosis, dado que la destacan dos aspectos: está contada de manera inversa, es decir, comienza con el final hasta llegar al principio de la historia. De una belleza cruel e hipnótica, resulta ser una propuesta inusual por tan violenta, obscena,  explícita, perturbadora y chocante.


La trama del film, de la misma forma que la recordada  "Memento", cuenta la película en tiempo invertido desde atrás para adelante a fin de mostrar la historia de una mujer brutalmente golpeada y violada y de la venganza que emprende su esposo en busca de los culpables. Este método tan particular no hace más que resaltar y darle otro tono al film, una historia de violencia cuya base y sustentacion puede resultar confusa y difusa para el espectador desprevenido. 


En extremo y elevado grado de violencia,  el film sobrevive gracias a la credibilidad y el realismo del relato.   La inusual forma en la que se cuenta la trama acaba por ser lo más llamativo de todo el filme. Noe, de manera muy experimental, utiliza para la direccion una interesante -aunque por momentos algo incómoda- propuesta de filmacion abundante en planos secuencia de un minimalismo y un despojo casi dogmáticos, poniendo su acento en el gran despliege actoral de sus intérpretes. 


Polémico y osado film, Irreversible narra la violación de una mujer (Mónica Bellucci) y la posterior venganza por parte de su novio (Vincent Cassell). A partir de este episodio, -explícita, violenta y dura secuencia de 9 minutos de duración que originó el escándalo- la narración se relata temporalmente desde el final hasta el comienzo, acompañado con otras tantas escenas  de alto contenido erótico. 


No apta para corazones sensibles, Noé no busca eufemismos ni circunstancias que alivien el álgido matiz violento que propone. El autor franco-argentino es como un Kubrick sadista en la era del porno documental, con una estética underground que, para algunos detractores, oculta una mirada reaccionaria, obscena, pretenciosa y repulsiva que valida la violencia gratuita que propele.


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viernes, 12 de julio de 2013

CINE INDEPENDIENTE - HARD CANDY (ìdem, 2005) de David Slade





BOCADO AMARGO
     

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BUENA



David Slade, un director debutante proveniente del terreno del video clip aunque con bases sólidas, no es un improvisado como la mayoría que se ve hoy en día haciendo dicha transición. El novel director maneja con sobriedad la cámara y su acierto a la hora de colocar la misma en el lugar y momento indicado brindan a la historia un clima atrapante e intenso con un increscendo de suspenso que hace al film interesante. “Hard Candy” triunfò en varios festivales de cine independiente internacionales hasta llegar a Cannes, quizás el suceso que le abrió las puertas al gran circuito comercial.

Hayley es una adolescente lista y encantadora, pero hasta las chicas listas cometen errores. Se encuentra en un café con Jeff, un joven al que ha conocido a través de Internet. Y aunque Jeff es un fotógrafo atractivo y moderno de treinta y pocos años, Hayley no debería sugerirle que vayan los dos a casa de Jeff solos. Hayley está convencida de que Jeff no tardará en confesarle que no es ella la primera adolescente a quien ha llevado a su casa y, además, está segura de que su prisionero sabe lo que le ocurrió a Donna Mauer, otra adolescente que desapareció del café favorito de Jeff. Y si no está dispuesto a confesar, Hayley pondrá en marcha su siguiente plan.

Como en “Juego Siniestro” (remake de la original “Pacto Macabro”) donde Michael Caine y Jude Law rivalizaban dentro de una gran mansión durante el film completo, aquí el film reside en el duelo actoral que emprenden Patrick Wilson (una cara cada vez mas conocido gracias a “Secretos Íntimos” o ”Angels in América”) y Ellen Page (revelación por la reciente “Juno”) recluidos en una finca alejada del ruido urbano donde se desatarà la tragedia entre este presunto pedòfilo y la pseudo adolescente. Permanentemente en pantalla, en ellos reside gran parte del éxito del film, una trama narrada y apoyada en el desarrollo dramático de sus personajes que gracias al talento de ambos sobrelleva la incongruente extrema madurez de esa niña contrapuesta a la seducción de un solitario seductor de menores.

”Hard Candy” es un estilo de cine independiente norteamericano, distinto a la concepción que el cine comercial tiene del gènero suspenso, atándolo a reglas de estudio que lo limitan y lo hacen resultar monótono. El film es una opción distinta cuyo final, realista pero demasiado frío, no esta de todas formas a la altura de las expectativas planteadas, excesivas en un comienzo. Es cierto, el film toca un tema delicado, tabú y aberrante como la pedofilia hasta llegar a límites escalofriantes, escenificando una castración humana con notable capacidad, recursos técnicos y actorales para resultar lo más logrado del film a nivel emocional. 

Tal intento de abordar una temática compleja es de por sì audaz y valorable y, sin dudas, deja abierta la discusión y la polémica que plantea en esta disyuntiva que deja a entender del espectador su postura y condena sobre y hacia los abusos infantiles. Los peligrosos limites de lo real y lo virtual y la justificada o no justicia por mano propia subyacen como temàticas de interès social, provocativas y no ajenas a la polèmica.


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jueves, 11 de julio de 2013

CINE DE AUTOR - JUEGOS DE PODER (Charlie Wilson's War, 2007) de Mike Nichols






RADIOGRAFÌA DE UN POLÌTICO



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MUY BUENA



Divertida, desprejuiciada y contundente resultan términos que no van demasiado de la mano con el cine político que acostumbra hacer Hollywood, intentando -en vano- lavar las culpas de los errores de su propio gobierno. Esos tres adjetivos -y virtudes- suma “Juego de Poder”, que sumado a la fina ironía de “Mentiras que Matan” y la acidez irresistible de “Bullworth” hacen de este último film del inagotable Mike Nichols (brillante desde “El Graduado” hasta su reciente “Closer”) una gran película hecha en Hollywood y sin sus viejos y conocidos clises. 

Basada en hechos reales, esta historia sobre un diputado demócrata de Texas contrasta el discurso político más estereotipado, las ambiciones de poder, las alianzas, las promesas en vano y las conocidas jugadas sucias del mundo de la política. El centro del relato es un candidato a senador: promiscuo, cocainómano, afecto a los excesos, las mujeres, corrupto y poco devoto de su labor, para la cual no parece ser el individuo más indicado. Sin embargo, ante el ojo pùblico, Charlie Wilson era un congresista soltero de Texas cuya personalidad de buen vividor escondía una mente política muy astuta, un profundo sentido del patriotismo y una gran compasión por los más débiles.

El film tiene todos los elementos de una sátira absurda pero creíble, es una biopic atípica que se acerca a un personaje delirante e impredecible y la vez, entre tanto humor picante, se desliza una veta de realismo que aporta el acertado enfoque que se realiza sobre el contexto geopolítico actual. A su vez, desmitifica esta cuestión de tomarse con agudeza y ceremonia sermón mediante las miserias políticas que desembocan en guerras sin sentido y en más que crueles consecuencias. 

Desde otra óptica y con un punto de vista bien particular, “Juegos de Poder” se acerca a un grave inconveniente que hoy DIA afronta la política internacional de Estados Unidos sin la solemnidad de films tan validos como “El Sospechoso”, “El Camino a Guantánamo” o “Leones por Corderos” esta historia es un tipo de denuncia que renueva la pantalla con lucidez y originalidad. A estos fines, diálogos punzantes dan divertimento al film generando situaciones que aprovechan personajes llenos de matices y contradicciones. 

Un magnifico Tom Hanks, la siempre encantadora Julia Roberts (en su vuelta a la pantalla tras tres años de ausencia) y el prolífico Philiph Seymour Hoffman conforman un trío protagónico de lujo que Nichols logra reunir y hacer funcionar a la perfección. Un tópico que apunta sin rodeos y de frente, con cinismo y certezas a despertar conciencias en la mediocridad y el desinterés que genera la mala información de una porción de la sociedad norteamericana. Provocadora y audaz son dos adjetivos que también le sientan a la perfección y que no son muy común ver por estos tiempos. Y eso también la hace una gran película.


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miércoles, 10 de julio de 2013

CINE DE AUTOR - KILL BILL, Vol. II (ìdem, 2004) de Quentin Tarantino







    RIENDA SUELTA AL PLACER DEL FILMAR



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MUY BUENA



El volumen 2 de "Kill Bill" sirve para complementar y concluir a su antecesora: cuenta la historia de La Novia y la venganza que esta emprende al querer vengar a los asesinos que de manera violenta la masacraron durante su casamiento dejandola en coma por cuatro años y quitandole a su hija. Esta lista de la muerte culmina con Bill, el hombre que en definitiva intento quitarle su vida y su hija. 

Si bien suena algo descabellado, parece que Tarantino quiere retomar la historia dentro de 15 años, cuando la hija del personaje que interpretaba Vivica A. Fox en el volumen 1 quiere vengar la muerte de su madre a manos del personaje de Uma Thurman. Ademàs, se planea hacer una historia (similar al anime que se viò en la parte 1) contando la infancia de "La Novia". En el Volùmen I, una mercenaria -integrante de un grupo de asesinos a sueldo- es atacada por su jefe en el día de su boda. Luego de cinco años de permanecer en un coma profundo, se despierta con un único objetivo: vengarse de sus compañeros de trabajo y eliminar al líder de la banda. 

La esperada secuela de Quentin Tarantino promete escenas de acción y memorables peleas de artes marciales, cumpliendo con creces. A diferencia de su antecesora, narrativamente existe un tratamiento màs dialogado que centrado en las escenas violentas que fueran su sello, con el estilo humoristico plagado de ironias y elegancia clàsica de Tarantino. La trama nos va llevando en la contìnua carrera de venganza que emprende el personaje principal con un argumento màs que solido y sorprendente. Tarantino, con estas armas, logra imprimir al guion una imaginacion visual ùnica y su sadismo omnipresente.


Desde su silla de director Tarantino, una vez màs, da rienda suelta a su placer de filmar, en una invitacion a los ojos del espectador exhuberane y entretenida, utilizando recursos como secuencias en blanco y negro o flashbacks oportunos, con escenas maginficamente logradas, de un realismo bizarro y un hondo dramatismo en medio de la accion y con espacio tambien para el humor sarcàstico que tan bien cultiva. 

El autor intenta en esta segunda entrega una especie de homenaje al spagehtti western de los '70 luego de hacer lo propio con las artes marciales y las mafias yakuzas en la primera parte. A este homenaje se remite tambien la lograda banda de sonido a cargo del històrico Ennio Morricone y la gran ambientacion en paisajes tipicos de acuerdo al desarrollo, retratando escenas de combate, donde el director mantiene el perfil violento y sangriento de su antecesor volùmen.

La destacable interpretaciòn de Uma Thurman quedarà en la historia de su filmografia personal y de la misma manera que en el volumen 1 entrega una notable actuacion, con un sobrado y dedicado esfuerzo fisico requerido por su personaje, logra imprimir validez y credibilidad a los momentos mas dramaticos y asimismo consigue salir airosa en las escenas de acciòn mas arriesgadas. Daryl Hannah es la clara muestra que este personaje olvidado de Hollywood todavia tiene mucho para mostrar de la mano de un experto en resucitar estrellas como Tarantino. Otro rescatado por parte del realizador resulta David Carradine, el ex- Kung Fu se carga sobre sus espaldas un personaje tan colorido como de culto.
 
  La segunda entrega de la saga consolida a un autèntico creador de modas y tendencias, encargado de resaltar figuras olvidadas y llevarlas al primer plano como lo hizo alguna vez con John Travolta en "Tiempos Violentos" (1994) y con Pam Grier en "Triple Traicion" (1997). Esta vez hace lo propio con David Carradine y Daryl Hannah, encontrando en Uma Thurman a su musa inspiradora y en Michael Madsen y Samuel L. Jackson dos amigos personales del director que se prestan a jugar  mediante apariciones estelares con los innumerables guiños cinèfilos que presenta el film.


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lunes, 8 de julio de 2013

CINE ARGENTINO- ILUMINADOS POR EL FUEGO (2005) de Tristàn Bauer





MEMORIA Y DOLOR


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BUENA


Un estreno polémico que permite el debate, "Iluminados por el Fuego" representa un hito en el cine argentino. Dejemos de lado el valor cinematográfico de la película, que sin dudas lo tiene sin ser sobresaliente. Dejemos de lado la critica sobre el guión, la dirección y el elenco. Tomemos como referencia que el film es la primera incursión seria y acabada del cine argentino en el genero bélico y este parámetro ubicara a la película como referente en lo que de acá en mas decida explorar el cine nacional en dicho terreno. Tomemos como segunda referencia el hecho de que el tema en cuestión es nada menos que la Guerra de Malvinas y las heridas sin cerrar que este conflicto acarrea luego de 30 años en la piel de cada argentino y que lo vincula con un negro periodo político y social que muchos quieren olvidar mientras que otros persisten en mantener vivo el recuerdo. 

Por estos dos motivos es que "Iluminados por el Fuego" es una película imprescindible de ver: por la evolución cinematográfica que representa en su incursión al genero bélico y emocionalmente por lo que contribuye al corazón de cada argentino y a su compromiso con una guerra sin motivos que nos cambio radicalmente la existencia.

El guión de "Iluminados por el Fuego" esta basado en la novela de Edgardo Esteban quien a manera de contar sus experiencias personales en la guerra construye un personaje ficticio para contar una historia verídica. A partir del intento de suicidio de uno de sus ex compañeros, Esteban se sumerge en los recuerdos de esa guerra que compartió con otros dos jóvenes conscriptos; Vargas, el suicida y Juan, muerto en combate. Allí aparecen, no sólo los horrores propios de la guerra, el padecimiento del frío, del hambre y el maltrato de los propios mandos militares sino también las historias de amistad y compañerismo.


Cuando hablamos de Guerra de Malvinas nos retrotraemos a un periodo nefasto, donde un personaje repudiable y deleznable como Galtieri en su afán de postergarse en el poder llevò a miles de chicos a una guerra desigual, donde miles de argentinos todavía no pueden explicar el porque de apoyar esa locura llenando la Plaza de Mayo y vivando al despreciable dictador. La guerra fue el ultimo hito nefasto de la dictadura que luego de 7 años en el poder había destruido el tejido social de los argentinos con sus crímenes, sus secuestros, sus torturas, sus persecuciones y sus desaparecidos, acabo guardando en el olvido a los sobrevivientes que volvían al continente, sumiéndolos en el anonimato. Y luego vino la afortunada democracia, si bien el gobierno de turno también tapò el tema de la guerra e hizo oídos sordos a los reclamos de los ex combatientes que nunca fueron reivindicados y nunca pudieron tener dignidad.

Ideológicamente se puede considerar al film como "políticamente correcto" en ciertos aspectos que denota la elección del paneo inicial sobre una marcha piquetera para demostrar vaya a saber que, si tenemos en cuenta que lo debilitada  o mal entendida que esta la noción democrática por estos días (noción democrática inexistente en aquellos días de guerra), con una protesta social sin limites que muchas veces se excede y cuyos reclamos quedan en el olvido. 

Da también para pensar el odio, el rigor, la incomprensión y el desprecio con el que se reviste a los generales de guerra en contrapunto con el general que hace su aparición en el final en una enternecida composición de su protagonista. Cuesta encontrar el ritmo de la escena y nos sentirse un tanto incomodo ante la melodía de violines que retrata una caza de ovejas en el frente de combate casi como contrapartida humorística a aquel paisaje desolador, en una escena descolocada con el contexto dramático del film. 

Mas allá de estas pequeñas (y no tanto) incongruencias el film encuentra su valor mas radical en centrar la imagen en el personaje principal y sus vivencias en medio del caos de una guerra que mando a la muerte a chicos menores de 21 años que vieron sus vidas destrozadas y cambiadas para siempre y el hecho de construir la historia a base de flashbacks y con relato en off le da al film un realismo en la reconstrucción de los hechos que gracias a la acertada labor de Bauer y sus impecables rubros técnicos a la hora de filmar transmiten el clima opresivo, tensionante y angustioso de la guerra en cualquiera de sus instancias: en el hospital de heridos, en el frente de batalla, cuando no hay para comer, cuando hace frió, desde el momento en que se embarcan hasta cuando se retiran del combate.

Gastón Pauls se pone al frente del elenco en una labor consagratoria. Con un gran compromiso dramático construye a medida a su personaje en las distintas etapas dramáticas que transita y que como punto culmine tiene en la escena final una imagen emotiva en el monumento a los caídos y en el territorio de guerra en la actualidad, con lo cual el desenlace toma de por si un tono mas documental que de película de genero. Es destacable el enorme aporte actoral a la veta dramática que propone el personaje secundario de Virginia Inoccenti, una actriz tan dúctil como efectiva. 

"Iluminados..." es un film polémico, que invita a la autocrítica y a muchas preguntas que como argentinos quizás no podamos respondernos o que quizás tengan como respuesta que como sociedad, como pueblo, les fallamos a nuestros héroes de Malvinas y nos seguimos equivocando a la hora de votar y a la hora de elegir que camino queremos seguir. Tenemos ilusiones de crecer como nación y de ser lo algún día fuimos, pero no podemos mirar el futuro si no entendemos nuestro pasado, si no sabemos como llegamos hasta acá, hay demasiadas heridas sin cerrar que ojala el tiempo se encargue de curarlas. En el sentido de reflejar tal sentimiento, la película es sumamente positiva y valedera como homenaje a nuestros héroes cuyas imperfecciones no empaña. Es nada mas que un ladrillo en la pared, pero por algo se empieza


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viernes, 5 de julio de 2013

PROTAGONISTAS - GEORGE C. SCOTT (1927-1999)




INTERPRETAR PARA HUIR





- "Me convertí en actor para escapar de mi propia personalidad. Nunca me ha costado empatizar con un personaje porque no me aprecio demasiado a mí mismo."- George C. Scott



George Campbell Scott, (Wize, Virginia, Estados Unidos; 18 de octubre de 1927 - California; 22 de septiembre de 1999) fue un actor de carácter del cine clásico estadounidense ganador de un Óscar en 1971 por su interpretación del General Patton, siendo el primer actor en la historia de las premiaciones de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en rechazar el codiciado premio.


Su madre murió cuando tenía ocho años y su padre, que era un ejecutivo de la empresa Buick, se ocupó de él. En 1945 Scott se alistó en los marines y estuvo durante cuatro años en activo pero no llegó a estar en el frente, fue destinado el resto del servicio como soldado-sepulturero en el Cementerio de Arlington donde inhumaba decenas de soldados cada día provenientes de los frentes de Europa y el Pacífico. 
Scott cayó en depresión y se sumergió en manantiales de alcohol. La imagen que en aquella época le devolvía el espejo era tan desoladora que Scott se interesó por la interpretación, como medio para huir de sí mismo. Ese fue el inicio de una carrera admirable. 
Cuando se licenció decidió estudiar periodismo en la universidad de Misuri. Allí actuó en alguna ocasión en el teatro universitario, y descubrió su pasión por la interpretación. Se preparó para esta actividad y marchó luego a Nueva York a probar suerte en el teatro.

Hacia finales de los años 50 consiguió un papel en Ricardo III que resultó un gran éxito, a raíz del cual los críticos se fijaron en ese joven actor desconocido. Pronto recibió ofertas para la televisión, que generalmente eran papeles de obras teatrales que se grababan en directo, y que constituían una buena escuela para todos los actores.


En 1959 Scott consiguió su primer papel importante en el cine, en la película Anatomía de un asesinato, en la que interpretó al fiscal inflexible. Este papel le valió una nominación al Óscar como mejor actor de reparto. Scott era del todo contrario a los Óscar, ya que consideraba que era una forma de promocionar a los actores y de hacer negocio. Cuando en 1962 fue nominado nuevamente, en esa ocasión por The Hustler, con Paul Newman, envío una nota que decía "No, gracias.", rechazando la nominación. No obstante, la Academia no pareció tomarse a mal su actitud, ya que en 1963 fue nominado por tercera vez por la película de suspenso The List of Adrian Messenger.



Al año siguiente Scott intervino en el papel de general en la comedia anti-belicista de Stanley Kubrick "Dr. Strangelove". Declaró en repetidas ocasiones que ésa fue su película favorita entre las que había hecho, y que se sentía culpable por haber cobrado honorarios teniendo en cuenta lo bien que lo había pasado en el rodaje. En 1970 hizo su mejor película, Patton, en la que encarna al famoso general en jefe de la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, ganó el Óscar al mejor actor principal, pero Scott, fiel a sus ideas, permaneció en su hogar viendo un partido de hockey en la televisión, y rechazó el premio. Fue la primera vez que tal evento ocurrió. Posteriormente, en 1972, Marlon Brando también rechazaría el premio.

Convertido definitivamente en uno de los grandes actores de carácter, Scott alternó a partir de entonces sus apariciones en el cine con intervenciones en películas y mini-series de televisión, que cada vez fueron más frecuentes en comparación con el cine, hasta el extremo de que intervino en una o dos producciones para la televisión cada año. También se dedicó al teatro, en el que apareció regularmente.

Scott nunca dejó de todo el alcoholismo y reincidió muchas veces, tuvo muchos pleitos de taberna y una acusación por acoso sexual3 y estuvo casado cinco veces, dos de ellas con la misma esposa, Colleen Dewhurst (1960 y 1965) con la que tuvo dos hijos; adicionalmente tuvo romances extramaritales fugaces con algunas actrices de renombre como Ava Gardner. Su 5ª unión fue con la actriz Trisha Van Devere, matrimonio que duró 27 años pero con la que, en la fecha de su muerte, ya estaban separados.
Scott siempre receló de los galardones y los halagos, porque "cuando te das cuenta de que lo disfrutas, empiezas a aborrecerte a ti mismo". Declaraciones como esta delataban el espíritu maltrecho de un hombre a veces sobrado de motivos para odiarse. Scott propinó al menos dos brutales palizas a Ava Gardner durante su breve romance con la actriz.

Las mujeres nunca fueron el punto fuerte de Scott. No cabe otra interpretación ante sus cuatro divorcios, dos de ellos de una misma dama (hombre, piedra, tropezar, bis). Su quinto matrimonio, con la actriz Trisha Van Devere, duró hasta la muerte de Scott, aunque la pareja ya estaba separada por entonces.


Entre boda y boda, Scott ahuyentaba sus fantasmas labrándose una distinguida carrera interpretativa. Sus éxitos en Broadway convivían con películas como 'Hindenburg', 'Al final de la escalera' o 'Taps', y hacia el final su vida destacó por su presencia en ambiciosos telefilmes. Su talento iluminaba cualquier formato, espoleado por la urgencia de ser otra persona.
Falleció en Westlake Villane, California, a los 71 años de edad, como consecuencia de un problema vascular abdominal. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.



Filmografía

Cine

    Rocky Marciano (TV) (1999)
    Heredarás el Viento (1999)
    Gloria (1999)
    12 Angry Men (1997)
    Titanic (1996)
    Angus (1995)
    Malice (película) (1993)
    El Exorcista III (1990)
    The Rescuers Down Under (1990) voz del personaje Percival C. McLeach
    Firestarter (1984)
    A Christmas Carol (1984)
    Taps (1981)
    The Formula (1980)
    Al final de la escalera (1980)
    Hardcore (1979)
    Movie Movie (1978)
    Crossed Swords (1978)
    Islands in the Stream (1977)
    La Bella y la Bestia (1976)
    Hindenburg (1975)
    The Savage Is Loose (1974)
    Bank Shot (1974)
    The Day of the Dolphin (1973)
    Oklahoma Crude (1973)
    Rage (1972)
    The New Centurions (1972)
    El hospital (1971)
    The Last Run (1971)
    They Might Be Giants (1971)
    Jane Eyre (1970)
    The Price (1970)
    Patton (1970)
    Petulia (1968)
    The Flim-Flam Man (1967)
    Not with My Wife, You Don't! (1966)
    La biblia (1966)
    El Rolls-Royce amarillo (1964)
    ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964)
    The List of Adrian Messenger (1963)
    The Brazen Bell (1962)
    El buscavidas (1961)
    Anatomía de un asesinato (1959)
    El árbol del ahorcado (1959)

Teatro

    Inherit the Wind (1996)
    On Borrowed Time (1991)
    The Boys in Autumn (1986)
    Design For Living (1984)
    Present Laughter (1982)
    Tricks of the Trade (1980)
    Sly Fox (1976)
    Death of a Salesman (1975)
    Uncle Vanya (1973)
    Plaza Suite (1968)
    The Little Foxes (1967)
    Great Day in the Morning (1962)
    General Seeger (1962)
    The Wall (1960)
    The Andersonville Trial (1959)
    Comes a Day (1958)