viernes, 30 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - EL RESPLANDOR (The Shining, 1980) de Stanley Kubrick





UN VIAJE HACIA LOS INFIERNOS
     

* * * * * 
EXCELENTE




¿Cuánto debe el cine a Stephen King? ¿Cuanto debe Stephen King al cine? El cine le debe incontables cantidades de historias que han sido adaptadas y aprovechadas por el gènero de terror o suspenso psicológico, que se ha nutrido de estas a lo largo de los años. Y el mismo King, uno de los más grandes autores contemporáneos, reconocido y valorado mucho antes de que sus obras llegaran a la gran pantalla, le debe al cine algo de su trascendencia y perdurabilidad. 
 
Los planos, la ambientación y la banda sonora, son elementos técnicos que hacen al tratamiento de un film y lo dotan de calidad. Un intelectual como Kubrick sabe como modelar la novela alrededor de una trama escalofriante, a la que pule como una autentica obra de arte tan lejana y distante de la mediocridad en que resultan los hoy maltratados films de terror en manos de directores novatos. 

Kubrick tiene la visión de cineasta y la habilidad de un autor como pocos  para condensar en esta adaptación la esencia filosófica de King con su propia visión del mundo y sus inquietudes, tan obsesivas como propias de un genio que plasma en la retina de sus espectadores sus miedos e inseguridades màs intrìnsecas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia en la oscuridad para provocar miedo o tensión. Economizando recursos, El Resplandor concibe un suspenso tan extraño como inquietante y sobrecogedor.

Kubrick tal un artesano articula y manipula el film de forma oscura y macabra. Una sucesión de hechos nos anticipan lo inquietante y enigmático y una atmósfera opresiva se adueña del relato. Lo cotidiano se transforma en sobrenatural para que la premonición, los fenòmenos paranormales, la anticipación de la tragedia y los malos pensamientos simbolicen a lo largo de todo el film la mirada de Kubrick sobre el mal, dotada de extraña belleza. 

Si bien muchas de sus adaptaciones han caído en manos de directores novatos, hay unas cuantas que rescatar, pero por sobre todo una para enmarcar como autentica obra maestra cinematográfica, y esa es “El Resplandor. El rostro de Jack Nicholson, nunca más aterrador en la piel del inolvidable Jack Torrance y sus inquietantes trastornos de personalidad, se adueña de la escena con un plano para la antología y con el cual se asocia al film desde entonces.

Así como el autor revolucionara el cine de ficción con 2001, Odisea del Espacio el cine de terror de los ‘80 marcaría un hito con este film. Luego llegarìa Nacido para Matar”, que harìa lo propio con el género bélico. Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia que reviste la historia como nunca antes, trasladada a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino concibe algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. 

jueves, 29 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - BARRY LYNDON (ìdem, 1975) de Stanley Kubrick




HISTORIA DE UN HOMBRE QUE 
LO TUVO TODO Y ACABO SIN NADA



EXCELENTE 
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"Barry Lindon" es, quizás, una de las más impresionantes reproducciones de época que se hayan logrado. Stanley Kubrick se interna en el drama de época al contar la historia de un descendiente de familia campesina que aspira a ser caballero de la nobleza y que emprenderá todo tipo de conductas con tal de llegar a su objetivo. Claro que el camino será largo y deberá sortear los más imprevisibles obstáculos. 

Adaptación de una novela del escritor inglés William Tackeray, Barry Lyndon, relata la historia de un joven irlandés ambicioso y sin escrúpulos, se ve obligado a emigrar a causa de un duelo. Lleva a partir de entonces una vida errante y llena de aventuras. Sin embargo, su sueño es alcanzar una elevada posición social. Y lo hace realidad al contraer un provechoso matrimonio, gracias al cual entra a formar parte de la nobleza inglesa del siglo XVIII.
 
El guión de la película es brillante: la historia que logra contar y las forma en que lo hace resulta apasionante, abarcando un relato que se desarrolla a lo largo de los años. Consigue adentrarnos en una época tan distante como brutal, logrando delinear de manera brillante a sus personajes, sus acciones y su pensar; todo muy acorde a aquellos tiempos tan disímiles y radicales. 

Su proceso narrativo es no menos excelente al contar las distintas etapas en la vida de su personaje, lo cual no hace màs que generar interés a medida que avanza la historia. Existen giros en la trama que resultan muy oportunos que ya sea por su dramatismo o por su crueldad moral logra impactar de manera veraz. Para estos fines, la dirección de actores de Kubrick es genial. El elenco del film lo encabeza Ryan O'Neal ("Love Story") quien logra una de las mejores interpretaciones de su carrera al componer a un personaje  ávido de poder, reconocimiento y gloria. 
   
El autor aporta sus marcas registradas, imprimiendo al relato un ritmo cadencioso, con sus pausas necesarias, gracias a su perfecto manejo de tiempos y climas. Hay un evidente esfuerzo en la cuidada ambientación, con una escenografia destacada que sitúa la historia en siglo XVI. Dado este marco para la historia hay también un gran uso del vestuario, del maquillaje, la mùsica y la caracterización fìsica de sus personajes, elementos técnicos que enriquecen y aportan sutilidad a la misma. 

El resultado del film es un autentico clásico del gènero, trascendente al tiempo y referente de la filmografía más selecta de su director. Consagratoria, apabullante, polémica y controvertida son algunos adjetivos que resultan de este film, y que ademàs, caracterizan tan bien a las obras de su director.

miércoles, 28 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - LA NARANJA MECÁNICA (An Orange Clockwork, 1971) de Stanley Kubrick








   
 TIEMPOS VIOLENTOS
(O LA 9na. SINFONÍA DE KUBRICK)



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EXCELENTE



Magníficamente adaptada de la novela de Anthony Burgess, Stanley Kubrick se propone mediante "La Naranja Mecánica" desenvolver la naturaleza de la violencia por medio de una sátira pseudo futurista, oscura e irónica. A manera de comedia negra presenta una radiografía incontrastable de la violencia en la sociedad de estos días, en un film de alto contenido polémico y aún más importante por su implicancia como proceso de un cine -el de los '70- que marcó a fuego una época de renovación y transición a lo largo de la historia de la cinematografía mundial.

Consecuentemente a este paradigma de cine violento y transgresor, fue estrenada con solo una semana de diferencia que la igualmente chocante y repulsiva "Perros de Paja". El tiempo la convirtió en un clásico del cine que trascendió y marcó un hito por su representación socio cultural, un lujo que esta a la altura de sólo un puñado de películas que han logrado semejante profundidad artística.

El resultado es un film que destaca el decaimiento y caos cultural de la época y del periodo abarcativo desde fines de los '70 a principios de los '80, combinando estilos clásicos en el vestuario y maquillaje a estilo futuristas en la ambientación. Su visión de la ultraviolencia a ritmo de la música clásica da como resultado una encarnizada sátira de una sociedad futura consumida por la violencia y el salvajismo. Kubrick en estado puro, con sus sus virtudes, excesos, desmesuras y caprichos.
 
Si un par de años atrás Kubrick se mostraba como un autentico visionario con su "2001, Odisea en el Espacio", en esta ocasión su visión futurista no parece tan lejana. Con una moral ambigua y una violencia explicita hasta el detalle el autor nos cuenta una sátira plena de sarcasmo, donde logra sacar humor de situaciones atípicas que van desde el absurdo a la brutalidad absoluta. Kubrick pone el acento en una Inglaterra donde otra vez la ambigüedad juega su juego entre la estupidez extrema de la política y la violencia siniestra de los delincuentes, como dos ejemplos del mundo al que se atreve a abordar y juzgar. 

Con una temática que no había sido tratada en el cine hasta el momento, lo que resulta una experiencia novedosa y única, el realizador nos pone en la piel de su protagonista: "La Naranja Mecánica" narra las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su tremenda agresividad y lo consigue disfrutando a expensas de la tragedia y la desgracia de los demás.

Estéticamente el film es igual de osado que desde su narrativa, con gran riqueza de elementos que van desde una lírica muy oscura a una grafica perturbadora. Desde su puesta en escena sobrecargada hasta la fotografía elegida sugieren un desorden y una alteración ultra violenta que van en conjunto con la temática del film y con su notable icono representativo, el personaje de Alex. En la piel de Malcom McDowell, en el mas importante papel actoral de su carrera, un jóven aristocrático, anti-héroe perfecto: de conducta perturbadora, sexópata, cínico, sadista y erigiendo la violencia como norma de su existencia.  

Kubrick, un auténtico provocador que deslumbra los sentidos y la mente, ejerce una demostración de fortaleza autoral que hace de su persona un verdadero genio del cine. Inobjetable desde lo estético, el film ha cobrado magnitud de obra de culto: polémica, extraña, agobiante, desagradable y magnética.



Clip - escena incial:



martes, 27 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - DR. INSÓLITO (Dr. Strangelove, 1964) de Stanley Kubrick



LA CÚSPIDE DEL DOBLE SENTIDO


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EXCELENTE



Film de culto para los seguidores del genial cineasta Stanley Kubrick, "Dr. Insólito" representa un auténtico y audaz reto para su creador, que se animó a jugar con los alterados ánimos de una sociedad que por aquel entonces se recuperaba de la polémica por los mísiles cubanos, se asustaba ante la amenaza de la bomba nuclear y convivía con el fantasma de la Guerra Fría.
Estos elementos toma Kubrick para, en tono de comedia satírica, hacer convivir militares en crisis y científicos desequilibrados, para preguntarse que pasaría si "la persona equivocada presionara el botón equivocado", tal el lema del film a la carrera contrarreloj para desactivar la bomba y evitar la catástrofe.
Sátira impactante en su momento, acerca de la guerra fría y la locura militarista, con la increíble actuación de Peter Sellers quien encarna tres delirantes personajes: al presidente de los EE.UU., un militar británico y un demente científico pro-nazi, que ha creado una nueva forma de bomba atómica. Un clásico con referencias totales a lo fálico como objeto de poder, sometimiento y domino, su esencia delirante se devela en su notorio subtítulo "Como aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba".
Combinando la paranoia y el temor permanente de "El Embajador del Miedo" y la sátira desfachatada de "M.A.S.H.", "Dr. Insolito" se ubica a mitad de camino de ambas obras como una de las mejores sátiras jamás realizadas. Se le reconoce como virtud su originalidad argumental que en este caso ofrece memorables líneas de dialogo y monólogos para el recuerdo. A pesar de que por entonces Stanley Kubrick era una talentoso cineasta pero que todavía no había llegado a su mejor época, se pueden notar fácilmente a lo largo del films varias de las marcas registradas que caracterizaron al director a lo largo de su filmografía.

Desde el estilo visual psicodélico hasta el irónico e icónico uso de la música, dos elementos que se unen en la antológica imagen donde la base de la Fuerza Área es atacada promediando la película. Es el exquisito manejo del arte audiovisual entendido como un lenguaje, paradigma de aquella antológica escena donde juega un papel fundamental la impresionante fotografía en blanco y negro en la que esta rodado el film. La puesta en escena resulta un prodigio de imaginación visual, indispensables para  semejante obra maestra absoluta, divertida y angustiosa en iguales proporciones.


El casting y dirección de actores, al igual que un buen delineamiento de los personajes en diversidad e interés, se evidencia en la brillante triple interpretación de Peter Sellers. George C. Scott en uno de sus mas recordados papeles, el habitual colaborador del director Sterling Hayden y el debut cinematográfico del gran interprete afroamericano James Earl Jones, completan un reparto de lujo.
Irreverente Kubrick, combina sin escatimar cinismo y sátira, dos características comunes a lo largo de su temprana obra, a la vez que nos introduce de manera muy efectiva a su forma de comprender y hacer humor. Abordando un género no se repetiría en su carrera como director, el autor cumple con su objetivo de entretener y a la vez despertar el pensamiento y la polémica.
La más demoledora sátira sobre la guerra fría y el peligro atómico de la historia del cine, cobra vida de la mano del genio desbordante de su autor, quien en cada secuencia alterna farsa y drama, haciéndonos creer su propia parodia. Crítica ácida y apabullante, validada en su dominio técnico para relatar esta delirante odisea de caos político mundial. Dr. Insólito" es un provocador e inteligente film que utiliza el convulsionado contexto socio-político de aquellos días para beneficio propio.

lunes, 26 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - CASTA DE MALDITOS (The Killing, 1956) de Stanley Kubrick

 


EL GOLPE PERFECTO


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EXCELENTE



Pocos años le llevó a Stanley Kubrick en su carrera de director para revelarse como un autentico autor, audaz y provocativo con un estilo definido y probado. Gracias a su brillante Casta de Malditos, el film que lo catapult al estrellato y al reconocimiento, Kubrick concibe un genial film explotando al máximo la imaginación del gran novelista Jim Thompson y su colaboración sobre la historia.

Kubrick en Casta de Malditos perfecciona todos los arquetipos del cine negro: el mundo del la mafia, sus códigos de honor, un golpe criminal y una traición: Johnny Clay, un expresidiario, ha decidido dar el último golpe de su vida: llevarse la recaudación de un hipódromo. Selecciona meticulosamente a sus colaboradores, y planea la estrategia del asalto con precisión insospechada.

 Un obsesivo de la perfección, meticuloso hasta el más mínimo detalle, se ve claramente la mano de Kubrick al ambientar este film noir con una atmósfera lúgubre y oscura. Un arquitecto cinematográfico, el realizador neoyorkino construye un film que narrativamente resulta insuperable. Así Kubrick refleja la novela original de Lionel White y, mediante esta fuerza tanto narrativa como visual, el póstumo autor de Ojos Bien Cerrados” Kubrick aborda con resonancia y contundencia el cine policial.

Sumado al innovador tratamiento y usos del tiempo para la época, Kubrick se vale de varios puntos de vista de diversos personajes sobre un hecho en común, que brindan al filme otra característica que lo enriquece, generando múltiples disparadores narrativos. Kubrick juega con el tiempo a su antojo ralentizándolo, acelerándolo y deteniéndolo por completo para estructurar a la perfección su relato.

Su propia dupla interpretativa -los brillantes Joan Crawford y Sterling Hayden- dan vida a sendos personajes con antagónicas motivaciones que derivan en lo variado y mixto de una trama llena de suspenso e imprevisibilidad acorde a los requerimientos del género. El espectador llega a sentir a la vez simpatía y compasión por estos delincuentes, dado que sus problemáticas son algo que no resultan extraño o ajeno, sublimando incluso la obtención del dinero como medio delictivo a sus fines.

 En cuestión de pocos años, más tarde vendrían "2001, Odisea del Espacio", "La Naranja Mecánica" o "Barry Lyndon" para acrecentar el mito. Sin embargo, tiempo antes y desde El Beso del Asesino”, Kubrick se convierte en un especialista en reinventar ciertos recursos propios del cine noir, también atando puntos en común con la contemporánea e icónica La Jungla de Asfaltoy una docena de títulos de igual calibre, en tiempos de oro para el género.

domingo, 25 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - EL SUEÑO DE CASSANDRA (Cassandra's Dream, 2007) de Woody Allen

 


LA PRUEBA MORAL


* * *
BUENA


 
Woody Allen sigue reinventándose año a año. Como Pedro Almodóvar que estrena un film por temporada o a la altura de otros grandes eternos e inclaudicables  como Clint Eastwood, para confirmar que la fecha de nacimiento no es un síntoma de agotamiento. Y en su afán de continuar vigente Allen sigue apostando a modificar la forma en que el patentó ciertos subgéneros.

Como lo hiciera en “Match Point”, aquí si bien con menos brillantez pero no por eso sin lograda eficacia, cumple al insertar un fondo dramático espeso en una historia de suspenso. Lejos de la comedia pensante, irónica y ácida como sus recientes ScoopoMelinda y Melinda”, el autor narra la historia de Ian y su hermano menor Terry. A pesar de sus apuros económicos, ambos adquieren un velero de segunda mano llamado "El Sueño de Cassandra", con la idea de acondicionarlo y navegar en él los fines de semana.

La debilidad de Terry por el juego provocará que ambos hermanos confluyan en un callejón sin salida en el que su situación financiera será extremadamente delicada. La sorpresiva aparición de su tío Howard, recién llegado de Estados Unidos y con un pasado aparentemente repleto de éxitos económicos, supone un alivio para la economía de los hermanos. Pero todo tiene un precio y Howard les obligará a infringir la ley, poniendo a prueba su catadura moral, y provocando una serie de acontecimientos que darán lugar a consecuencias inesperadas.

Woody Allen continua con su travesía europea y ya lejos de su natal Gran Manzana, elige nuevamente El Viejo Mundo para concebir“El Sueño de Cassandra”. Con esta película el veterano realizador ofrece un intenso drama sobre dilemas morales, de realización sobria, se encumbra en uno de los trabajos más oscuros y sombríos en la filmografía de Allen. En medio de la densitud y la desesperanza, el film encuentra puntos en común con la aun superior Crímenes y Pecados(1989), donde también dos hermanos se veían inmersos en una trama criminal.

Nos encontramos aquí, dos décadas atrás, con un Allen también oscurecido que adentra su conciencia sobre delitos y culpas con acierto en el terreno del suspenso. Al igual que en “Match Point”, aquí no hay lugar para la comedia y con ese aire clásico de la literatura de Dostoevsky y su obra “Crimen y Castigo” -que también estuviera omnipresente en la citada película- el film forma su identidad.

Como en cada film del director neoyorquino, se nos presenta un gran elenco, fluido y heterogéneo. Para Collin Farell será el trabajo más ambicioso de su trayectoria, en una sorprendente dupla actoral que conforma con Ewan Mc Gregor, siendo el debut para ambos a las órdenes de Woody. Con contundencia y un papel a la medida de ambos, de igual merito resulta la gran dirección de actores de Allen, otorgando preponderancia al misterioso rol que juega el siempre eficaz Tom Wilkinson.

La deuda pendiente de Woody Allen quizás sea un personaje femenino fuerte y atrayente -como lo fuera su musa inspiradora en los últimos años la impactante Scarlett Johansson- que en otros tiempos se convirtiera en la pieza central de su relato. Un final que resuelve el film de forma un tanto menos pretenciosa que en otras ocasiones, su previsibilidad lo hace un tanto por debajo de las expectativas, inclinando la balanza hacia cierta cuenta pendiente del autor para con su más reciente obra.

Si comparamos la presente con Match Point”, encontraremos un film con mas nerviosismo, tensión y carga emocional, cuyo abrupto y tajante final era el punto mas álgido de una pieza llena de maestría. El Sueño de Cassandrapresenta destellos del mejor Allen, aún suficiente dosis de talento necesaria para redondear un film sobrio, inquietante y satisfactorio.
 

sábado, 24 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - MATCH POINT (ídem, 2005) de Woody Allen (v.1)



LA MORAL ES UN JUEGO DE AZAR
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EXCELENTE


Será el cambio de aire por el que, después de muchos años, dejó su adorada Manhattan para filmar en Londres, así como eligiera Paris para "Todos Dicen te Quiero". Se vislumbra un film distinto, donde falta la quintaesencia de las películas de Allen: su añorada Nueva York. Desde Match Point en adelante en su filmografía, el multifacético realizador retoma su mejor forma quizás un poco más animado en el viejo continente que lo recibe de brazos abiertos como contrapartida de las exigencias de los estudios americanos.

Con Match Point volvió el mejor Allen, dicen algunos especialistas. Y no existe otra alternativa que aprobar dicha afirmación y rendirse a los pies del genio. Sin culpa y bajo la perfecta concepción de un film que habla de nuestros instintos más bajos. Con rigor dramático expone las infidelidades, las dualidades del amor, las miserias humanas, las culpas de la conciencia, de la suerte que juega el destino en el curso de la vida, del limite casi imperceptible que separa lo exitoso de lo trágico.

Todos estos elementos narrativos se enlazan perfectamente para conjugarse y para plasmar la ambición desmedida de un joven por crecer en medio de la sociedad aristocrática británica, que en su afán por abarcarlo todo acaba quedándose sin nada. Bajo esta premisa, "Match Point" narra la dramática historia del ascenso en sociedad de este jóven y de las terribles consecuencias de su ambición, cuando el protagonista se debate entre el deseo hacia dos mujeres.

Al igual que en una de las numerosas citas del film al "Crimen y Castigo" de Dostoievsky, acá hay crimen, pero no castigo. Y existe un debate moral abierto desde el momento en que el personaje central masculino compromete su conducta y su ética cada vez que se adentra aun más en sus pasiones, hasta perder el control por completo de su vida. Allen por su parte sabe como dotar a su film de un tono oscuro, sombrío y lúgubre, donde abundan los ritmos pausados e intimistas, cercano a la maravillosa "Crímenes y Pecados".
"Match Point" resultará un film atípico en la filmografía del gran Woody, pero al mismo tiempo de visionado imprescindible, de gran profundidad conceptual que en su cuestionamiento existencialista, deja ver la mano reconocible del autor para, mediante su habitual lenguaje cinematográfico, encadenar eventos que convierten al film en una atrapante experiencia cinematográfica acerca de la conciencia de nuestros actos y las consecuencias de los mismos, cuyo destino parece estar escrito.
 El prolífico cineasta sabe como impactar con diálogos punzantes, dibujar personajes que ocultan más de lo que muestran y otros que, libres de culpa y cargo, se dejan ver amorales y despiadados. Se extrañará su típica música de jazz; ahora los acordes pertenecen a sonatas operísticas que acompañan durante todo el relato, llegando a un crescendo tan impactante como atrapante en los momentos de mas tensión.
 Allen recurre a un dúo protagónico de actores jóvenes y talentosos para liderar su siempre nutrido y cuidado elenco. La bella Scarlett Johansson es su nueva musa inspiradora: sensual, sugerente y provocativa. Johnattan Rhys Meyers, por su parte, es un complemento inmejorable para un papel que compone con la convicción e intensidad actoral en expresión emotiva y gestualidades corporales.
Su culminación viste mejor que nada el espíritu trágico del film, sin el más mínimo atisbo de comedia, pero con la marca sin fecha de vencimiento alguna de un auténtico genio del cine. Match Point es un film construido con la paciencia y la dedicación de un maestro que sabe reinventarse, incluso a estas alturas de su carrera. También incluso en estos tiempos, que no invitan a pensar, y donde el cine de Allen siempre será bienvenido.

viernes, 23 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO (The Purple Rose of Cairo, 1985) de Woody Allen

Image of The Purple Rose of Cairo, year 1985 



EL PODER DE LA FASCINACIÓN

      
 
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EXCELENTE 



En esta película del inigualable e incomparable Woody Allen, nos sumergimos en una de las obsesiones y pasiones mas personales del director: el cine y su amor por este arte. A manera de una comedia con toques de nostalgia y melancolía, donde no vemos a los clásicos personajes con sus problemas existenciales y monólogos neuróticos que caracterizan la fauna alleniana y su entorno urbano, sino esta vez a personajes bizarros inmersos en un metarelato en contexto del amor por el cine, reflejando el poder mágico de la pantalla. 

En su recorrido interior La Rosa Púrpura del Cairo representa la ansiosa búsqueda y posterior descubrimiento, entre sus profundidades temáticas de lo conocido y lo inesperado. Como en un viaje hacia una aventura, el autor traspasa el umbral de lo establecido con misterio y ensoñación, siendo manejos formales de sus desbordantes recursos dramáticos y una inagotable repercusión de brillantes ideas que Woody Allen traza, tras su huella autoral, como una declaración de principios.

Mas allá del cinismo presente en alguno de sus personajes, el film no llega a ser una sátira convencional, puesto que la conclusión de la historia esta despojada de tal característica. Por el contrario, existe una sincera vulnerabilidad que los humaniza. Los personajes de Woody Allen son solitarios, depresivos, corazones rotos y enamoradizos. Se hechizan por su atractivco, se buscan a si mismos, se encuentran reflejados en el otro y confunden la ficción con lo vivido.
 
En su análisis de pensamiento sobre los limites de la ilusión se desliza la posibilidad de que la ficción pueda mas que la realidad para salvarnos de ésta, cuando la ultima se torna insostenible. A tales efectos, insiste Allen en el poder mágico y revitalizador del cine y entre frases memorables y citas convertidas ya en clásicos, las cuales nos transportan a un mundo imaginario del que no quisiéramos salir nunca. Un mundo agridulce y nostálgico con un aire a su posterior "Alice", otra gran fábula cinéfila.

Un trío de actores de primera dirigidos a la perfeccción, nunca estuvo más brillante en pantalla. Mia Farrow como una pobre camarera de bar que lleva una vida rutinaria y padeciente y que solo con sus héroes de película se permite soñar y salir de la monotonía. Jeff Daniels como el cálido seductor mezcla de hombre ideal y romántico con el patético ser real, una estrella de cine arrogante y llena de cinismo. Y por último, Danny Aiello en la piel de ese hombre sin sin rumbo, esperanzas ni destino, convertido en un marido rudo, abusivo y cruel.

En un mundo de fantasías hacia donde transporta a su espectador, Allen se vale de su arte expresivo que condensa movimientos y vida propia. Allí se encuentra el genio concibiendo su ideal, haciendo equilibrio para nivelar la delgada línea que separa fantasía y realidad. Como si fuera una experiencia extra sensorial, La Rosa Púrpura del Cairo está llena de imaginación, inteligencia y sentido del humor al más puro estilo de su realizador. Comedia de lujo convertida en mítico largometraje del cine dentro del cine.

 

jueves, 22 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - HANNAH Y SUS HERMANAS (Hannah and Her Sisters, 1986) de Woody Allen



 


TODO QUEDA EN FAMILIA

       

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EXCELENTE

 

Tres hermanas de diferentes caracteres, hijas de un maduro matrimonio de actores, tienen vidas entrelazadas. De manera similar a como lo hizo en "Comedia Sexual de una Noche de Verano" o luego en "Maridos y Esposas" donde confrontò a diferentes matrimonios amigos entre si y sus cuestionamientos en lo referido a la relación de pareja, el autor aborda los contrapuestos caracteres del trìo femenino.

"Hannah y sus Hermanas" encuentra su mayor punto de atracción en lo humano y cotidiano de sus personajes: sus deseos, sus necesidades y sus dudas, que lo hacen fácilmente identificables con el pùblico. Además de esta permanente dualidad expuesta en sus ambiguos retratos, existen climas màs cercanos al cine de Renoir o de Bergman, donde el cineasta parece encontrar inspiración para rendir cierto tributo.

Woody Allen no deja de ver el mundo exterior y sus implicancias en el pequeño y férreo núcleo social que analiza. Mas allá de esta percepción general hay, como siempre en su obra, la particularidad de plantear a su manera, y en este caso con alguna reminiscencia de Chejov, los dilemas emocionales de sus personajes, la conciencia de dolor y de culpa y las líneas humorísticas que suavizan el relato. 

Sin embargo, a diferencia de las citadas película hay una utilización del recurso de flashbacks y de historias paralelas, lo que hace compleja la narración, entrelazada con su habitual maestría y oficio. Como aditamento al contexto, Allen sabe dotar su siempre excelente elección musical para combinar tonos de jazz, opera y clásica. 

El elenco del film se complementa para cada uno ocupar su lugar y funcionar a la perfección. Cubriendo a una gama emocional más abarcativa que de costumbre, el propio Allen se quita protagonismo en su clàsica composiciòn de ese minùsculo e hipocondrìaco hombrecito traumatizado, dando màs peso al personaje de Michael Caine como un infiel aventurero y en menor medida al genial Max Von Sydow

El trío femenino de la película cuenta con Mia Farrow, Barbara Hershey y Dianne Wiest, en el rol de tres hermanas conflictuadas en medio de los vaivenes de las relaciones matrimoniales, potenciando una estructura narrativa que sin dudas favorece el aporte de estas intèrpretes y se hace fuerte en contenido y forma.

"Hannah y sus Hermanas" es un mosaico de Manhattan donde se muestran amores, infidelidades y relaciones de pareja. El realizador neoyorkino, un autentico poeta de las relaciones humanas de edad mediana, con una comedia cálida y perceptiva, inteligente y profunda, aborda una vez mas las clases temáticas que son su obsesión.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

CINE DE AUTOR - MANHATTAN (ìdem, 1979) de Woody Allen



EL AMOR Y LA CIUDAD


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EXCELENTE

 

Esta obra representa la cúspide cinematográfica para Allen, el punto mas alto de toda su carrera en nivel de calidad de y reconocimiento del pùblico y de la crìtica. Un autentico clásico contemporáneo, en "Manhattan" Allen plantea un mundo autodestructivo, el miedo a la muerte y analiza las relaciones de pareja y el sexo con su siempre irónica percepción. 

Amantes, amorìos, amistades y enamorados confluyen en la trama donde, para su protagonista representa el comienzo de la búsqueda del amor verdadero y de la realización de uno mismo, en medio de una ciudad donde sexo  e intimidad son valores relativos.

Una impecable fotografía en blanco y negro retrata mejor que nadie, y como nunca, la belleza expresiva de una Nueva York única que en su escala de grises refleja el caleidoscopio que la condición humana representa para su creador. Pura poesía en imágenes, la ciudad cobra vida y sus interpretes protagonismo. La infaltable y clásica música jazzista reviste al film con otro de los sellos característicos del director, pura poesía en acordes.

La puesta en escena es igual de lograda, con fantásticos planos secuencia que en su amplitud captan la profundidad adonde el cineasta nos transporta con sus dudas, sus desengaños, sus reflexiones e ironías, que abundan en su particular estilo visual y narrativo siempre dejando un lugar para la sorpresa y el entretenimiento. La ciudad cobra un protagonismo inèdito y es la anfitriona perfecta para semejante funciòn de lujo.

El relato encuentra una estructura que se basa en diálogos recurrentes repletos de ironía, citas intelectuales y referencias mas que originales para retratar los amores y desamores de estos personajes que saben expresar sus decepciones y sus arrepentimientos. Woody nos alecciona acerca de estos sinsabores sin sentimentalismo ni moralinas, lección que deberían aprender varias de las comedias románticas de hoy. El realizador sabe de lo que habla y esta vez su visión de la búsqueda del amor verdadero y de la realización personal es tan conmovedora como ocurrente. 

Allen se pone a sì mismo al frente del reparto para interpretar ese personaje tan clásico y entrañable que ha dado vida en cada uno de sus films. Diane Keaton, es una vez màs, su musa inspiradora y el objeto de deseo de Allen, mientras que Mariel Hemingway compone bellamente las tribulidades de una adolescente en un rol consagratorio que jamás podría volver a igualar. Meryl Streep, por su parte, completa el elenco en una de sus primeras apariciones en pantalla que la encuentra muy joven y un talento interpretativo notable.

Luego de sorprender a la critica especializada con “Annie Hall” (1977) y de profundizar aun más en temáticas dramáticas en "Interiores" (1978), el autor logra superarse a si mismo una vez màs, colocándose una vez màs a las puertas del Oscar. Dejando de lado su etapa de comedia delirante de sus primeras obras, coloca delante del espectador la dualidad de drama versus comedia que tanto caracteriza a sus obras, una vez mas a manera de rapsodia neoyorkina, un tributo a su adorada ciudad.