martes, 30 de abril de 2013

CINE EUROPEO - JUEGO MACABRO (Sleuth, 2007) de Kenneth Brannagh




 EL CAZADOR CAZADO

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REGULAR


“Juego Macabro” es una remake de "Sleuth", una joya del suspenso de los años ’70. Innovadora en su momento, la película que protagonizaron exactamente en 1972 una dupla de lujo como Michael Caine y Laurence Olivier fue dirigida por otro grande como Joseph L. Mankiewics y partía de una adaptación de la reconocida obra de teatro de Anthony Shaffer (conocida aquí como “Juego Mortal”). 

En la nueva versión dirigida por Kenneth Branagh (quien en partida doble como director este año también estrenó “La Flauta Mágica”) el personaje que en el pasado represento Michael Caine ahora lo interpreta Jude Law, mientras que Caine hace lo propio con el de Olivier. Curiosamente, este ultimo hace algunos años tomo otro papel emblemático de Caine para la no muy afortunada remake de “Alfie”.

Un millonario, autor de novelas policíacas, une su ingenio con un actor en paro, que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias. De origen teatral la novela, el film tiene un gran basamento teatral y su puesta lo deja bien en claro: desde su disposición escenográfica hasta su manejo de tiempos reales, secuencias y ritmo dialogados, lo que lo hace prácticamente una interpretación de escenario vista desde la pantalla grande. 

Este hecho indudablemente en algún momento del film se hará pesar. Y más allá de la destreza que intenta exhibir Branagh para cautivar la atención con planos subjetivos o tomas cenitales y mucho énfasis en este duelo de personalidades,  donde el encierro en el que transita la historia termina por abrumar.

El director, de vasta y exitosa experiencia en todo tipo de adaptaciones de la obra de William Shakeaspeare y cuyo último trabajo conocido había sido el drama testimonial “Cerca de la Libertad”, se amoldò a los cambios de la época  para llevar esta remake a pleno siglo XXI. Casi cuatro décadas después de haberse estrenado por primera vez, una gran innovación que aggiorna al film es su costado casi futurista. En esta casa con entorno de palacio antiguo, esta mansión desde afuera amenazante pero interior lleno de confort y alta tecnología sirve para describir el personaje que la habita. De aspecto glacial, sobresalen las paredes vidriadas, las simetrías, los espejos y su propia figura inmortalizada en un cuadro. 

Esta es una historia de juegos de caracteres, donde tanto la venganza como la humillación sobrevuelan las aristas más marcadas de este duelo actoral en el que sus  dos únicos protagonistas dan cátedra. Dicho talento alcanza un soberbio nivel gracias al trabajo de Brannagh, quien sabe como (primeros planos o plano y contraplano mediante) explotar las virtudes histriónicas de ambos. 

El duelo de caracteres mencionado ya se da desde la primera secuencia en común de ambos cuando comparan el tamaño de sus coches como una prolongación de si mismos y uno intenta ganar territorio y sacar ventaja sobre el otro. Victima y victimario, agredido y agresor. Michael Caine había jugado un rol similar también en “Trampa Mortal”, cuando dos décadas atrás y en una trama con semejanzas entablara un duelo peligroso junto a un jóven Christopher Reeves.

Figurativos roles que sendos interpretes británicos irán intercambiando a medida que se dilucide la trama. Diálogos con fina ironía hacen a sus personajes sacarse chispas, si bien el film parece tener un punto de inflexión cada vez que este juego se va tornando más y más malévolo. Los excesos terminan por dominar los diálogos y el lugar común se apodera de una historia que va perdiendo sorpresa y cuyo desenlace no conforma. 


Cabe destacar que el elemento homosexual entre estos protagonista ha sido un hallazgo en esta remake, factor remarcado por sobre la versión original. Este ingrediente que apunta a enriquecer la trama comienza siendo una interesante insinuación para convertirse en vulgar lugar común objeto de pasajes graciosos que no hacen más que diluir el clima de suspenso bien construido.

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lunes, 29 de abril de 2013

HOLLYWOOD - TROYA (Troy, 2004) de Wolfgang Petersen



  
     LA LEYENDA DE UN GUERRERO

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REGULAR

     
    En una superproduccion de millones de dòlares al mejor estilo hollywodense, Wolfgang Petersen, un exitoso director europeo con carrera y nombre propio en la meca del cine, pretende revivir las epopeyas epicas de los años '50 y '60 del estilo de "Ben-Hur" y de "Helena de Troya". Aunque en otra escala y proporcion, Troya revive un genero dormido por varios años y que consiguiò la redencion con la fabulosa "Gladiador" para de ahi en mas contagiar a guionistas y producotres en al contìnua realizacion de historias como las que ofrece el presente film, una autèntica leyenda de todos los tiempos y que remonta a 3200 años de la actualidad rememorando la batalla de los pueblos griegos deseosos de ampliar su territorio y conquistar nuevos horizontes.

Es el amor por una mujer, Helena, el factor que se intermpone en la batalla y nubla, y ciega los propositos de los lideres de ambos ejercitos que concluye con la destruccion total de la ciudad de Troya. La ciudad amurallada, bajo el mando del rey Príamo y defendida por el poderoso príncipe Héctor, es una fortaleza en la que ningún ejército ha sido capaz de penetrar. Sólo un hombre se erige en la clave para la victoria o la derrota de Troya: Aquiles, considerado el más grande guerrero vivo.

    El guion esta bien armado, si bien con ciertos retoques al estilo Hollywood, donde las dos horas cuarenta  de duracion del film pueden resultar algo excesiva, pero es bien llevada. Hay un correcto trato en la extension de la misma, tanto de las escenas de combate como de los diàlogos, aunque sin profundizar demasiado en la conducta y pensamiento de ciertos personajes, falencia a destacar. El argumento se preocupa por enmarcar la historia de amor paralela entre Helena y Paris y la de Aquiles y la captiva prima de Victor y descendiente de la realeza y conseguir atrapar la atencion del espectador en el personaje de Aquiles, si bien no por èl gira exclusivamente la historia.

    La direccion a cargo de Petersen es respetable a lo exigente que resultan este tipo de propuestas. Hay una acorde ambientacion, las escenas de combate estan bien logradas logrando repruducir digitalmente miles de extras, como los tiempos digitale imponen. La reproduccion de la ciudad antigua de Troya es notable asi como tambien el acento que hace el director en cuidar permanentemente la imagen de su interprete principal.

 Las actuaciones son a destacar en varios sentidos: Brad Pitt cumple quizas el rol fisicamente mas comprometedor de su joven pero extensa carrera y se muestra imponente en la piel de Aquiles.  Otro destacado es Peter O'Toole, encarnando a Primeo en un rico papel donde logra poner el acento dramàtico en el momento justo a pesar de su incidencia secundaria. Colaboran sin demasiada incidencia el veterano Brian Cox, Eric Bana como Hector, Orlando Bloom como Paris, Sean Bean como Ulises y Diane Krueger como Helena; que solo logra aportar a su papel belleza al igual que la imponente Saffron Burrows. 

Sin embargo, en tèrminos èpicos Troya no alcanza el nivel de produccion de su antecesora Gladiador, donde la fotografia y la mùsica eran un gran aditamento; no siendo factor en este caso. Lamentablemente el film descuida aspectos històricos primordiales, Peteresen estaba muy ocupado en cuidar  hasta el extremo de la prolijidad el aspecto fotogènico de Pitt.

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viernes, 26 de abril de 2013

HOLLYWOOD - ALEJANDRO MAGNO (Alexander, 2005) de Oliver Stone




LA HISTORIA DISTORSIONADA


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REGULAR


Oliver Stone es un obsesionado de la historia: de retratar sus acontecimientos más resonantes ("Peloton", "JFK"),  o sus personajes mas determinantes ("The Doors", "Nixon"). Esta vez toma el rumbo de las producciones épicas, tan de moda últimamente por su repercusión publicitaria, más que por su valor fílmico. La historia que se elige contar es la de Alejandro Magno, uno de los personajes más imponentes de toda la historia de la humanidad, un hombre que con la edad de solo 25 años ya había conquistado todo el mundo hasta entonces conocido.

Alexander, de Oliver Stone, se basa en la vida de uno de los líderes más brillantes e influyentes de la historia: fue un apuesto rey guerrero lleno de la ambición, el coraje y la arrogancia de la juventud. Un hijo que buscaba desesperadamente la aprobación de su severo padre, endurecido por las batallas, y que se debatía entre su lealtad a éste y su amor por su madre. Alejandro era un conquistador despiadado que nunca perdió una batalla y empujó a sus soldados a los confines del mundo conocido.

El guión de la película de la mano de Stone recorre la historia de Alejandro Magno desde su nacimiento hasta incluso cuarenta años después de su muerte de la mano de un narrador (Anthony Hopkins) quien a manera de redactar en escrito las bibliotecas de Alejandro, es el encargado de contar los hechos históricos que no fueron incluidos en imágenes. Hasta el momento todo realizado con corrección y apego histórico a fin de de dar introducción a los acontecimientos más importantes y a los "flashbacks" de la historia, por ùltimo el film se encarga de dejar en claro la imagen que la historia tomarà de Alejandro. 

El resultado arroja una imagen poco convincente vertida de los labios de su narrador quien no se decide si alabarlo, producto de su admiración, o engrandecerlo a fin de convertirlo en un mito. Los personajes centrales están pobremente delineados: Filipo como el rey, luce intermitente y caricaturizado, Olimpia como la madre de Alexander pareciera más digna de un personaje de telenovela y Aristóteles en su rol de narrador se vislumbra desdibujado. El personaje central de la historia, Alejandro Magno, se presume totalmente desalineado, sin una profundidad dramática que nos permita conocer los motivos por los cuales se convirtió en un líder indiscutido de su pueblo. Virtud que resulta difícil creer, si su carisma empalidece al vérsele tan dependiente de su madre a la que no sabe si ama y tan orgulloso de su padre al que no sabe si odia. 

Lo único rescatable al delinear su conducta resulta rescatar su acertada visión de estratega, aunque parte de esto se pierde por culpa de querer exacerbar su tendencia bisexual como si esto fuera mas importante que sus conquistas épicas y su influencia cultural en el desarrollo socio-histórico del occidente antes de Cristo.

La dirección de la película encuentra la marca registrada inconfundible de Oliver Stone: las escenas de batalla están registradas con crudeza y violencia. Osadas y espectaculares, apelan a un despliegue notorio de fotografía, montaje, ambientación y vestuario, logrando crear efímeros climas de una verdadera producción épica combinando colores y elementos mitológicos como metáfora de la realidad de su personaje. Resulta este factor uno de los pocos aciertos de su dirección, que mantiene un vertiginoso e inclaudicable ritmo, a pesar de sus tres horas de duración. 
El elenco esta malamente seleccionado: lo encabeza Colin Farrell en la piel de Alejandro, un actor que demostró que no està a la altura de semejante personaje en ningún momento. Mas aùn fuera de lugar lucen Angelia Jolie como su madre -quien en la vida real le lleva tan solo un año a Farrell- y Val Kilmer como su padre, en una breve actuación presa de las limitaciones del guión. Completan el elenco multiestelas Jared Leto como su amigo-confidente-amante, Rosario Dawson como su poco determinante mujer y un irreconocible Anthony Hopkins en su desperdiciado rol de narrador.

La determinación que muestra Stone para mostrar a su héroe en su máximo esplendor al momento de la batalla, la pierde por completo al intentar mostrar su endeble personalidad fuera de èstas. Ni siquiera un juego de cámaras apropiado contribuye a captar cierta magnitud de un Alejandro que aparece en demasía lacrimógeno y más aun contradictorio.

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jueves, 25 de abril de 2013

HOLLYWOOD - CRUZADA (Kingdom of Heaven, 2006) de Ridley Scott




 
IMPERSONALÌSIMO

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REGULAR


Difícil tarea para Ridley Scott en su segunda incursión en el cine épico emular la imponente y poderosa "Gladiador". Segundas partes casi nunca fueron buenas y el efecto post Gladiador se hace notar. Scott -uno de los últimos exponentes del cine de autor americano- reúne a todo el equipo técnico de la citada película y esta vez cita la historia mil años después de Cristo en un conflicto religioso entre islámicos y judíos en las cruzadas que emprenden para ganar terreno e imponer sus ideales, creencias y costumbres.

Balian, es un joven herrero francés quien ha perdido a su familia y está a punto de perder la fe. El destino llega en busca de Balian de la mano de Godfrey de Ibelin, un cruzado que está brevemente en su hogar en Francia después de haber luchado para mantener la paz en la Tierra Santa. Revelando ser el padre de Balian, Godfrey le muestra el verdadero significado de la Caballería al tiempo en que lo lleva de viaje hacia la mítica Jerusalén. A la muerte inesperada de Godfrey, éste le hereda a su hijo su espada y el juramento sagrado de proteger a los desvalidos, salvaguardar la paz y trabajar a favor de la armonía entre las religiones y las culturas. Balian toma la espada y da el paso hacia la historia.

Para analizar el guión hay un punto a tener en cuenta, Scott jamás parcializa en cuanto a la historia que pretende contar, se mantiene neutro asumiendo que hay buenos y malos en ambas partes y destacando el poder corruptible del ser humano por sobre lo inmaculado de las religiones, sea cual fuere. De todas maneras es el guión alterna buenas y malas con un balance final negativo: el comienzo de la historia es bastante torpe y apurado en su planteamiento, demasiado lineal en cuanto a presentación de personajes y de los motivos que llevan a estos a luchar por sus ideales, sin profundizar demasiado en una trama que a diferencia de "Gladiador" no presenta a un héroe salvador que destaque por sobre el resto sino a un grupo de hombres unidos luchando por sus ideas. 

El relato es lento y su enfoque se ajusta mas a un cine de tipo político mas que al épico característico, es decir, las batallas son mas dialécticas que de lucha cuerpo a cuerpo y luego de una lenta primera hora recién podemos ver el despliegue en batalla. Por eso es que "Cruzada" no es una película de entretenimiento, es una evocación a un tema que dividió a los humanos desde el comienzo de la era Cristiana y que todavía hoy tiene vigencia, dichos puntos de vistas reflejados sin contradicciones ni dobles discursos.

Para evaluar la tarea del director hay que citar el contexto en el que se encuentra el film. En los años '50 directores como Lean, Wyler o De Mille transformaron y moldearon el cine épico que convirtieron en una tendencia fuerte que retomo Gibson con "Corazón Valiente" a mediados de los '90, desde Moisés, pasando por Cleopatra hasta Espartaco grandes figuras de la política y la religión. Lideres de pueblos fueron reflejadas con puntos de vista muy personales de sus directores, siendo este el caso, esta realización de Scott parece algo mas impersonal, vacìo de pasión por algunos momentos y no del todo impactante en términos de combinación narrativa con lo visual. 

Se hace fuerte en la ùltima hora con escenas de combate donde deja ver todo su despliegue apoyado en rubros técnicos perfectos, pero sin dudas se esperaba mas de este film que no será recordado como lo mas destacado de su trayectoria, que tiene exiguos elementos como para convencer y seguir la línea en menor medida de "Troya", otro exponente dentro de lo poco presentable que deparo el cine épico post Gladiador, efecto que continuara hasta que la moda pasajera se agote.

El elenco sufre los mismos inconvenientes que parecen una tendencia epidémica en estas películas. Al igual que "Rey Arturo" o "Alexander", hay una irregular dirección de actores. En otros pasados y mejores tiempos no era fácil conseguirse un papel en semejante producción, hoy en día cualquier cara bonita le gana la pulseada al buen talento e intèrpretes como los insípidos Orlando Bloom y Eva Green pueden conformar una dupla actoral protagónica que hubiera sido mejor destinada a una telenovela romántica, si bien la gravitación de ambos no es determinante al film. 

Un héroe sin carisma ni valor se contrapone contra las -aunque intermitentes- intervenciones de figuras sólidas como Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Liam Neeson y Edward Norton que, curiosamente, aparece cubierto por una mascara y cuyo rostro no podemos ver a lo largo de todo el film.

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miércoles, 24 de abril de 2013

PROTAGONISTAS - MERYL STREEP (1949-)

 


 
LA ACTRIZ DEL SIGLO


Nació el 22 de junio de 1949 en Basking Ridge, Nueva Jersey (Estados Unidos) en el seno de una familia acomodada. Primogénita del ejecutivo farmacéutico Harry William Streep y de su esposa, Mary, diseñadora publicitaria. Con 12 años dio clases de canto.

Mientras realizaba los estudios secundarios, se sintió atraída por la interpretación y encarnó sus primeros papeles en producciones escolares. Más tarde estudió arte dramático en Vassar, hizo un curso de diseño de vestuario y guión en Dartmouth y se graduó en la Yale School of Drama. Después de interpretar papeles protagonistas en diversas producciones del Yale Repertory Theater, se trasladó a Nueva York y apareció con éxito en una serie de obras de Broadway. 

Meryl Streep ha interpretado una sorprendentemente amplia variedad de papeles en una carrera que ha transcurrido por su propio y singular camino, tanto en el teatro, como en el cine y a la televisión. Ganadora en dos ocasiones del Oscar y contando con un récord de trece nominaciones a dichas estatuillas, Streep nunca había actuado en un drama hasta su segundo año de universidad en el Vassar College, cuando consiguió el papel protagonista en la obra de Strindberg, "Miss Julie". Un programa de intercambio le llevó a Dartmouth, donde estudió escritura de teatro, así como también escenografía y diseño de vestuario. Tras graduarse en la Vassar, obtuvo una beca de la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale, donde se licenció y fue galardonada con el Premio Carol Dye Acting; siendo la primera mujer en la historia de esta universidad en recibir este honor.

Después de un verano con la O'Neill Playwrights Conference en Connecticut, Streep se mudó a Nueva York donde debutó en una producción de Joseph Papp para el Lincoln Center de "Trelawney of the Wells", con Mary Beth Hurt y John Lithgow. Las críticas empezaron a destacar en esa primera temporada su versatilidad, su imaginación y el amplio rango interpretativo que han sido señas de identidad de su carrera desde el comienzo.


Del Public Theatre pasó al Phoenix Repertory, donde, en producciones rotatorias, interpretó a una mujer sureña del siglo XIX en el melodrama sobre la Guerra Civil Americana, "Secret Service"; a una elegante secretaria en la obra de un acto de Arthur Millar, "Recuerdo de dos lunes", y a una desastrada prostituta en "27 vagones llenos de algodón", del dramaturgo Tennessee Williams. Por su virtuosismo, Streep ganó el Outer Critics Circle Award, el Theater World Award, además de recibir una nominación a los Tony. Trabajó en diversas obras en su primera temporada en Nueva York tras graduarse, incluyendo representaciones del New York Shakespeare Festival de "Enrique V" y "Medida por medida", dando la réplica a John Cazale y Sam Waterston.


Protagonizó en Broadway el musical de Brecht / Weill, "Happy End", y se hizo con un Obie por su interpretación en la producción de fuera de Broadway de "Alice en el palacio". Durante este periodo, también ganó el Emmy a la Mejor Actriz por su interpretación de una desesperada mujer germana en la polémica serie de ocho capítulos "Holocausto".

A partir de este momento, Meryl Streep comienza una larga y fructífera carrera al aparecer en numerosos títulos importantes de la época y conseguir prestigiosos premios por sus interpretaciones en ellos. 

En 1978, es nominada al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por ‘El cazador’, y un año más tarde consigue su primera estatuilla en esta misma categoría por su actuación en ‘Kramer contra Kramer’. A pesar de que al principio destacó más por su vis cósmica encima de los escenarios, Meryl ha sido reconocida más por sus papeles dramáticos y por interpretar a mujeres atormentadas y aparentemente frágiles. 

Con ‘La mujer del teniente francés’ (1981) y ‘La decisión de Sophie’ (1982), obtiene el Oscar de la Academia Británica y el Globo de Oro por el primer film, y el Oscar de Hollywood a la Mejor Actriz Principal por el segundo.

el cine de la novela de David Hare, y "Memorias de África" de Sydney Pollack, por la que fue nominada a un Oscar a la Mejor Actriz. A continuación rodó dos películas con Jack Nicholson: "Se acabó el pastel" de Mike Nichols, y "Tallo de hierro" de Hector Babenco, por la que fue nominada por séptima vez a un Oscar. Se fue a Australia para rodar "Un grito en la oscuridad" a las órdenes de Fred Schepisi, en la que interpretaba a la injusta y deplorablemente difamada Lindy Chamberlain, por la que ganó el Premio a la Mejor Actriz del Festival de Cannes, el del Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York, el Premio AFI y otra nominación a los Oscar.

Posteriormente obtuvo nominaciones a los Globos de Oro por su trabajo en el filme de Susan Seidelman, "Vida y amores de una diablesa"; y en "Postales desde el filo" (de nuevo con Nichols), dando la réplica a Shirley MacLaine. Por esta adaptación de Carrie Fisher basada en una novela suya, Streep recibió elogios por su forma de cantar y obtuvo otra nominación a los Oscars. Siguió haciendo comedias con Albert Brooks en su deliciosa meditación del juicio de un neurótico en el purgatorio titulada "El cielo, próximamente".

Tras regresar a los Estados Unidos desde Europa, donde rodó la película de Billie August, "La casa de los espíritus" basada en la celebrada novela de Isabel Allende, afrontó los retos físicos de una película de acción en "Río salvaje", bajo la dirección de Curtis Hanson, llevando a Kevin Bacon por los rápidos de clase IV de Oregón y Montana. A continuación, regresó a la pequeña pantalla, coproduciendo con el director Jim Abrahams y protagonizando el drama "First Do No Harm", por el que fue nominada a un Emmy por su interpretación de la madre de una niña epiléptica que busca terapias alternativas.

A principios de los '90 retorna al género de la comedia con ‘La muerte le sienta tan bien’ (1992), de Robert Zemeckis, después de que en 1979 diera vida a la ex esposa lesbiana de Woody Allen en ‘Manhattan’. 

Su papel de ama de casa aburrida en ‘Los puentes de Madison’ (1995) y de una profesora de música abandonada por su marido en ‘Música del corazón’ (1999), le valieron dos nuevas nominaciones a los Oscar en la categoría de Mejor Actriz.

En 2003, Meryl Streep se ha convertido en la actriz más nominada de la historia de los Oscar al obtener una nueva candidatura en la categoría de Mejor Actriz Secundaria por ‘El ladrón de orquídeas’. La actriz compartía hasta ahora el récord de nominaciones con la mítica Katherine Hepburn, que obtuvo 12 candidaturas en sus 48 años de carrera. Meryl Streep ya suma 13 y puede conseguir su tercer Oscar 20 años después de conseguir el segundo.

Tambipen en 2003, el trabajo de Streep en el filme "Las horas" le reportó el Oso de Oro a la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Berlín, junto con sus compañeras de reparto Nicole Kidman y Julianne Moore, además de sendas nominaciones a los SAG y a los Globos de Oro. Ese mismo año recibió un César Honorario por su carrera en París, donde también se le ha concedido el título de Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres, la medalla civil de más alto rango que otorga el gobierno francés. 

Al año siguiente, Streep apareció junto a Al Pacino y Emma Thompson en la epopeya de la HBO, "Ángeles en América", bajo la dirección de Mike Nichols, sobre la base de una adaptación de Tony Kushner de sus obras premiadas en los Pulitzers. Interpretando cuatro personajes, ganó por su trabajo el Globo de Oro y el Screen Actors Guild Award como Mejor Actriz.

Entre los trabajos más recientes de la Streep para la gran pantalla se pueden destacar "Mensajero del miedo", "Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket", ambas para Paramount; y "Secretos compartidos", con Uma Thurman. Próximamente se la va a poder ver en "A Prairie Home Companion", al lado de Lily Tomlin y Lindsay Lohan, a las órdenes de Robert Altman. Entre sus proyectos futuros cabe destacar poner la voz a la reina Aunt en el filme de Warner Bros., "The Ant Bully".

En 2012 Streep ganó su tercer Oscar, por su interpretación de Margaret Thatcher en el filme La dama de hierro (2011). Con este tercer galardón, Streep se convierte en la segunda actriz con más Oscar junto a Ingrid Bergman. En este aspecto, la intérprete que ganó más Oscar en la historia del cine fue Katharine Hepburn, con un total de 4.

Tanto romanticismo no le ha impedido, sin embargo, saber reírse de sí misma y hacer de la comedia otro registro lleno de sabiduría. Entre sus últimos papeles, haciendo gala de su sentido del humor, con papeles como el de estricta editora de un publicación de moda en “El Diablo viste de Prada”. 

A pesar de su virtuosismo ante las cámaras, y su bien conocido perfeccionismo, Meryl Streep ha luchado con encono para mantener lejos de la frivolidad de Hollywood su vida privada. Casada desde 1978 con el escultor Don Gummer, la actriz es madre de cuatro hijos. Diane Keaton dijo de ella: “Sin duda, es el genio de nuestra generación”. Basta con ver alguna de sus interpretaciones. 

Sus maestros de interpretación, años después de sus días de escuela, llegaron a la misma conclusion: nadie había enseñado a Meryl Streep, porque ella traía innato ese portentoso saco de talento. Muchos años más tarde, el nombre de Meryl Streep lleva implícito el aroma de un Hollywood dorado y la estirpe de sus años clàsicos, en el que se hacía imposible separar la belleza y la inteligencia de sus intérpretaciones, tan variadas y distintivas. 

Diva absoluta, dueña de una personalidad avasallante y cautivadora, capaz de encender con igual intensidad una pantalla de cine como un evento de alfombra roja. Streep no sòlo es la actriz màs destacada de Hollywood en el ùltimo cuarto de siglo; tambièn es la intèrprete màs premiada de todos los tiempos y reconocida, por unanimidad, entre sus colegas. 

Filmografía:
 
2012 Quiero a Mi Marido
2011 The Iron Lady
2009 It's Complicated
2009 Fantastic Mr. Fox
2009 Julie & Julia
2008 Chaos
2008 Mamma Mia!
2008 Doubt
2007 Evening
2006 Dirty Tricks
2006 A Prairie Home Companion
2006 Dark Matter
2006 The Devil Wears Prada
2005 Prime
2004 The Manchurian Candidate
2004 Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events
2003 Angels in America
2004 Flora Plum
2003 Stuck on You
2002 The Hours
2002 Adaptation
1999 Music of the Heart
1998 Dancing At Lughnasa
1998 One True Thing
1996 Before and After
1996 Marvin's Room
1995 The Bridges of Madison County
1994 The River Wild
1993 The House of the Spirits
1992 Death Becomes Her
1992 The Night Before Christmas
1991 Defending Your Life
1990 Postcards from the Edge
1989 She-Devil
1988 A Cry in the Dark
1987 Ironweed
1986 Heartburn
1985 Plenty
1985 Out of Africa
1984 Falling in Love
1983 Silkwood
1982 Still of the Night
1982 Sophie's Choice
1981 The French Lieutenant's Woman
1979 The Seduction of Joe Tynan
1979 Kramer vs. Kramer
1979 Manhattan
1978 The Deer Hunter
1977 Julia 

Premios
 
Premios Oscar

Mejor actriz
1982 • La decisión de Sophie
2011 • La dama de hierro
Mejor actriz de reparto
1979 • Kramer vs. Kramer
 
Globos de Oro     

Mejor actriz - Drama
1982 • La mujer del teniente francés
1983 • La decisión de Sophie
2012 • La dama de hierro
Mejor actriz - Comedia o musical
2007 • The Devil Wears Prada
2010 • Julie & Julia
Mejor actriz de reparto
1980 • Kramer vs. Kramer
2003 • Adaptation.
Mejor actriz - Miniserie o telefilme
2004 • Angels in America
 
Premios BAFTA     

Mejor actriz
1982 • La mujer del teniente francés
2011 • La dama de hierro
 
Premios Emmy     

Mejor actriz - Miniserie o telefilme
1978 • Holocausto
2004 • Angels in America
 
Premios SAG     

Mejor actriz - Miniserie o telefilme
2003 • Angels in America
Mejor actriz
2008 • La duda
 
Festival de Cannes     

Mejor interpretación femenina
1989 • A Cry in the Dark
 
Premios César     

César Honorífico
2003 • Premio a la Trayectoria Profesional

martes, 23 de abril de 2013

CINE INDEPENDIENTE - RETRATO DE UNA PASIÒN (Fur, 2006) de Steven Sheinberg




DEBAJO DE MI PIEL

* * *
BUENA
 
 
El film es una historia que gira en torno a la figura enigmática de Diane Arbus, una de las artistas más singulares de las décadas del ´50 y ´60 en Estados Unidos. En vida, fue una fotógrafa cuyo trabajo se centró en retratar a los marginales de la sociedad norteamericana, en muchos de sus trabajos aparecen fotografías dedicadas a niños con deformidades, gigantes, enanos, travestis, personas extravagantes, con ese toque de excentricismo y escalofrió que sabia darle a sus trabajos. 

Vale decir también, que esta biopic de ficción se basa imaginariamente en la vida y obra se Arbus para retratarla, pero no se centra en su trabajo y muchos eventos son recreados a fines dramáticos, es decir, la trama parte de una vertiene fantasiosa. La película esta dirigida por Steven Shainberg, realizador de “La Secretaria”, es un film para nada convencional cuya trama alcanza de forma pausada y por momentos insatisfactoria en su evolución. 

A veces poco estética y a veces intensamente erótica a la hora de mostrar cuerpos desnudos, la trama se encuentra sostenida en las espaldas de sus dos excelentes intérpretes, para concretar un film correcto que no llega a fascinar. La misma toca aristas que remiten al estilo del director quien apenas con dos films en su haber ya forja un lenguaje propio y una delicadeza notable para utilizar planos que sugieran ambigüedad sobre el enigma de estos personajes o bien apoyándose en la fotografía y cuidados rubros técnicos para insertar intriga y melodrama al film en torno al destino incierto de sus personajes, aun en cuotas insuficientes. 

Al igual que la ópera prima del director, “Retrato de una Pasión” es una historia de amor relacionada con los fetichismos e inclusive la sumisión femenina, pero que fue encarada desde otro ángulo respecto al film mencionado, donde el sadomasoquismo y la autosatisfacción giraban en torno a una faceta perturbadora y eminentemente sexual de sus personajes. Aquí el vinculo se crea y se desarrolla como una suerte de moderna y extraña visión de la Bella y la Bestia. 

A la vez que el enigmático personaje que interpreta el gran Robert Downey Jr. recién deja ver su rostro y su cuerpo al final del relato, mientras que el personaje de Nicole Kidman es una suerte de Madame Bovary contemporánea, una ama de casa que se revela contra los cánones de la vida en familia y rompe con la fidelidad matrimonial,  que se libera de todas sus ataduras y tabúes de la sociedad y se permite sentir, no menos entre desesperación y desasosiego, pese a ese tormento interior que refleja con naturalidad y oficio la interprete australiana y que remite a su gran trabajo en “Las Horas”, cuando personificò a Virginia Woolf.

Sin embargo, aunque esta película está basada en Diane Arbus, no es una biografía histórica. Arbus, que vivió de 1923 a 1971, es para muchos una de las artistas más importantes del siglo XX y a la vez un personaje de culto. "Retrato de una Pasión" es el homenaje a una brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía a través de su técnica y de sus temas radicales.

  
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lunes, 22 de abril de 2013

CLÀSICOS - RÈQUIEM POR UN LUCHADOR (Requiem for a Heavyweight, 1962) de Ralph Nelson






EL DOLOR DE YA NO SER


* * * * * 
EXCELENTE



Tras ser noqueado por Cassius Clay, Mountain Rivera se encuentra en el fin de su carrera. Dada su edad y las lesiones sufridas por su profesión su entrenador le recomienda que encuentre un nuevo trabajo. Sin embargo su representante necesita que vuelva a enfrentarse a Clay. Bajo esta trama, Ralph Nelson adapta la novela corta de Rod Sterling a la pantalla desde la obra de teatro que el mismo había dirigido un par de años antes y que tanto éxito le había traído. Y en este relato intimista, agridulce y de tonos grises es donde Nelson encuentra la mejor versión de la historia.

El desarrollo combativo de esta historia determina la lucha permanente por la supervivencia y la profundidad dramática que resulta el descenso a los infiernos de su protagonista. Con esta premisa, este film se convierte una de las mejores películas sobre el ambiente del boxeo jamás realizadas. 

El dilema moral que enfrenta su personaje consigo mismo se transmuta en su interminable coraje para seguir luchando es mas fuerte que las limitaciones físicas que le impone la edad. A tal dilema se suma el cuestionamiento moral que lo enfrenta a su manager, hasta el punto de humillarse a si mismo y salvarle así la vida; rasgos dramàticos que hacen de esta historia un drama deportivo impactante.

 Podría trazarse mas de un paralelismo con la brillante "Ciudad Dorada" de John Huston; a fin de cuentas este relato hablarà mas allá de sobre la carrera de un boxeador: desde su ascenso, su cúspide y su -por lo general- abrupto declive. Se centrarà en cuestionamientos éticos sobre la dignidad, los lazos de amistad y en un camino de redención que le pueda dar a este perdedor, autèntico errante de fracaso en fracaso, una segunda oportunidad.


Anthony Quinn -que por entonces estaba en la cúspide de su carrera y reemplazò al interprete original del papel, Jack Palance- se pone al frente del elenco con una interpretación para el recuerdo, en una caracterización brillante de un boxeador tosco, de facciones duras, carente de expresión y en las ultimas instancias de su vida deportiva. Donde sus habilidades se han deteriorado, pero su corazón de campeón y su situación penosa le exigen seguir adelante. 

Jack Gleason es su controvertido manager, Mickey Rooney será su fiel y honesto entrenador, Julie Harris es la mujer que lo encamina en la vida esperanzándolo con un futuro mejor. Por ùltimo -un gran gusto que se dan los fanáticos del boxeo- podremos ver a un muy joven Muhammad Ali y a un veterano Jack Dempsey haciendo de si mismos, lo cual engala de autenticidad a un film para completar el plato fuerte que èste ofrece a los fanáticos del arte del pugilismo.

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viernes, 19 de abril de 2013

CINE ARGENTINO - EL VIENTO (2005) de Eduardo Mignona




EL CINE INTIMISTA


* * *
BUENO



El dolor, la culpa y la búsqueda de la felicidad son los ejes de la historia de Frank, un campesino de la Patagonia que nunca salió de su pueblo. La muerte de su hija lo llevará hasta Buenos Aires para reencontrarse con su nieta Alina. Frank lleva consigo la noticia de la muerte de la madre de Alina, sus recuerdos y un secreto que había jurado no desvelar. La corta estancia de su abuelo renovará los lazos afectivos y permitirá a Alina recapacitar sobre su vida y sus sentimientos.

El creador de films tan diferentes entre si como "La Fuga" y "Cleopatra" vuelve a la pantalla grande con uno de los films mas esperados de la temporada cinematográfica nacional que a mediados de año todavía espera su primera gran película. Un director de trayectoria, una dupla actoral de primer nivel y una historia intimista y poco habitual en su filmografía son la promesa de un film que así y todo con sus imperfecciones se apoya en sus interpretes para redondear un balance positivo pese a no tener destino de gran película.

La película tiene un aire intimista, sencillo, sin demasiadas pretensiones pretende contar una pequeña historia dramática, a la manera que David Lynch lo hizo para su lograda road movie "Una Historia Sencilla", el film apela a la corrección argumental y a la justeza de sentimientos solo para cumplir, pero para trascender en una historia cuya emotividad no llega a alcanzar las dimensiones que el publico esperara. En sus mejores épocas Mignogna nos enternecía el corazón y nos inamaba a creer con films como “Sol de Otoño” y “El Faro”. En "El Viento"  todo es mas pausado, mas intimo, de poco dialogo; por eso es que parece mas frìo, distante y poco identificado con el publico. Pero así y todo tiene sus valores cinematográficos. 

El director nos acerca con su nueva película a dos mundos que parecen opuestos, pero que se encuentran íntimamente ligados. La juventud perdida en su indefinición, contrasta con la vejez que enfrenta su fracaso, así la historia va deviniendo en sus vetas dramáticas, los personajes se van conociendo, se van entendiendo, van cambiando y van aceptándose como familia, mientras cada uno resuelve sus problemas personales.

Mas allá del contraste generacional Federico Luppi y Antonella Costa son dos de los mas brillantes interpretes de sus respectivas generaciones. Luppi parece ponerse cada vez mejor con lo años y muestra fiel de esto es su excelente composición de un hombre al que Luppi sabe dotar de la rudimentarez y honestidad de un hombre de campo. Un duro por fuera, pero sentimental por dentro, que sabe querer a su manera. 

Al personaje de Costa también le cuesta expresarse, le cuesta encontrarse consigo misma, con su identidad, con su vida, hacer las pases con su pasado y aclarar su presente. Una de las actrices contemporáneas mas expresivas y carismáticas capta estos elementos a la perfección para componer a un personaje a su medida y sobresalir a pesar de las dimensiones limitadas que propone Mignogna.

Una receta probada de efectismo y justeza parece ser la que ensayò Mignogna para contar una historia austera. El buen clima dramático generado gracias a dos excepcionales actuaciones la condena a ser solo una buena película y el hecho de no animarse a romper el molde es la paràbola argumental que trazan dos personas que eligen el destino esquivo de sus vidas.


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jueves, 18 de abril de 2013

CINE INDEPENDIENTE - LA BALADA DE JACK Y ROSE (The Ballad of Jack and Rose, 2005)



 
CANTO A LA INOCENCIA PERDIDA


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MUY BUENA

  
Hace un tiempo conocimos de Rebecca Miller su film "Intimidades", una propuesta de tres episodios de corte independiente donde se podía ver un talento incipiente que retrataba sin concesiones un drama potente. Tres años después podemos ver una evolución de aquel talento que se insinuaba. Es el primer proyecto (largamente postergado por los últimos ocho años) que une profesionalmente a la nieta del celebre Arthur Miller con su esposo Daniel Day-Lewis. El intèrprete britànico es uno de los actores mas valorados de su generación, pero que desde hace poco menos de una década decidió espaciar (para lamento de quienes apreciamos su enorme carisma actoral) cada vez mas sus apariciones delante de pantalla.

Jack y su hija de dieciséis años, Rose, viven en una comuna abandonada en una isla. Desde la desintegración de la comuna, Jack ha protegido a su hija de las influencias del mundo exterior, pero ahora, una grave enfermedad de éste y el despertar sexual de Rose plantean cuestiones sobre el futuro. Cuando Jack invita a su novia Kathleen y a sus dos hijos a vivir con ellos, Rose se siente traicionada y la situación rápidamente se vuelve precaria. Rose actúa de forma irresponsable creando el caos. Mientras todo se sale de control, Jack se encuentra atrapado y se ve forzado a tomar medidas.
 
Al ver la película nos encontramos ante todo con una trama provocativa, que se atreve a jugar con el incesto, con pactos de sangre, con conductas perturbadoras, pero que dramáticamente cuenta con suficientes elementos como para constituir un modelo artístico de cine independiente moderno que sin tabúes para contar una historia no se pone limites y deja fluir ese descontento hecho ira o esa falta de compasión que el espectador pueda sentir por sus protagonistas. La pèrdida de la inocencia es el tema en cuestión: los sueños  de libertad que se perdieron con el tiempo, vistos con una mirada singular y polémica. 

Polémica que le huye a la corrección, incluso en un final cuestionable en cuanto a la ideología implementada, pero artísticamente inobjetable y la vez coherente con ese universo tan intimo que dos personas construyeron durante gran parte de su vida: a fin de cuentes el sueño no era tal, o era un error pensar que lo era. Para dejar el pasado atrás definitivamente había que dar un gran paso y en las escenas finales del desenlace el tiempo perdido se convierte en enseñanza y redenciòn. Ese momento fílmico vale oro, y bellamente captado es la metáfora poética perfecta para un final poco habitual en el remanido cine de estos días, despojado de todo tipo de convencionalismos. La autora se arriesga a mostrar de manera cruda y sin concesiones una particular relación entre padre e hija y detrás de esa pequeña historia hay una gran película que subyace. 

Para construir este mundo, Miller se apoya en experiencias personales que tendrán su acompañamiento ideal en la música de Bob Dylan y Nina Simone entre otras reconocidas voces de los rebeldes años '70 a los que honra el film. Gran parte de la buena suerte del film reside en su actor principal. Mas allá de un sólido elenco de reparto -Catherine Keener, Beau Bridges, Jena Malone- el hecho de que Daniel Day-Lewis sea el actor indicado para el rol protagonista parece evidenciarse a cada minuto de su meticulosa composición. 

El relato no depende demasiado ni se centra por completo en Day-Lewis -quien perdió varios kilos para el papel, un autentico reto actoral- pero su sobresaliente actuación es un sostén dramático fundamental para que el film produzca impacto. Su expresión y su lenguaje corporal desnudan a un hombre fuera de tiempo y de alcance emocional tan determinado como inútil en su obsesión por mantener a su hija y a si mismo en el mundo que ideò.

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miércoles, 17 de abril de 2013

HOLLYWOOD - NIÑOS DEL HOMBRE (Children of Men, 2007) de Alfonso Cuaròn






 EL LUGAR DONDE ESTUVO EL PARAÌSO
 
 
* * * * 
MUY BUENA

 
Resulta extraño, al menos, que un director mexicano filme una película de ciencia ficción apocalíptica con toques de thriller y rodada en Inglaterra. Como film globalizado y de naturaleza mixta, no extraña que Hollywood acapare a tanto talento latinoamericano surga en el planeta cinematográfico, Cuaron junto a Walter Salles o Alejandro González Iñárritu como los mas destacados, si bien el pasado de Cuaron en la meca del cine (universalmente conocido gracias al éxito mexicano (“Y Tu Mama también”) es mas extensivo y suma a “Grandes Esperanzas” de la novela de Dickens y una de las tantas aventuras de “Harry Potter”. 

El film retrata en un futuro cercano un mundo colapsado por el caos socio político y la infertilidad humana lo que intensifica la sensación  de incertidumbre por la supervivencia a tiempo donde las minorías étnicas y religiosas son reducidas a campos de concentración donde son reprimidos, haciendo nulo cualquier intento por rescatar a estos oprimidos del caos reinante y de un fascismo y xenofobia brutal. 

La Tierra transcurre el año 2027. La esperanza de futuro es un recurso que escasea. Hace 19 años que nació el último niño. Gran Bretaña, mediante una política militar imperialista, es el único país que ha conseguido acallar las luchas internas, pero a cambio debe soportar la continua llegada de inmigrantes ilegales a sus costas. Sin embargo, haciendo gala de una política dura y totalitaria, los refugiados son internados en campos y deportados. En medio de este règimen, una fuerza paralela lucha por retomar el orden y la libertad social: los miembros del casi mítico Proyecto Humano, a través del cual las mentes más brillantes del mundo se esfuerzan en formar una nueva sociedad.
 
Con una fotografía fría y de tonos plomizos, una puesta en escena que tiene ciertas reminiscencias de “Mad Max” y una cámara que en las manos de Cuaròn se torna inquieta en busca de diferentes angulaciones, que juega con la profundidad  de campo y que es capaz de deslumbrar con un plano secuencia que quedarà para la historia como no se recuerdan en el ultimo tiempo, llenando la pantalla de realismo, vivacidad y tensión. Frente al horror donde la violencia, esta parece ser la única vía de comunicación posible entre seres humanos que desconocen a los de su condición y donde la capacidad de tolerancia parece haberse perdido. 

El film se permite también reflexionar sobre el mundo de estos tiempos, repleto de escepticismo frente a los derechos humanos, el abuso de poder, la explotación y el porvenir sin esperanza alguna, ni siquiera para la supervivencia de una especie en extinción, la humana nada menos. Como metáfora de los efectos que la acción de la mano del hombre dispara sobre el planeta el film se plantea un futuro en las antípodas de una utopía que sueñe con un mundo mejor, por el contrario, esta existencia al borde del abismo muestra una Londres sombría y contaminada, donde la creación artística en su representación deja ver su faz sombría mas impactante, lúgubre y retrato de la degradación mundial. 

Con un final que deja abierto ciertos interrogantes de ciertas derivaciones que toma la trama y un elenco aprovechado en forma dispar, el film también se permite sus imperfecciones dentro de su grandiosidad. Clive Owen se muestra al nivel intenso y comprometido que suele entregar, la siempre notable de ver Julianne Moore  es rápidamente eliminada de la historia, el ascendente actor negro ingles Chiwetel Ejiofor suma talento al elenco y el gran Michael Caine agrega un papel de reparto de lujo màs a su notable trayectoria haciendo disfrutable cada escena en la que aparece dotando a su personaje de la vitalidad y la esperanza que su entorno carece. Ese especimen ùnico que se preserva a si mismo de un mundo terminal y en debacle vertiginosa.

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martes, 16 de abril de 2013

CINE EUROPEO - NOCHES MÀGICAS DE RADIO (A Praire Home Companion, 2008) de Robert Altman






 ALTMAN Y SU CURTAIN CALL
 
* * *
BUENA

No es una película más. Es una película de Robert Altman, con todo lo que significa. No es una película más de Robert Altman. Es su ultima; porque uno de los grandes maestros y precursores del cine moderno dejò de existir apenas estrenado el film. Desde su debut con “The Delinquents”, pasando por su consagratoria “M.A.S.H.” hasta llegar a “Gosford Park”, su ultima gran pincelada de talento para terminar con un final a toda orquesta como ese gran artista que fue y que se despide dejando una ultima cuota de magia describiendo un ambiente tan particular como la radio y sus infidencias, aunque distante del enfoque que Woody Allen supo darle en “Días de Radio”. 

De carácter irreverente, combativo, polémico y audaz, nunca se llevo bien Altman con los popes de Hollywood y con el sistema de estudios, será por eso que “Noches Mágicas de Radio” sea una de las grandes olvidadas a la hora de las premiaciones de la Academia. Es el espíritu de ruptura de Altman la única apreciación posible, si bien pese a cinco nominaciones a lo largo de su trayectoria, solo acabo recibiendo un Oscar honorario un par de años atrás.

"Noches Mágicas de Radio" nos adentra en las bambalinas de un popular show radiofónico que lucha por sobrevivir en la época de la televisión. Por este programa desfilarán toda clase de personajes, a cual más singular, que crearán las situaciones más grotescas. 
Como es costumbre en el cine de Altman, varias historias que se entrecruzan, ese tono nostálgico que caracteriza a la trama, algo así como una fábula coral con un elenco estelar (a la manera de “Vidas Cruzadas”) que nos muestra con gran melancolía y apego a la reflexión, el ultimo show en vivo de una de las radios mas importantes y tradicionales del momento. Altman sabe como hacer transmitir sentimientos a flor de piel de personas comunes y corrientes, casi como si no estuvieran frente a las cámaras (quizás lo mas light y descontracturado del relato) y se tratara de un ensayo. 

El motor del relato es la problemática que ocasiona el cierre de su estudio de transmisión adquirido por un inescrupuloso magnate. Lejos de la pasividad de su anterior realización, “The Company”, Altman entrega un film distinto, alegre, con soltura y convicción, de diálogos punzantes que dejan ver las relaciones que se establecen entre los distintos integrantes del show hasta los magníficos números musicales de melodías country pegadizas y muy disfrutables gracias al enorme talento de su elenco interpretativo. 

Meryl Streep, demuestra porque es quizás la mejor intérprete femenina de todos los tiempos, transita con holgura su personaje porque puede asimilar de manera brillante cualquier papel bajo cualquier circunstancia y deja bien en claro que es una actriz para aplaudir de pie. Lilly Tomlin y Lindsay Lohan se complementan muy bien, al igual que Woody Harrelson y John C. Reilly para sacar los momentos de mas chispa e ironía en los números musicales, mientras que Tommy Lee Jones y Kevin Kline encuentran papeles a su medida, Virgina Madsen, por su parte, es ese ángel misterioso que le entrega al film un aura mística. 

Todos los personajes, en una última noche mágica, lo dejan todo en el escenario, incluso en los nostálgicos y la vez alegres minutos finales donde las canciones se superponen a los créditosque arrojan por última vez el nombre del gran Robert Altman en una pantalla de cine. 

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